Moeno oiseau, corde, pilier

L'aube du cinquième jour se lève à l'identique sur cette scène, la veille abandonnée au crépuscule. De dos une femme est assise sur la même pierre de craie. Sur la courbe du dos nu s'écoule le noir de l'encre à nouveau, goutte après goutte. Inscription d'un sens mystérieux, ou souillure, l'encre marque en tous cas le prélude muet à une nouvelle métamorphose. Un lent déploiement d'ailes invisibles, qui nous emmène très loin de l'humanité, mais prés de l'émotion à s'y brûler, qui fait basculer la forme en un constant déséquilibre. En suspension démesurée à un fil, la marche est impossible. L'image s'impose de l'albatros de Baudelaire.

La sixième soirée commence comme endormie encore, les fenêtres grandes ouvertes laissent rentrer comme un souffle de fraîcheur les rumeurs du dehors d'après la pluie: chants d'oiseaux, cri d'enfants, conversations assourdies, échos de chansons perdues. La danseuse, à la robe ample, est ailleurs, et humaine à nouveau, différente plus que jamais. Les gestes sont inédits, surprenants, d'une violence peut-être plus exprimée: sauter contre un pilier à s'en meurtrir, s'y enrouler, s'en servir comme appui pour s'imposer d'incroyables retournements.  

Septième départ, en robe noire et une corde est tirée. Des gages d'humanités. Le même chemin est parcouru, qui se rompts toujours au départ par une chute, mais jamais dans les mêmes pas. On est très loin ce soir des performances du début, épuisées d'elles-mêmes, disparues dans un don éphémère. Le corps s'étire moins, renonce à la rupture, regardant vers lui-même. La danse se fait moins physique, plus sobre, tendant un peu plus vers le jeu et le mime.

C'était "Ailes d'os d'un oiseau de compassion", "Ce qui est brisé garde le silence entre ombre et lumière", "Une ombre accrochée sur un ongle ensoleillé", par Moeno Wakamatsu, 5°,6° et 7° chapitres du cycle "Obscurité de Verre".

Le 8° et dernier chapitre: Un corps agonisant atteint à peine un chant, c'est mercredi prochain à la Fond'action Boris Vian

Guy

Baudelaire: l'éternel procés

Baudelaire est à terre. A genoux, défait, prostré, il fouille sa plaie du tranchant de ses mots, pendant que de l’ombre, émerge une future mariée. Sans visage, inaccessible. Sa montée silencieuse répond à l’implacable descente au cœur de l’âme dévastée de Baudelaire, dont la litanie déchire un silence devenu palpable. La blancheur virginale de sa robe est portée par l’acquiescement muet du fond noir. Le noir neutre de l’institutionnel, de la morale, celui de la décence. Derrière des paravents, les ombres jetées de la bêtise et de l’hypocrisie, sur fond gris. Au premier plan, Baudelaire lumineux se détache de l’obscurité qui emprunte ici au noir de l’exigence. Celui de l’absolu, de la solitude et du dépouillement. A ses côtés, juste une petite table,  pour l’élégance. Entre ces deux conceptions du noir, deux cubes de scène pour le décalage permanent des niveaux de discours, car on ne s’adresse au poète que de haut. La justice d’abord, par le biais du procureur Pinard, puis les institutions, à travers « la jeune file assassin de l’art », celée sous son voile nuptial. La société, ses pairs, en groupes de vautours, toujours de biais. La pièce, emportée par un texte implacable prend toutes les allures d’une mise à mort. Le dialogue entre le procureur et le poète, celles d’un duel impossible, entre création et morale. Jeté hors la loi, hors le monde dans sa solitude et son isolement, le poète expie, vulnérable, presque enfantin dans sa souffrance.

C'était Le Procés des Fleurs du Mal de Philippe Blondeau, mis en scène par Georges Zaragoza, avec les Compagnons d’Eleusis au Théâtre Municipal d’Epinal, vendredi 9 mars, dans le cadre du printemps des poètes, 150 ans après les faits.

Isabelle Viéville Degeorges

Avec Maki Watanabe, Marteau Rouge casse ses jouets

On continue, porté par les encouragements de Florence, mais comment rendre compte de ces souvenirs, d'hier déja?

Surtout de ces souvenirs- là, d'impressions que ne soutenaient dans l'instant d'alors aucune narration, de sensations à prendre ou à laisser. Qu'a-t-on vu et entendu? Sûrement pas un groupe accompagnant une danseuse, selon un scénario préétabli, ni une danseuse de buto improvisant sur une musique qui lui aurait été imposée. Les territoires semblaient plus incertains, plus poreux: par sursauts Maki Watanabe hurlait sa plainte, et les musiciens de Marteau Rouge faisaient le spectacle également, se donnaient à voir autant qu'à entendre: gestes délicats et puissants, spectaculaires à dessein du percussionniste (Makoto Sato), posture introvertie du guitariste -(Jean François Pauvros) arquebouté sur l'instrument, le visage caché en avant sous tignasse, position du clavieriste (Jean Marc Foussat)en savant fou, plus qu'inquiétant, triturant des machines dont débordaient des câbles par dizaines. Imagerie d'une mythologie somme toute classique: celle de la possession du musicien par la musique.

Yeux fermés un triangle musical, une figure riche et idéale, celle de la liberté collective, du risque et de l'improvisation (On a un peu peur d'employer ce dernier mot trop fourre-tout, car il faudrait s'attaquer à l'expliquer). Longs développements, un seul par set. On pourrait appeler le résultat du free jazz, peut-être celui qu'a laissé Coltrane derrière lui au bout de sa course, version bruitiste, versant electrifié. Cela évoque aussi, entre mille autres choses, les moments les plus bruts de King Crimson, époque "Red" justement.

Maki Watanabe est vêtue de noir et ample, seuls le ventre et le visage découverts. Plus qu'un détail: car l'attention se focalise dés lors sur l'économie générale de ses mouvement-sur le corps en son entier-, et sur son visage, extraordinairement expressif soudain. Méconnaissable de blanc, expressif jusqu'à l'effroi, inhumain, trop humain. Quant à cette économie, elle se caractérise plutôt par une dépense contrôlée mais généreuse, à envahir furieusement tout l'espace autour d'elle, sans compter.

Double improvisation, et faire l'expérience de l'improvisation de l'un nous fait ressentir et comprendre différement l'improvisation de l'autre. A l'exact opposé du "n'importe quoi": il faut obligatoirement maîtriser la technique, toutes ses règles, avant de les transgresser. Connaître ses arpèges sur le bout des doigts avant d'attaquer la guitare du tranchant de la main, ou à l'archet. Dans le trio toujours l'un des instruments-et pas toujours le même- reste dans la structure, afin de permettre aux autres de s'en affranchir. De ce contraste, de cette rupture, naît l'inquiétude et l'excitation.

Maki Watanabe en offre l'équivalent visuel, surprenante de discipline mise au service de la liberté, de violence, de rapidité, de justesse. Surtout surprenante tout court. Il y a dans ce qu'on voit matière à 10 soli, sans cesse interrompus, sans cesse repris. Portée par la musique de Marteau Rouge, la danseuse ne tombe pas dans le piège de l'imitation, de la simple transposition du rythme. Elle danse en contre-chant, s'unit à eux dans l'esprit plus que dans la lettre. La musique et la danse investissent tout l'espace des possibles en terme de rythmes, de timbres, de structures, de climats, d'humeurs, de volumes.

Marteau Rouge casse ses jouets, et maltraite les instruments, Maki Watanabe avec eux met son propre corps en jeu, sans calcul ni prudence. C'est la morale du jouet selon Baudelaire,cet objet détruit, dé-construit, éventré, disséqué, pour l'éclairer du dedans, ici la note ouverte à vif pour en faire jaillir une vérité neuve, et le geste arraché au corps, démarche furieuse et psychanalytique

C'était Marteau Rouge et Maki Watanabe ♥♥♥♥♥♥ à l'Olympic Café, au coeur de la goutte d'or.

Guy

P.s; On pourra voir Maki et d'autres aux Voûtes, dimanche soir