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micadanses

  • En Bref

    A nouveau vient un moment qui n'est pas attendu. Parce que pour les participants il n'y a ce soir que peu de règles, ou même aucune, si ce n'est que d’essayer de partager une évidence, en quelques minutes seulement. Pile ou Frasq est une scène ouverte à la performance: pas de programmation mais un ordre de passage tiré au sort, pas de sélection mais juste des prises de risque. Entre leur urgence d'être au plateau et notre curiosité, se crée vite un lien, ou moins. Il y a des propositions plus "dansées", mais alors pour moi moins pertinentes, trop esthétiques, dans ce cadre, d'autres construites, d'autres immédiates, d'autres qui me laissent loin. D'emblée grotesque, Art is not fun du Didier Julius déclenche aussitôt l'hilarité, par un commentaire sur la performance en général et sur celle-ci en particulier. Coline Jofflineau entraine tout droit mais avec une belle lenteur Ombre portée vers la conclusion que nous anticipons: la disparition de la performeuse au profit d'un double de papier. Ma tendresse va tout particulièrement à Tilhmenn Klapper et We're breathe the shit of plants, je suis fasciné et réjouis par les efforts plus ou moins A nouveau vient un moment qui n'est pas attendu. Parce que ce soir il y a peu de règles pour les participants, ou même aucune, si ce n'est que de partager une évidence, en quelques minutes seulement. Pile ou Frasq est une scène ouverte à la performance: pas de programmation mais un ordre de passage tiré au sort, pas de sélection, juste des prises de risque. Entre l'urgence d'être au plateau et notre curiosité, se crée vite un lien, ou moins. Il y a des propositions plus "dansées", mais au bord de l'esthétisme d'autres construites, d'autres immédiates, d'autres qui me laissent loin. D'emblée grotesque, Art is not fun du Didier Julius déclenche aussitôt l'hilarité malgré le titre, par un commentaire sur la performance en général et sur celle-ci en particulier. Coline Jofflineau organise avec efficacité Ombre portée vers la conclusion que nous anticipons: la disparition de la performeuse au profit d'un double de papier. Ma tendresse va tout particulièrement à Tilhmenn Klapper et We're breathe the shit of plants, je suis fasciné et réjoui par les efforts plus ou moins efficaces de ces jeunes gens pour garder des plantes en équilibre sur eux tout en leur parlant. Cela fait résonner en moi quelques évidences quant à l'inanité de nos propres efforts de communication. Mais ce soir particulièrement chaque spectateur vit son propre ressenti, bien évidemment. 

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    C'était Pile ou Frasq - 1ère partie le 13 octobre à Micadanses dans le cadre du Festival Frasq créé par le Générateur de Gentilly. Frasq #9 continue jusqu'à fin octobre.

     Guy 

     photo GD

  • Deuxième round

    Si les cordes du ring sont bel et bien matérialisées au sol, ce n'est pas la boxe qui est montrée ici, pas littéralement. Mais ses émotions, ce qu'elle bouge et met en jeu. La chorégraphie va extraire des gestes de la boxe: vivacité, élégance, surtout force et résistance, tout ce qui peut entêter la danse. La bande sonore capte le souffle de l'histoire, celle du match "Rumble in the jungle" à Kinshasa en 1974. Elle évoque par cet l'événement le destin d'un homme- Mohammed Ali- son combat politique pour la dignité. Le combat dansé ici rassemble plus qu'il n'oppose, artistique, politique, collectif. Il sont trois ensembles à porter les gants et non deux opposés, trois danseurs congolais d'aujourd'hui qui luttent, pour malgré l'épuisement se relever, vaincre et ainsi témoigner.
     

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    Debout - Se relever de Djino Alolo Sabin et Christina Towle vu le 13 octobre 2016 à Micadanses dans le cadre du festival ZOA.
     
    Guy
     
    photo par Anne Girard avec l'aimable autorisation de Zoa
  • Faut-il brûler Edmonde?

    Pas de mystères: la pièce de Christine Armanger est assez chargée d'images fortes, assez subtile et intelligente dans sa construction pour fâcher tout le monde. Des cathos chatouilleux qui apprécieront modérément de se faire accueillir par Ève maniant l'encensoir, aux anticléricaux militants qui lui reprocheront de ne pas clairement bouffer du curé, et trouveront suspect qu'elle connaisse son missel jusqu'au bout des doigts. Ou certains, par miracle, plutôt que de faire la queue pour en lapider l'auteur, recevront la pièce sans y plaquer leurs attentes et là où elle peut les mener: vers des territoires qui dérangent, et de libres interprétations.
     

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    Cette vie des martyrs à rebrousse poils déroute, sa construction à double niveau n'y est pas pour rien. Un étage pédagogique vidéo, animé sur un ton badin mais avec érudition, pour instruire sur la vie des saints. Et une évocation en direct par l’interprète, sensible, plastique et charnelle, des tourments de Saint Sébastien, Sainte Agathe, sainte Lucie... D'un coté un humour féroce et isolent, de la distanciation, de l'autre la fusion entre le sacré et l'érotisme. Sur scène s'incarne en extases ou souffrances le corps de Christine Armanger. Sur l'écran, son avatar virtuel- Edmonde Gogotte- déroule des tutoriels You Tube d'imitation des martyrs en Do-It-Yourself. L'une est sainte... mais l'autre ne l'est pas moins. Là, précisément, s'articule la pièce. En faisant dialoguer, en réponses aux mêmes aspirations à la transcendance, les figures passées de la tradition chrétienne, et les nouvelles idoles virtuelles pour qui les like tiennent lieu d'adoration. Nos doubles imaginaires d'hier et d'aujourd'hui. Avec une égale acuité et cruauté: en explorant chez les figures d'hier les ambiguïtés entre douleur et extase, le sort réservé au corps des femmes... En montrant aujourd'hui le martyr numérique subi par l'avatar, d'autant plus injurié et "bashé" dès qu'il dérange qu'il a été porté aux nues auparavant. C'est le sort virtuel que dans la pièce subit Edmonde. J'ose une prière pour que l'œuvre de Christine Armanger soit mieux reçue malgré sa radicalité.
     

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    Edmonde et autres saint(e)s - partie 1, de Christine Armanger, vu le 22 septembre à Micadanses dans le cadre de Bien faits!.
     
    Guy
     
    photos de Salim Santa Lucia avec l'aimable autorisation de la compagnie Louve

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  • Ensembles

    Seules contre le monde? Seules mais deux, ensembles. Sans besoin d'explications, la présence de ces femmes installe une évidence. Quelques gestes, une tension. Je ne parviens à comprendre cette immédiateté, je la reçois. En état d'alerte, entre elles l'espace se fait dense, chargé d'émotions duales, de déhanchements entêtés, de balancements nerveux et d'attentes. La violence sourd sans démonstrations. Le cœur bat au rythme d'une ballade cruelle. Que fuient-elles? Je crois que la tension se résout peu à peu en abandons et enlacements. Paix retrouvée, sensualité: leurs cheveux longs et libres volent au vent.

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    Vice Versa de Nicole Mossoux et Patrick Bonté, vu le 19 septembre 2016 à Micadanses dans le cadre de Bien Faits.

    Guy

    P.S. et à la même soirée , reprise d'Etna de Camille Mutel vu il y a 2 ans et raconté ici

    et des variations libératrices sur Blanc de Vania Vaneau (lire ici et)

    photo de Mikha Wajnrych avec l'aimable autorisation de Micadanses

     

  • L'imitation des saints

    L'effet le plus troublant, même avant l'in-actualité du sujet, c'est déjà de ne pouvoir savoir à quel degré recevoir ces exercices d'hagiographie, sucrés-salés, entre canon et irrespect. Il y a ici des signes de grand sérieux: Christine Armanger fait preuve d'une érudition sans fautes dans ces récits très incarnés des martyres de Sainte Agathe et Saint Sébastien (à cette étape). Et d'un coté la chair est intensément engagée dans l'imitation, avec flèches et tenailles, de l'autre les vidéos tutorielles témoignent d'une délicieuse désinvolture, détachée. Ou est ce de la pudeur? On flotte dans les zones frontières entre sacré et érotisme. Modernité et tradition. Déconstruction et réenchantement. Ça sent l'encens. Et le parfum également?
    Je ne poserai pas de questions à Christine Armanger, de peur qu'elle me réponde. On y croit, ou non. Certains mystères ne doivent pas être éclaircis. On la prie juste de continuer.

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    Edmonde et d'autres saint(e)s de et avec Christine Armanger,  étape de travail vue à Micadanses le 16 mars 2016

    Guy

    Photo de Salim Santa Lucia avec l'aimable autorisation de la compagnie.

  • Tirer le fil

    Tout est là, sur le plateau tel qu'en pensées, et en apparent désordre: vêtements, livres (beaucoup), accessoires et fleurs séchées, et souvenirs invisibles. Tout sera utile, ou non. Ou une autre fois. Cette conférence dansée évoque le flou du sensible, ce qui est fragile, qui va et revient, les extases possibles, le temps qui s'étend de la création. Elle ouvre un livre, lit un texte, regarde une image et en libère un geste. La danse émerge de l'informulé des inspirations, les pensées se matérialisent. Le corps s'autorise, la chorégraphe se cherche dans l'espace, erre et explore, une musique exaltée l'emporte. Le mouvement juste vient.

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    Tressage de Gaëlle Guéranger, vu en présentation professionnelle à Micadanses le 8 mars 2016.

    Guy

    Photo par Aurore Monvoisin avec l'aimable autorisation de la compagnie

  • Ebauches

    Chaque fois que j’en ai la possibilité, je viens assister à l’un de ces après-midi « Danse en chantier ». Il me semble que ces présentations sont destinées à une audience de professionnels. Quoiqu’il en soit j’y vais. Des chorégraphes viennent présenter des extraits de créations en cours, à divers stades d’inachèvement. Lumières et musiques font parfois défaut. Et ils en parlent, sur le plateau. Ils s’interrogent à haute voix sur le processus. Pour certains expriment leurs doutes. Ce qui est montré se prête plus à l’échange qu’à la critique. La fragilité est évidente. C’est une situation à risque. Je ne devrais même pas en parler. Je ne devrais même pas écrire à ce sujet.

    Mélanie Perrier présente un extrait de sa création précédente. Je prends acte-inévitablement- de la grande originalité du travail sur la lumière. Je goute à la perte de mes repères. C’est plus troublant encore, quand la chorégraphe parle, pour exposer ses intentions quant à son prochain travail. Je ne comprends rien. Je resterai-je crois- à jamais étranger au langage utilisé dans le milieu de la danse: « donner à voir, interroger un endroit, matière, penser la création d’un langage, réévaluer les paramètres ou le rapport à l’image, travailler la question de l’énergie, déposer un moment de travail, inventer un espace"… les expressions m’égarent.

    La découverte pour moi cet après-midi, c’est Rerererewrinting de Luna Paese. J’aime ne plus avoir me demander s’il s’agit ou non de danse. J’entends une histoire, des histoires, portées d’évidence par la voix, mais auxquelles le corps participe, comique. Je ris, et la remercie de me laisser penser que je ris intelligemment. Cette jubilation est un peu du même ordre que celle je prends à assister aux performances de Viviana Moin- dont l’accent est différent- mais avec aussi  des brusques virages et des fins abruptes, des absurdités et des coqs à l’âne des fils à tirer. Elle sait tirer le tapis sous nos pieds.

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    De ce que je ressens de quelques conversations, Leïla Gaudin est une jeune femme habitée, intense. J’avais été très impressionné par son fort engagement dans son travail sur les SDF (Errance et A la limite). Quand elle explique traiter maintenant du sentiment amoureux (dans une perspective interculturelle), je ne doute pas qu’elle le fera avec la même exigence. L'extrait qu'elle interprete me surprend, montre qu’elle se s’interdit aucun moyen, de la voix à la vidéo, de l’usage des langages, de l’adresse au public. Et –c’est important- ses explications témoignent à la fois de modestie et d'ambition. Le titre est trouvé, il semble qu’il n’aurait pu être autre: I love You.

    Étapes de travail de I love You de Leïla Gaudin, Rerererewriting de Luna Paese, extrait de Nos charmes n'auront pas suffit de Mélanie Perrier, à Micadanses pour Danse en chantier.

    Guy

    photo de la performance de Leïla Gaudin (au regard du Cygne) par Calypso Baquet avec l'aimable autorisation de la compagnie.

  • Perspectives

    Toute pièce-et cette pièce, Le Modèle, tout particulièrement ?- ressemble à un être vivant, qui grandirait, semblerait se fourvoyer parfois, revenir dans le droit chemin, prendre de l’indépendance, susciter tout au long de sa croissance tendresse, inquiétude, admiration, étonnement, agacement…  Pour mémoire, c’est Éléonore Didier la maman. A Micadanses en décembre, j’avais vu les premiers pas de l’enfant en public, déjà bien assurés: à lire ici.

     

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    Puis pour Artdanthé à Vanves en février surgit, tumultueux, l’adolescent dans des habits neufs, crâne et turbulent. Dans la cour des grands. C'est la première parisienne.Trouble. Sous ce nouveau visage, je ne peux oublier celui de l’enfant. Je ne peux renoncer à ce que j’avais choisi d’y lire en premier lieu, à rester dans le cadre de mes premières interprétations (d’ailleurs toujours opérantes). Mais tout avance en accéléré. En quelques semaines la pièce a muri de plusieurs années. C'est la crise d’adolescence, la musique est heurtée: Nick Cave et Rage Against The Machine, plein volume et rythme impair, martelé. Au second plan, entre le modèle et l'infirmière, le rituel de la toilette se déroule comme dans mon premier souvenir. Mais à l’avant de la scène-je crois- tout change. L’interprète, Pauline Lemarchand, s’émancipe, sur un mode énervé, hors du registre que je connais jusqu’ici chez Éléonore Didier. Ce changement est-il réel, ou est-ce une question de perception? M’étais-je trop attaché la première fois à regarder l'action au second plan? La danse parait ce soir bien plus sous tension, moins implicite. Le nouveau costume est extravaguant et sexué, exhibe un sein libre et à l'entrejambes une découpe sur chairs. Le corps, frontal, est souligné par la lumière, accent ou maladresse ? A mes yeux la danseuse agit toujours dans le champ du rêve de la patiente, exprime ce qui sinon resterait enfermé dans le corps soumis au second plan à un protocole rigoureux , si bienveillant soit-il. Mais ce rêve jusqu’au crescendo dévale ce soir bien plus violent, fiévreux, agité. Je suis déstabilisé. La première des richesses de la pièce est de se faire dérouler simultanément deux actions et de suggérer des interactions entre elles. Mais lorsque le performeur Vincent Thomasset apparait sur scène pour dire un texte sans rapport apparent avec le reste, la profusion devient confusion. Il ne s'insere pas dans cette toile. J'en ressors encore pris à contrepied, écartelé entre mon souvenir d’avant, profond et lent, et les sensations immédiates, violentes et crues. A la sortie, je discute avec d’autres spectateurs partagés entre adhésion, respectueuse mise à distance d’un objet complexe à méditer, voire franc rejet.

     

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    En avril, de retour à Micadanses, j’assiste à une nouvelle représentation (la troisième en ce qui me concerne). Le Modèle aborde l’âge adulte. L’énergie adolescence reste évidente, à fleur de gestes. Mais après Artdanthé je sais à quoi m’en tenir. J’essaie de voir dans la profondeur. Les précédentes pièces d’Eléonore laissaient de l'espace libre pour la pensée du spectateur dans une durée distendue, dans l’horizontalité.  La matière a ici changé. Restent bien des épisodes d’une répétitivité hypnotique, qui creusent l’instant jusqu’à la trame. Mais cette pièce, dense, s’approprie du regard plutôt verticalement. Le spectateur doit se mettre en condition pour percevoir les actions simultanées, comme s’agissant d’un opéra. Bien que le performeur, hors sujet, superflu, ai ce soir disparu. La greffe n’avait pas pris. Entre la danseuse d’un part, le modèle et l’infirmière d’autre part mon regard rétabli la balance. Au fond de la scène les gestes réalistes mais hors contexte, ce qui constitue un motif insondable d’étonnement. Et devant des gestes artistiques, représentés, qui touchent aux limites, dans cette profondeur entre les plans de mystérieux courants. Depuis le début de la création le sujet est resté le même, celui de l’œuvre d’Éléonore Didier: l’exploration allusive de pensées invisibles, insoupçonnées, du trivial au sublime. Parfois, ces pensées  explosent en arrivant à la surface. J’en étais prévenu depuis la représentation à Vanves mais je me laisse pourtant encore surprendre par la violence de l’interprétation de Pauline Lemarchand, qui culmine en un haka narquois et grimaçant, toute langue dehors, jusqu'au bout menaçante. Delicieusement épicée, cette piece ne se laisse pas apprivoiser. Joue consciemment ou non avec "l'acceptable". Derrière au dernier instant, l’infirmière tombe inanimée. Saisi, je ne peux m’empêcher de me demander qui l’a tuée… Est-ce la vengeance du subconscient de la patiente?

    C’était le Modèle d’Éléonore Didier, vu à Micadanses et au théâtre de Vanves dans le cadre du festival Artdanthé.

    Guy

    photos de Mary Golloway avec l'aimable autorisation de la compagnie

  • Esquisses

    Donc… Éléonore Didier se détache du solo pour créer une pièce de groupe. Dont une étape fût présentée à Micadanses, et qui sera crée jeudi prochain à Artdanthé. Et je m’intrigue toujours, de ce que je vais voir et de ce que j’ai vu déjà en répétition: le plus authentique, aux apparences quasi documentaires- le rituel minuté d’une toilette hospitalière- mais aussi ce qui semble le plus loin du quotidien, vers l’artistique: le mouvement dansé. Deux actions se déroulent, non en parallèle, mais liées. Ces actions sont menées par trois femmes sur scène: devant la danseuse, au second plan l’infirmière et une patiente qu’elle lave, habille. La danseuse danse comme- il me semble-  Éléonore Didier danserait. C'est-à-dire de façon inédite, et de manière à suggérer denses des pensées latentes. La patiente, quant à elle, reste passive, d’une parfaite impassibilité. Ce qui me renvoie, à d'autres d’œuvres d’E.D., la puissance des moments d’immobilité. Deux femmes, et de part et d’autre les mêmes parties de leurs corps sont mises en jeu. Soudain, je crois deviner la place de la danseuse: dans le rêve de la patiente. Celle qu’elle veut, mais ne peut être, dans cette situation. Son double, sa projection. D’un coté un état de pudeur, le corps détaché de lui-même, médicalisé, hors vue et hors jeu. De l’autre le corps à voir, agissant, dansant, sexué. D’un coté un temps fonctionnel utilitaire, de l’autre un temps sensible et ressenti, suspendu de silences, d’interrogations et rêveries, de dedans distendu. Tout vit, est vu, en même temps. De cet écart, la beauté surgit. Lors de la répétition j’ai cru voir tout cela, mais cette pièce en devenir n’existera plus, laissera place à une nouvelle création.

    Lors de la discussion qui suit la présentation, je demande à Éléonore Didier pourquoi elle fait débuter la pièce par un prologue, composé de poses des trois interprètes, dont je ne comprends pas le rapport avec la suite. Elle me répond sans me répondre, je crois, qu’elle ressentait le besoin de commencer par rassembler ces trois femmes. Sur le moment, je ne comprends pas. Maintenant je pense qu’il s’agissait pour elle, consciemment ou non, de matérialiser et permettre le passage de ses soli d’avant à ce trio, d’une seule pensée concentrée à trois corps, trois interprètes mais qui resteront liés.  Le modèle… Pourquoi ce titre? Certes, le rôle de la patiente est assuré par un modèle vivant professionnel, de même que l’infirmière est interprétée par une danseuse et future infirmière. Au moment où j’écris ces lignes, le hasard m’envoie une piste : le mail d’une compagnie qui annonce une performance puplique avec des modèles vivants posant pour des étudiants en arts. Je retiens de ce signe l’ambigüité qui inévitablement toujours persiste entre corps neutre et corps spectaculaire. Quoiqu’il en soit, ce titre reste au singulier pour une pièce de groupe bien que singulière. Le performer Vincent Thomasset, lors de la répétition, reste simple spectateur. Quel sera son rôle en définitive, et par quelles actions, vis-à-vis de ce triangle féminin? Je repense à la troublante passivité du figurant de Solides Lisboa, à la possible irruption du masculin (LaiSSeRVenir) sous la forme d’une… échelle.

    Jeudi, ce sera la création. Matière, scénographie, lumières, rythmes, mots, mouvements… tout se sera trouvé en route et aura depuis changé, hors les intentions. Se poseront alors bien d’autres questions.

    Le Modèle,d'Eléonore Didier, vu en présentation d'étape à Micadanses, sera créé jeudi au théatre de Vanves, dans le cadre d'Artdanthé.

    Guy

  • la mort et l'extase

    La version de 50 minutes de La Mort et L'extase est crée ce soir et demain à Micadanses en cloture du festival Faits d'hiver. A cette occasion, voici la rediffusion du texte mis en ligne le 15/5 aprés la création de la première version.

    L'obscurité règne d'abord dans cette salle enfouie profonde, entre attente et chaleur. Enfin émerge un être que l'on voit nu et que l'on ressent desespéré. Il évolue lentement à terre, accablé, suivi d'un autre, de cinq, de dix, bientôt multipliés à vingt, trente, quarante, aux formes d'hommes et de femmes qui s'insinuent par tous cotés, envahissent et saturent la scène en un tableau halluciné...

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    L'audace, l'ampleur et la crudité de cette entrée en matière suffisent à élever la pièce à un rare, même périlleux, niveau d'intensité. Nous sommes entrainé à un voyage aux enfers, une errance spectaculaire d'âmes en peine, damnées, sans but ni espoir, aux trajectoires perdues et circulaires. Les références à l'art pictural moyenâgeux apparaissent évidentes, d'ailleurs annoncées. On oublie Cranach pour penser à Jérome Bosch. Puis notre regard prend un point de vue plus contemporain, percevant la scène selon notre appréhension des rapports entre religion et culpabilité, entre mort et érotisme, alors qu'une dizaine de parmi les interprêtes se redressent peu à peu pour jouer les figures de la souffrance et de l'extase. Danseurs et danseuses se montrent traversés de décharges de plaisir et de douleur, leurs émotions manifestées par grimaces et torsions, travaillés par des entêtements ostensibles de peines et de jouissances, se flagellent et s'abandonnent contre les murs en poses offertes, tableaux que les miroirs découverts au fond de la scène tentent de prolonger à l'infini. La ronde des âmes nues, têtes baissées, continue ininterrompue, les danseurs prisonniers de leurs cycles, condamnés à répéter les mêmes séquences terribles à l'inifini. Au dessus de ces enfers s'éleve la musique de Vivaldi, magnifique, interprétée d'une voix de castrat issue d'un corps inerte porté par des corps nus. 

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    Avant que la voix ne se taise: la pièce ne dure que 25 minutes. Il faut ici exprimer un regret: le temps est compté. Au milieu de cette masse de corps circulants, on peine vite à organiser son regard et à suivre le propos des solistes. Le dispositif, si formidable au départ, gêne ensuite la perception de la progression de la pièce. On reste avec le sentiment que le sujet si riche est survolé, sans le temps de la dépasser...sans doute inévitablement, s'agissant d'une courte proposition et de la part d'une toute jeune chorégraphe. On souhaite que cette pièce, déja si furieuse et audacieuse, mais à l'étroit dans ce format, trouve bien des développements ultérieurs.

    C'était La Mort et l'Extase de Tatania Julien, présenté à Micadanses dans le cadre de la Soirée CNSMDP.

    Guy 

    Photo de Laurent Pailler avec l'aimable autorisation de Tatiana Julien, d'autres photos ici.

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