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Un Soir Ou Un Autre

  • les fondamentaux du funk

    Le festival Jazz en baie n'annule rien de notre été-merci!-, dresse sa tente entre mer et Normandie avec ce soir le plaisir d'un rhythm & blues sans reprises ni redites.  
    Devant, la chanteuse Toni Green fait le job et vibre black et soul bien que sans surprises, solide caution US from Memphis, Tennesse. Surtout le groupe Malted Milk de Nantes ne sonne pas moins authentique. Le tempo tourne implacable, la rythmique propulsée par une batterie binaire et sans fioritures. On danse et je m'enivre. Du grand art exécuté avec une rigueur hypnotique, pour magnifier ce funk en costume cravate: un pas à droite, un pas à gauche. Tous tendus et impeccables, quand il le faut les cuivres donnent leurs coups de fouet, l'orgue gronde et déborde. Enfin le leader et guitariste Arnaud Fradin prouve l'évidence du blues: pas une note inutile.
     

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    Toni Green & Malted Milk au festival Jazz en baie à Carolle Plage le 7 aout 2016.
     
    Guy
  • Machine sensible

    L'accueil est vibratoire, avec des sensations aiguës et noires: des corps en rupture posés ça et là. Absorbés en intra-performances, plus en dedans qu'en représentation, au bord d'un contact intime avec nous spectateurs. Transition: ils convergent pour faire forme ensemble, créent des contours tremblants, genres brouillés. Les émotions fusent, mais creusées à revers, moins en langages articulés qu'en attitudes et manifestations brutes, la culture fragmentée en souvenirs. L'expression se réinvente. Des nudités surgissent, brusques et morcelées. Soutenues par des boucles musicales et des invitations murmurées, les séquences s'enchainent lancinantes. Peu à peu, je vois autrement, et peut-être au delà. La chorégraphie est poignante et rugueuse- elle ne ment pas- l'œuvre collective, furieuse et généreuse. Jusqu'à l'invitation à la danse.
     
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    Réel Machine par le collectif corps collectif vu à Mains D’œuvres le 24/06/2016. 
     
    Guy
     
    photo par Dominique Sécher avec l'aimable autorisation du collectif

  • A la folie

    Il y a ici une qualité rare: la lisibilité. Sensible, dans le voisinage paradoxal du foisonnement, de la complexité. Wajdi Mouawad creuse à la source de la tragédie relit l'Iliade, et Sophocle. Avant que le verbe soit, un homme et chien aboie, animal de rage et de douleur. La parole peut il le libérer de la folie? Peut-elle réparer les déracinements, les humiliations et les injustices, telles celles faites à Ajax? Les médias, en quatre déclinaisons parodiques, commentent en bruit de fond ce cabaret poétique, mais c'est à nous d'en tirer le sens. Interrogés par la voix insolente et libre de cet exilé du Liban, de la France et du Québec, par des images grotesques et épiques, sur l'identité qui doute, sur les retours au pays, de Thèbes à l'Algérie. 
     

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    Ajax Cabaret de Wajdi Mouawad au théâtre de Chaillot le 27 mai 2016.
     
    Guy
     
    Photo de Pascal Gely avec l'aimable autorisation du Théâtre de Chaillot
  • A table

    Rebecca Chaillon franchit d'évidence les lignes rouges- tant mieux- et pas seulement celles matérialisées par les fils qui structurent l'espace de la scène. Direction droit vers des zones intérieures, des appétits sans pudeurs. Ce soir est fouillée la fascination pour les "monstres d'amour" qui "aiment à la vie et à la mort", jusqu'à détruire, dévorer. L'entrée en cérémonie dans un demi-cercle de bougies n'atténue rien de la violence de l'engagement qui suit. Je croyais pourtant être blasé. La mise en scène goute à tous les langages jusqu'à la boulimie, et il y aurait de la vidéo à laisser. Mais pourquoi s'en étonner? C'est un appétit salvateur, dans l’excès. L'expression d'une sensibilité qui affleure, autour de la difficulté d'être et d'aimer.
     

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    Monstres d'amour de Rebecca Chaillon, vu au Théâtre Paris Villette le 12 mai 2016
     
    Guy
     
    photo avec l'aimable autorisation de la compagnie
  • Love is Comedy

    La relation amoureuse: les pièces de Leila Gaudin ont, pour de vrai, des sujets, pas les plus faciles au demeurant. Des sujets au pluriel: de l'obsession solitaire envers l'objet désiré, aux ajustements des corps et des caractères, à la construction sociale du couple dans le regard d'un tiers, les nuances et les glissements sont traduits ici sur la palette des disciplines et procédés employés. Sans ruptures de style, la comédie et la vidéo montrent ce qui est le plus évident, la danse et le mouvement suggèrent ce qui est plus subtil, fuyant. En commun, conciliés, la drôlerie et l'engagement. 

     

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    I love You, de Leïla Gaudin, vu au Regard du Cygne le 17 mars 2016 avec les Journées Danse Dense pour les festivals Signes de Printemps et Incandescences

    Guy

    photo de Jean Gros Abadie avec l'aimable autorisation de la compagnie

  • Trouble à l'usine

    Cécile Volange travaille à la chaine, Madame Merteuil dirige l'usine. "Je suis une force de travail", dit l'ouvrière... Dans une pièce "politique", les personnages se reduisent-ils que des concepts distanciés? Par leur voix le texte pose lourds les enjeux, texte cadencé comme le bruit lancinant de la chaine de montage de Volange, texte martelé en redites. Mais les mots imposés d'ailleurs se perdent, restent les corps dépossédés, leurs contradictions et leurs troubles, ici incarnés avec un bel engagement. Ce qui m'intéresse ici, ce n'est pas tant l'économique dénoncé- rendements et délocalisation- que l'exposition des rapports inévitables et invisibles entre travail et intime. Avec rigueur et cruauté, la pièce porte les "rôles" professionnels jusqu'aux points d'exacerbation du pouvoir et du désir. Les références aux liaisons dangereuses prennent alors tout leur sens. La scénographie froide campe l'espace personnel et familial de Volange comme un champ de gravas et ruines. Comme les autres personnages réduits par cette aliénation à leurs mécanismes, elle offre sa dévotion comme ses gestes et son corps à l'usine.
     
    Erwin Motors, Devotion de Magalie Mougel mis en scène par Maxime Contrepois, vu à la Loge le 26 avril 2016
     
    Guy

  • Vers le silence

    Le batteur est il vraiment le gardien du tempo? Les baguettes de Christan Vander déjouent cette attente, s'évadent et nous emportent, avec fougue et subtilité, déraisonnées. Le rythme est implicite, intérieur. Les accélérations et ponctuations véhémentes, le soulignent et le tendent, jusqu'à suggérer l'illusion d'un imperceptible silence, juste l'espace d'une micro seconde, ou l'existence d'une éternelle vibration, comme l'atteinte mais aussitôt perdue d'une perfection. Chaque fois une fin et une renaissance. L'émotion commande, servie par la technique: les premières notes de Naima résonnent, mais bientôt on se sait quand et comment le rythme lent de l'introduction s'est accéléré vers l'acmé.
     
    Surtout cette musique célèbre et suspend avec respect et dévotion un moment clé du passé, lorsque que le jazz atteint un sommet de passion, aperçu de l'absolu, porté le quartet de John Coltrane, Mac Coy Tyner, Jim Garrison et Elvin Jones, dont les musiciens ce soir reprennent les rôles. Cette pièce, récréée se joue depuis des années.
     
     
    Christian Vander quartet : Laurent Fickelson – piano ; Jean Michel Couchet  saxophones ; Emmanuel Grimonprez – contrebasse; Christian Vander: batterie au Sunset le 29 avril 2016
     
    Guy

  • Ligne Son

    Un contribution de François:

    Cela se passe dans un lieu underground : une cave exigüe aménagée en petite salle de concert, sous un rez-de-chaussée occupé par les bureaux de traducteurs maniant le russe, l’ukrainien, le tamil, le pendjabi ou l’hindi.

    Il s’agit de musique improvisée et expérimentale proposée par trois artistes. A ma gauche Julien Belon, claviériste, qui grâce au développement des processeurs et des mémoires digitales, dispose d’un outil puissant capable de réagir aux différentes pressions de ses doigts et de brasser et restituer de manière en partie aléatoire des centaines (des milliers ?) de sons stockés et triés dans son ordinateur. Au centre, Judith Kan, qui met sa voix et son corps au service de l’aventure. A ma droite, Cynthia Caubisens, pianiste,  qui prolonge la longue tradition des pianos bricolés et convie aussi la tradition japonaise des cordes, le kinbaku connu aussi sous le nom de shibari.

    Cynthia Caubisens anime le projet ‘ligne courbe’ , espace de rencontres dédié aux pratiques de l’improvisation musicale, qui se concrétisent surtout à Lyon mais qui à l’initiative de Judith Kan se produisent pour un soir dans cette cave parisienne. La démarche de Cynthia ne se cantonne pas à la musique mais aborde avec audace les rivages d’autres territoires. J’ai lu quelque part que le concept de l’œuvre hybride est obsolète. Il convient maintenant de parler d’œuvre transgenre. Quel que soit le terme choisi, c’est de cela dont il s’agit lorsque l’on contemple les 112 mètres de cordes tendues et nouées à travers la pièce en une sorte de toile d’araignée qui crée un réseau de forces et de tensions entre différents points de l’espace, à comprendre comme une métaphore d’un autre réseau de liens, celui qui se tisse entre les personnes présentes ce soir-là. ‘Des lignes explosives , figeant dans l’air des sons, pour mieux les donner à voir’ me dit Cynthia.

    Les trois artistes se produisent dans toutes les combinaisons possibles de jeu à deux ou à trois (quatre possibilités donc). Rien n’est écrit à l’avance et rien ne sera jamais identique. Ce que je vis pendant ces moments est aussi ineffable qu’un rêve deux heures après le réveil : les mots sont des outils inaptes à décrire l’expérience. Plongé dans un présent pur, le spectateur écoute les sons en appeler d’autres pour ouvrir peu à peu les portes sur un univers mental onirique plein de formes, de mouvements et d’émotions. Synesthésie ! Tout l’éventail imaginable des sons possibles semble être expérimenté et pratiqué. Cynthia triture son piano de mille façons ; par ses manipulations, elle dresse une sorte d’inventaire des traces sonores que les divers objets utilisés laissent lors de leur confrontation à l’instrument. Judith tout à la fois suffoque, mugit, grommelle, craquette, vocalise, je ne sais quoi d’autre encore. Julien, les yeux fermés, rend visite à son âme en nous envoyant des décharges de timbres inouïs. Ce paysage s’évapore lentement lorsque le silence revient.

    cynthia caubisens 4 2avr16.jpg

    Au souvenir de cette performance me vient à l’esprit le vers de Friedrich Hölderlin si souvent cité : ‘mais poétiquement toujours sur terre  habite l’homme’. Oui, il s’agit bien d’habiter poétiquement le monde.

    François

    Cynthia Caubisens, Judith Kan et Julien Belon, vus et entendus le 2 avril à Tiasci, espace dédié à l’improvisation libre et aux musiques traditionnelles, soirée en collaboration avec 'ligne courbe'

  • ça colle!

    Selon le pari du festival un chorégraphe, un écrivain tentent la rencontre. Ici sur un mode de fiction amoureuse, chacun dans le personnage de sa fonction. Elle souveraine et féline, garde le contrôle, l'attire et le porte, le frôle et vole, mène le pas de deux. Moqueries caressantes, mais bienveillance en action. Lui fait le grand gauche, qui parle et saoule, s'étourdit de mots, agite Schopenhauer et Platon. Paroles, paroles: les gestes l'emportent. Le contact se joue drôlement entre toutes parties du corps, se prolonge en une joyeuse danse, emportée par la voix de Sam Cooke. La danse fait vivre plus longtemps.
     
    It's a Match créé par Raphaëlle Delaunay et Sylvain Prudhomme pour le festival Concordan(s)es, vu au Colombier de Bagnolet le 25 mars 2016.
     
    Guy
     
    Prochaines représentation le 6 avril, à 15H à la bibliothèque André Malraux des Lilas , et à 19H au Centre National de la Danse (Pantin).

  • Métamorphoses

    Merci à François Pluntz pour ce texte:

    Tout en présentant pour la première fois une pièce en duo, avec Alessia Pinto, Sofia Fitas poursuit le chemin entamé dans ses œuvres précédentes, avec constance, cohérence et une profonde intégrité.

    Dès les premiers instants d’Experimento 4, je retrouve les éléments de son langage chorégraphique aperçus dans la pièce Que Ser ? Corps sans tête, emballés dans des vêtements sombres, figés dans leur obscure verticalité forestière. Timides rayons de lumière, vecteurs de mon regard ainsi aimanté en direction des mains et des doigts que l’imagination ne tarde pas à voir aussi bien en excroissances morbides et monstrueuses qu’en protubérances végétales ou coralliennes. Le corps ne se dévoile pas. La seule chair humaine offerte au regard est celle de ces quatre mains, qui soudain surgissent du noir dans un éclair incertain ou apparaissent au détour d’une épaule ou d’une hanche dans un mouvement aussi lent que celui d’un soleil levant. Chez Sofia, le visage n’existe pas, comme pour interroger une autre façon d’être homme ou femme, sans celui-ci.

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    Peu à peu les deux troncs humains, plantés à une distance respectable l’un de l’autre, abandonnent leur rigidité immobile ;  ça s’électrise, ça ondule, ça spasme. Sons épileptiques en accord. L’énergie sort de ces monolithes en saccades. Et ça se calme.

     Se produit alors ce que je n’avais pas vu dans les pièces précédentes de Sofia : le déplacement. Rien d’aérien néanmoins: écrasées par le poids de la gravité, les deux créatures devenues insectoïdes, rampent et se translatent avec lenteur vers leur point d’intersection. Elles se rejoignent, s’accouplent, fusionnent et donnent naissance à une nouvelle créature qui se fige, statique. Elles finissent pas se détacher l’une de l’autre pour repartir seules vers leur point d’origine, en ondulations reptiliennes.

    L’accompagnement sonore introduit les bruits de la mer et de ses vagues infinies (Mar Português ?) ou les sourds grondements telluriques d’un volcan en germe. Il renforce la puissance poétique de la pièce qui me laisse face au sentiment d’assister à la naissance du monde. Je remonte l’échelle du temps, là où terre et eau n’ont pas encore bien choisi leur territoires respectifs ; là où apparaît la vie et là où elle se transforme peu à peu, source de toutes les métamorphoses possibles, là où le minéral, le végétal, l’animal se mêlent encore dans un magma indistinct et provisoire, d’où un jour émergera l’humain.

     Dans une absence totale de procédés spectaculaires et aguicheurs, Experimento 4 nous transporte dans le monde des origines et nous met face au devenir incertain d’un vivant en transformation permanente. Les procédés employés plutôt minimalistes forcent à l’attention: la force d’évocation de la pièce n’en est que plus remarquable.

    François

    Experimento 4 – version courte, de Sofia Fitas, interprétation Sofia Fitas et Alessia Pinto, vu le 22 mars 2016 au théâtre le Colombier de Bagnolet, dans le cadre du festival Les Incandescences

    Photo de Ségolène Gessa avec l'aimable autorisation de la compagnie