Des esquisses, et plus

Ce samedi soir, Jean François Munnier lève le rideau sur trois pièces en résidence à l’Etoile du Nord, propose d’en voir des extraits, des commencements, et invite les artistes à s’exprimer. L’expérience est passionnante…et il est délicat d’en rendre compte. Invité à voir ces ébauches, « fragiles » forcement,  on est condamné à la bienveillance.  

Blanc Brut de Françoise Tartinville, duo masculin en interaction avec un mobile et une bande son lourde de respirations, m’impressionne par l’originalité des matières dansées. Des ondulations, l’expérience d’un temps ralenti, décalé, une incertitude caoutchouteuse, une impression de violence contenue. A ce stade mon attention flotte, avec le sentiment que cette originalité se déploie encore tout azimuth. Mais cette impression n’est pas naturelle à ce stade du travail? Les explications ensuite de la chorégraphe et de l’équipe sont bienvenues. Précises et déterminées. Elles me permettent de me rapprocher de l’œuvre, me préparent à la revoir, plus tard. A confronter mes ressentis aux  intentions de base : la masculinité dans sa physicalité, ayant pu entrevoir les structures sous-jacentes, les relations entre chorégraphie, scénographie et bande son, issue de la respiration des interprètes.

La présentation d’ Edging me laisse perplexe. Je reçois beaucoup d'explications, trop d’explications, avant l’extrait, après l’extrait. Je reste dubitatif lorsque l’on m’explique que le sujet  n’est venu qu’en second, après le désir de rencontre entre les trois créateurs. Je ne fais pas les liens entre ce sujet- la rétention du plaisir au bord du paroxysme, et sur un plan social et politique la surcharge d’information et l’impossibilité de l’action, avec ce à quoi j’assiste ce soir: la réaction d’un corps prostré à une pièce de noise music jouée à fort volume. Les choix exprimés- montrer le vide du plateau, faire entendre la musique dans le noir- ne me paraissent pas consistants à ce stade, porteurs de significations. Trop tôt pour en juger? La pièce sera ce qu’elle sera…

 

Renversement : les premières minutes claires obscures de Sous ma peau, de Maxence Rey, installent déjà la sensation d’un achèvement, dans l'esprit si ce n'est dans la forme. Le sujet s’impose sans faux semblants: la féminité exposée par sa nudité. Ce sujet est d’entrée pleinement assumé, de la suggestion à la crudité. Ce sujet est bien sur dangereux par excellence, entre les pièges de l’esthétisme et ceux de la vulgarité. Mais ces premières minutes me paraissent atteindre aussitôt quelque chose au-delà de l’impudeur, laisser entrevoir « sous la peau » des identités pourtant insaisissables, mouvantes, protéiformes. Trois corps assis, en quasi immobilité, et je retrouve l’étrangeté évocatrice des Bois de l’ombre, au bord du gouffre de l’effarement. Les visages sont confisqués par des masques blancs et des perruques uniformes, mais pour laisser les corps s’exprimer, chacun dans sa singularité, corps qui évoluent bientôt et se déforment dans tous leurs états, de l’épure au fantasme. Jusqu'à la monstruosité?, Déja les dernières secondes et l’une des danseuses s’avance au bord de la scène en arrachant son masque…et nous abandonne sur cette interrogation.
Après ces vingt premières minutes, les explications de l’équipe sont redondantes, de pure convivialité. Sous ma peau sera une pièce forte, trouble, étonnante.

C'était les turbulents, présentation d'étapes de travail de Blanc Brut de Françoise Tartinville, Edging de Guillaume Marie (Chorégraphie et interprétation), Igor Dobricic (Conception et dramaturgie) et Kazuyuki Kishino (Création musicale), Sous ma peau de Maxence Rey, à l'Etoile du Nord.

Guy

Petites notes décousues

Petites formes cousues, mercredi, trois performances qui s'emboitent miraculeusement. D'abord Maxence Rey : j'avais vu une étape des Bois de l'Ombre à Mains d'œuvres. Tout a changé. Son registre s'est étendu. De la sérénité. Maxence balance vers la sensualité. La chaise a disparu au profit d'un cube. Sa robe, d'un noir de soirée. Des centaines de bougies tremblent. Leur lumière dansante grêle Maxence de taches de lune. L'image d'une cérémonie secrète. Toujours les jambes qui se plient, se déplient. Je prête aux gestes des sens mystérieux. Elle feint d'elle-même s'y perdre, et se considérer, ébahie, agitée. Belle bande son. On s'y croirait (mais où ? je ne sais). Effets de robe et de jambes. Ruades imprévues. Montée de l'inquiétude.

Mathilde Lapostolle a dansé (danse encore ?) avec Carlotta Ikeda. En a retenu le sens de la comédie. Du grotesque. Ne cherche pas à le cacher. Elle est blanchie. Danse en cercle. Tend vers une maladresse juvénile. Titube. A deux pas de la chute. Yeux perdus.  Une lourde robe, lacets et cerceaux. Repose jambes soulevées, sur le dos. Du post buto. Enfantin et excentrique. Je suis plutôt ému. « c'était exprès pour toi », plaisante à la sortie, Eléonore Didier - qui programme le festival; (Depuis un bout de temps Eléonore élude mes questions sur les influences buto dans ses propres pièces !)

Ensuite : Muriel Bourdeau, venue au pied levé. D'abord cette longue séquence vidéo. La danseuse en boucle dans l'escalier (Tiens, Jérôme en a déjà parlé). Et la danseuse en vrai. Allongée, plus ou moins vêtue. La suite, dans une semi obscurité est nerveuse. Une performance brouillonne et excédée. Une chaise, un amas de collants. On devine qu'elle les déchire: un bruit effrayant. C'est laconique et déjà d'une violence qui me tétanise. Fausses peaux, malmenées, etirées. Elle s'en habille, s'en lie. Prisonnière (mais de quoi au juste ?). Puis s'en libère, avec autant de rage. Face à nous presque invisible,  impudique par suggestion. Lumière. Habillée d'un jean. Massacre au rouge à lèvre. Surchargé. De la fureur sans bruit. La féminité assassinée. Une claque. Est cela, l'autoportrait ? Il y a longtemps que je n'avais pas vu quelque chose d'aussi fort, et « authentique ». Brut, inachevé ? J'y repense le lendemain en écoutant Irene Di Dio dire « c'est la dernière fois que je mets du rouge à lèvres », elle aussi torse nu. Mais j'en garde un souvenir beaucoup moins convaincu, d'un bout à bout pas abouti.

Ce jeudi je vois d'abord deux performances d'Anne Catherine Nicoladzé. Plus difficile d'en parler. Plus subtil. Elle rentre subrepticement en représentation. A choisit la salle de concert plutôt que le studio de danse. On dirait un échauffement qui devient une pièce. L'espace s'habite peu à peu. Le rythme s'installe. Obstiné. Autour d'une table. D'un coup c'est convainquant, soudain dense. Le son aussi. Ses glissements, frottements, amplifiés. J'aime cette monté en puissance. Quant à la seconde pièce ou intervient A.C.N, sur une proposition de Come Belain...Comment dire ? Cela ne ressemble à rien de déjà vu jusqu'ici. Un humour ravageur avec une chair incongrue. Je préfère laisser la surprise aux prochains spectateurs..qui seront attentifs au titre.

Ensuite l'échelle revient. J'attends cette pièce avec impatience. LaiSSeRVenir d'Eleonore Didier est interprété aujourd'hui par Ikue Nakagawa (vue il a peu dans la pièce de Rambert à Gennevilliers, dont il faudra tôt ou tard que je parle, et ce ne sera pas facile). E.D. à tout prix veut transmettre ses soli. Mathilde Lapostolle a déjà interprété celui-ci. Mais Mathilde ressemble (plus ou moins) à Eléonore, alors que les physiques d'Eléonore et de Ikue sont à l'opposé. il est fascinant de voir cette dernière habiter ce solo, dans les vêtements d'une autre. La pièce en devient plus nerveuse, moins placide. De la brusquerie, à fleur de peau, là où il y avait de l'abandon. C'est fascinant. Le temps s'écoule différemment...pas trés bien pour certains: à la sortie une spectatrice explose d'indignation et dénonce ce qu'elle appelle de la prétention. Je peux comprendre ce qu'elle ressent. Mais pour moi il s'agit de sensations partagées, de nuances, plus que jamais. Je reviendrai lundi soir peut-être, trop tard pour Tracks, et Slim.

C'était Les bois de l'ombre de Maxence Rey, Tumblewed de Mathilde Lapostolle, Autoportrait (version courte)* de Muriel Bourdeau,  Ce projet-là d'Anne Catherine Nicoladzé et Corpophonie de Come Delain et Anne Catherine Nicoldazé, LAISSERVENIR d'Eléonore Didier, Mona Lisa Song d'irene Di Dio.

A Point Ephèmere dans le cadre du festival Petites Formes Cousues, jusqu'à lundi.

Guy

* On ;-) me rapelle lundi qu'Autoportrait a été créé au Dansoir à l'occasion du festival Indisciplines!

photo (Anne Catherine Nicoladze) de Jérome Delatour

Voir, par Jérome Delatour, les photos de Mathilde Lapostolle, et Anne Catherine Nicoladzé

Faire part d'une agonie annoncée

Dans le lit au centre: l'agonisante, ce lit posé dans cette chambre sombre et nue, dépouillée mais que l'on situe quand même au XIX° siècle, une époque où la mort (ainsi que la naissance) n'était pas encore sous-traitée par les familles aux hôpitaux.... LA MORT: le gros mot est prononcé, et dès le titre, sans plus de précautions. Avec Je suis morte  Isabelle Esposito poursuit avec courage ou inconscience son parcours artistique sur un chemin solitaire et escarpé. A l'accompagner on jouit pourtant de points de vue qui valent le déplacement. Mais pour cela il faut un peu oser: dans notre univers mental desacralisé, et borné par l'illusion du droit au bonheur et du risque zéro, l'obsénité artistique la plus impardonnable consiste bien à montrer la mort plutôt que le sexe. 

Tout bien pesé, on rit alors beaucoup, au moins en dedans. On rit en silence, la respiration en sursis de la mourante tenant lieu de bande son. Ce silence, on l'accepte aussi. Pâle et diaphane, yeux fiévreux, Maxence Reyest une impeccable agonisante, aux râles inguérissables et aux gestes finissants. En cet instant elle n'est pas seule, plutôt bien entourée, dans l'entre deux. Entourée de morts et vivants. Ce n'est au début pas si facile de distinguer les uns d'autres. De sa place, au milieu. Parmi tous ces personnages, lesquels sont donc les fantômes de ses rêves et regrets? Et parmi eux lesquels sont les derniers accompagnants- frère, soeur, docteur- ceux-là pas au mieux de leur forme, du moins dans le regard de la mourante. Les endeuillés surgissent d'une porte noire et béante, leurs gestes souffrent saccadés et leurs pas tremblent. Les fantômes nés de ses délires ultimes, sont quant à eux souvent des bons vivants, doubles bondissants, qui batifolent, se taquinent et se poursuivent dans le plus simple appareil. Dans ces deux mondes dont elle est le point de rencontre, et sous ces deux lumières, le malaise se dissipe par l'effet libérateur d'un burlesque grinçant. Cette dé-dramatisation ne tourne jamais au ridicule, pourtant. De temps en temps la presque morte s'extrait de sa situation, pour s'adresser à nous posément droit dans les yeux. Ces moments nous permettent de relâcher quelque peu la tension, et aussi de nous faire prendre conscience qu'il s'agit pour le reste d'un pur théatre sans texte. Muet mais jamais ennuyeux, parfaitement chorégraphié et joué avec jubilation- certains matérieux déja travaillés dans vieille nuit ici réordonnés. Le tout est d'une claire et irréprochable construction.

 

Sans ostentation, donc un beau pas vers la réalisation de l'idéal interdisciplinaire. Déja à ce stade, car je suis le témoin privilégié d'un premier filage, l'oeuvre a alors encore un mois devant elle pour s'affiner. Isabelle Esposito semble résolue à gommer de la pièce tout ce qui lui semble encore trop naturaliste en état... Pour ma part je suis heureux du premier résultat, les yeux ouvert sur l'insaissable qui se délite, l'âpre fugacité de souvenirs sitôt condamnés. Yeux ouvert sur la mort vue en face sans tricher ni happy end, mais avec lucidité et tendresse, pour exorciser les peurs et cicatriser les regrets. Elle est morte bientôt mais reste vivante... jusqu'au dernier instant.

Ce sera Je suis morte, mise en scène, chorégraphie et texte d'Isabelle Esposito, artistes interprètes : Christophe Cuby, Thomas Laroppe, Anthony Moreau, Isabel Oed, Maxence Rey, Alexia Vidals, vu en filage le 26 février, créé à partir du 25 mars à l'Espace 1789 de Saint Ouen.

Guy 

lire aussi: vieille nuit 

photos de Christophe Rivoiron avec l'aimable autorisation d'Isabelle Esposito

Peut être Maxence Rey

Il y a ce que les chorégraphes écrivent, et ce qu'ils dansent, et ce que l'on voit, et ce que l'on pense. Et entre, des espaces délicieusement flous.... Avant de voir Maxence Rey danser son solo, je lis la présentation de la pièce - ce qu'on appelle les intentions- mais vite j'oublie tout, tant la piece s'impose, s'interpose.

 

D'abord la présence de l'interprête- c'est un fait: on oublie pas Maxence- en longueurs et étrangeté, l'attraction du visage, des yeux. Tous les mouvements partent de ces yeux. La théatralité nait en cet endroit, sans vains bavardage. Rien n'est prononcé à voix haute (et c'est heureux), mais dans le texte- quand même je m'en souviens- il était question de vulnérabilté. Je m'en souviens, car si je ne l'avais pas lu je l'aurais sans doute de moi même formulé: le personnage se débat de quelque chose, femme muette et sidérée. L'interêt, c'est que cette lutte se laisse tout juste deviner, sans l'applatissement de l'évidence, pourtant l'action confinée dans l'espace de cette chaise, ses stricts alentours. Dans cet espace contraint: des éclats de paniques, des éclosions empéchées, des gestes échappés, des impressions renversées, bouleversées. Ce qui ne revient à ne rien dire sans évoquer la manière dont celà s'incarne: l'interprête semble éminemment extensible, élastique à tâtons, noire gainée, danse tout en lignes, se transforme, lance des ombres, en surprises et lenteur ménage des accélérations. Entre jambes et bras qui n'en finissent pas de s'allonger, le corps disparaît, les sensations fusent et s'évadent, et bizarrement c'est drôle, souvent. C'est du moins tout ce que je vois, mis à l'aise pour voir à un point que les interruptions et transitions encore à régler-il s'agit d'un filage- ne me troublent pas. J'en déduis que la composition est aboutie et concise (pas si évident pour un premier solo), bien équilibrée avec lumière et musique. Mais il y a aussi le costume et ce chapeau trés étrange. Les accessoires s'imposent pour déterminer une temporalité...ambiguë. Ici c'est le concret qui crée l'inexpliqué, conjugué à la force d'évocation du corps, nous renvoie à réver à des multiples et possibles références auxquelles le texte ne nous a pas préparé.

 

J'ai la chance de pouvoir discuter avec Maxence et ses invités autour d'un verre et de crocodiles en gélatine. Comme je peux lui dire que j'ai aimé ce que j'ai vu, la discussion est agréable. Pour autant, ce dont Maxence parle ne ressemble pas tout à fait au spectacle auquel j'ai pensé assister. Jérome, en bon classique, a reconnu des dieux et déesses antiques, aussi et malgré cela des images d'élégantes des années 20. Moi-même, j'évoque des références à l'esthétique publicitaire de la fin du XX°. Mais ce que l'auteur redit de son solo: des expressions sous-jacentes d'angoisses, de morts et de décomposition... je me trouve plus à l'aise pour qualifier ainsi son travail d'interprète dans les pieces d'Isabelle Esposito, qui d'ailleurs est présente durant cette discussion! Tout est pour le mieux: la piéce commence à vivre et échapper à tout le monde (à la créatrice en premier). Je reverrai, bientôt, Les Bois de L'Ombre, pour surement y revoir du nouveau.

C'était une étape de travail des Bois de l'Ombre, de et par Maxence Rey, avec Cyril Leclerc (lumière) et Vincent Brédif (création sonore), en résidence à Mains d'Oeuvres. La piéce sera présentée aux professionnels le 25 septembre, dans le cadre des plateaux de la Biennale de Danse du Val de Marne.

Guy

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photo de Jérome Delatour- Images de danse