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musique

  • 100 % poésie

    Au Générateur on souffle 10 bougies. Anne Dreyfuss y invite la poésie sous toutes ses formes. C'est exactement de cela dont il s'agit ici, de la poésie à nous faire voyager loin dans ce lieu. A commencer avec les images loufoques, mobiles et hallucinées des scopitones... Puis surprend, poétique à laisser bouche bée, la rencontre de tous crins, ceux du violon réputé civilisé de Théo Ceccaldi, ceux du cheval dompté mais puissant, si puissant. L'amazone, Netty Radvanyi est posée sereine, le cheval impose son incroyable présence, si beaux tous deux, liés. Le peintre Vincent Fortemps revient aux origines: l'argile sur leurs corps nous ramène loin en arrière. Sous la projection d'images brouillées le cheval devient zèbre, et nous explorons des cavernes inconscientes.
     
     

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    Jean François Pauvros et Didier Malherbe nous offrent de la musique qui devient poésie, de l'inédit, toutes textures brassées. On peut, incrédule, les regarder, l'un caché sous ses cheveux, qui parle à travers sa guitare et attaque les cordes sous tous les angles, l'autre, coloré, qui souffle dans tous ses instruments d'ici et surtout d'ailleurs. Ou l'on peut s'étendre yeux clos et voyager-ici c'est un lieu on l'on se pose où l'on veut- pour vivre autrement les paysages que racontent les deux voyageurs. Il y volent très haut en improvisations. Ils dialoguent en liberté, en vibrations électriques et acoustiques, chants et loufoquerie, et nous emmènent, en exotisme ou dans des lieux paisibles. Le tissu de mes pensées effiloche,comme les notes elles vont et viennent où elles veulent.
     

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    C'était la Nuit blanche au Générateur en ouverture de Frasq, avec Les scopitones de Laurent Melon, À tous crins avec Théo Ceccaldi, Netty Radvanyi, Vincent Fortemps et Arto, le concert de Jean François Pauvros et Didier Malherbe, et (pas vu) C.O.L.O. de Bino Sauitzvy & Cyril Combes.
     
    Guy
     
    Frasq, le festival de la performance continue jusqu'au 22 octobre.
     
    photos GD

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  • les fondamentaux du funk

    Le festival Jazz en baie n'annule rien de notre été-merci!-, dresse sa tente entre mer et Normandie avec ce soir le plaisir d'un rhythm & blues sans reprises ni redites.  
    Devant, la chanteuse Toni Green fait le job et vibre black et soul bien que sans surprises, solide caution US from Memphis, Tennesse. Surtout le groupe Malted Milk de Nantes ne sonne pas moins authentique. Le tempo tourne implacable, la rythmique propulsée par une batterie binaire et sans fioritures. On danse et je m'enivre. Du grand art exécuté avec une rigueur hypnotique, pour magnifier ce funk en costume cravate: un pas à droite, un pas à gauche. Tous tendus et impeccables, quand il le faut les cuivres donnent leurs coups de fouet, l'orgue gronde et déborde. Enfin le leader et guitariste Arnaud Fradin prouve l'évidence du blues: pas une note inutile.
     

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    Toni Green & Malted Milk au festival Jazz en baie à Carolle Plage le 7 aout 2016.
     
    Guy
  • Patti Smith: ainsi soit-elle

    Jesus died for somedy’s sins… but not mine, ainsi Patti Smith entame-t-elle Gloria (in Excelsis Deo), la première des chansons du concert. Pas de surprise pour les fidèles, la cérémonie après cette première profession de foi est célébrée dans l’ordre attendu: celui de l’album Horses en intégralité. Les journalistes en panne d’imagination qualifient Patti Smith de grande prêtresse du rock. L’expression est galvaudée, mais il y a un fond de vérité. La transe, celle qui vient du gospel, est à l’œuvre ce soir, avec un autre vocabulaire musical. La chanteuse porte son discours d’une voix rauque de preacher, sa gestuelle évoque la possession ou d’incarnation, d’exhortations en appels, avec la conscience partagée de porter quelque chose de plus fort qu’elle. Quelque chose comme une spiritualité sans religion, un humanisme écorché. « Je t’aime » nous dit-elle en français. L’essentiel est dit, le reste pourrait être scandé et chanté autant en latin qu’en anglais, elle touche au cœur. Elle parle non de Dieu mais de l’homme, d’amour et de douleur, d’espoir et de deuil, récite dans Elegie la litanie des disparus de Joplin à Mapplethorpes, raconte (break it up) comment Jim Morrison lui apparut en rêve. Il est moins question ce soir de la vie des saints-comme François d’Assise qu’elle affectionne- mais des appels à se lever et se révolter (people have the power) pour les gens, pour la terre, contre la guerre. Avant que nous partions en paix, elle offre en sacrifice les cordes de sa Gibson. Je crois en Patti Smith.

    Patti Smith et son groupe jouent Horses et plus, à l’Olympia le 21 octobre.

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    Guy

  • Fée Electricité

    Bloody Marie avait déjà la voix: elle vient de trouver un complice à 6 cordes de métal un son à l'unisson, qui colore de blues ses textes, les agite d’électricité. Il y est question d’amour beaucoup, voire de passion, même de sexe un peu, avant tout de liberté. Les chansons ouvrent l’espace pour respirer dans le décor du quotidien, quitte à le déchirer. La mythologie est rock ‘n roll, et le chant comédie, les personnages de Marie aiment, souffrent et luttent, rendent coup pour coup, mais savent s’abandonner garde baissée. L’insolence est là, d’éternelle ado et l’envie d’en découdre, la confiance vient peu à peu pour se lâcher, long live Bloody Marie.

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    Concert de Marie Delmarès (Chant et textes) et Mehdi Sfaxi (Guitare électrique, lap-steel, grosse caisse, chant) vus et entendus au Chat Noir le 8 février.

    Guy

    photo avec l'aimable autorisation de Marie Delmares

  • Jazz?

    Arthur H. mauvais élève en jazz, nous confie-t-il, modeste, qui en guise de standard ne sait jouer que The Man I Love. Se produire en quintet cool et classe à cuivres et contrebasse, est-ce avant tout installer une ambiance d’avant et d’ailleurs, du cabaret, du théâtre? Pour raconter goguenard de sa voix rocailleuse ses belles et drôles histoires de personnages qui font rêver et sourire plutôt que d’y croire: le soldat, le chercheur d’or, le trompettiste fou… Laisser se heurter mots et textes, cette poésie décalée. Alors les notes aussi peuvent raconter, emporter. Et lui de nous surprendre d’accords plaqués sur son clavier, dissonances qui semblent le travailler dedans depuis des éternités. Laisser de l’espace aux musiciens, improviser en rappel, trop vite, prendre le risque de se planter. Alors c’est du jazz.

     Jazz, Musique, chanson, Cité de la musique, Jazz à la Villette

     

    C'était "I'm Beginning to see the light" à la Cité de la musique, concert vu et écouté le 13 septembre 2013 dans le cadre du festival Jazz à la Villette, avec Arthur H (piano, voix), Laurent Bardainne (saxophone, clavier, arrangements), Fabrice Martinez (trompette), Marcello Giuliani (basse, contrebasse), Raphaël Chassin (batterie).

    Guy

     

    La vidéo du concert est ici en ligne jusqu'au 14 mars 2014: http://www.citedelamusiquelive.tv/Concert/1008323/arthur-h-%22i-m-beginning-to-see-the-light%22.html

  • J'ai entendu Dieu (à la maison)

    La musique nous surprend de tous cotés, de devant, de derrière, à gauche, à droite, au dessus, au dessous. Nulle part et partout à la fois, à l'image de Dieu dont il est ce soir question. Présente et invisible, son origine est cachée. Elle nous entoure, cette musique libérée des instruments, eux qui sont exposés en pièces sur tous les murs de toutes les pièces de cette maison, de la cave au plafond: un incroyable bric à brac electro-acoustique de bobines, de bandes, de mémoires, de circuits imprimés, de boites, de ressorts, de claviers, de cordes, de manches, d'enceintes, de peaux, de bois, de caisses de résonances, de pupitre, de potentiomètres, de fils, de curseurs, de touches, de disques, de cds. Tous ces objets mis en pièces, joyeusement disséqués, leurs secrets explorés, leurs sons mis à nus, ré-agencés en souvenirs et trophées.

    Ici vit Pierre Henry, c'est sa maison et son lieu de création, dans une petite rue de Paris. Nous y sommes accueillis, sagement assis par petits groupes dans chacune des pièces. Le créateur est invisible, l'homme recherche Dieu, les mots sont de Hugo, la voix est celle du comédien Jean Paul Farré qui vient nous rendre visite pour l'un des chapitres, avant de poursuivre sa quête dans d'autres pièces de cette maison de sons. Le poème métaphysique de Victor Hugo s'amplifie de minutes en minutes avec emportement, voire emphase, même grandiloquence. Mais la musique de Pierre Henry qui l'accompagne est aussi simple à entendre que sa construction est élaborée: elle évoque humblement les sons de la vie, imagine ceux de l'au-delà, et le souffle de l'âme entre les deux. Au terme du voyage, la maison explorée, Dieu reste absent. Pierre Henry se laisse apercevoir au cœur de la maison, installé au milieu de ses machines dans son salon, barbe de patriarche, modeste et bienveillant.

    C'était Dieu à la maison, de Pierre Henry sur des textes de Victor Hugo, avec Jean Paul Farré. Chez Pierre Henry, avec le festival Paris Quartier d'Eté

    Guy

    A lire: Pierre Henry au T.C.I.

    Pas de photos, la politique du festival étant de laisser les demandes sans réponses, mais on peut voir la galerie d'Agathe Poupeney

  • Benny Golson whispers

    Ce murmure là de saxophone, d'une virilité contenue, d'une volubilité tranquille, c'était- il y a 20 ans- d'une terrible efficacité pour titiller de vibrations troublantes le sexe opposé, pied au plancher, fenêtres ouvertes et volume poussé haut sur le radio cassette. Cette musique là était assez originale pour faire intellectuelle, alors assez vieille de déja 30 ans de plus pour être parée de la qualité mystérieuse des choses historiques, assez entendue pourtant pour permettre à chacun de se raccrocher à quelque chose de vaguement familier (Car ce Blues March  avait servi pendant une éternité de générique sur Europe 1 à l'émission de Fillipachi et Tenot). Quelques kilomètres ensuite, pour se faire pardonner les assauts à la hussarde des baguettes d'Art Blakey, on envoûtait sur l'autre face avec Whisper Not, un sourire esquissé, une caresse, un baiser. 

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    Ce soir Benny Golson ressouffle Whisper not, en notes sinueuses et colorées. La mélodie se laisser couler tout en médium, sans jamais que le musicien ne force, avec tout au plus quelque grognements graves et jamais d'échappées aigues. Si l'on craint que le tenor ait avec l'âge perdu un peu de coffre, on peut réécouter les vieux enregistrements: la puissance, surtout la manière sont les mêmes qu'à la fin des années cinquante. Le style depuis épuré de quelques échauffements rythm' blues, qui avec le recul apparaissent comme des facilités de l'époque hard bop. Sax posé, Golson raconte le triste jour de 1957, partagé avec Dizzy Gillespie à l'Appollo, de la disparition d'un musicien à l'âge de 26 ans, et offre son hommage au trompettiste: "I remember Clifford". Les années ont vécues mais Benny Golson a le temps, seulement 80 ans, et plus du tout besoin d'épater. Au saxophone il continue à dialoguer avec les ombres, et les notes s'évadent du passé. L'invocation de fantômes aux noms illustres fait partie ce soir de la visite. Mais aucun de ces hommages n'est gratuit, chacun le pendant d'un thème musical hanté de souvenirs mélancoliques, colorés. Tel Stablemates une de ses première compositions, que, raconte-t-il, son ami Coltrane fit enregistrer par Miles Davis. Les ballades sont vives, jamais mievres, piquantes et subtiles. Les phrases de Golson flottent, véloces mais détachées, en un sens modestes. Le leader délégue tout le panache à la trompette, avec le soin de faire briller les notes haut comme il faut, l'explicite du tempo à la section rythmique franco-américaine, attentive et respectueuse: piano discret, contrebasse veloutée, cymbales ouatées.

    S'émerveillent ce soir au Duc des Lombards quelques dizaines de rescapés, d'amoureux de l'inactualité, qui imaginent ou se souviennent delicieusement d'un temps libre et insouciant, quelques mois avant l'arrivée fracassante du free jazz, de Coleman, de Dolphy pour qu'ensuite tout change à jamais. D'un temps où cette musique ne se posait pas encore la question d'être ou non militante. D'un temps tout simplement où cette musique était écoutée. De moments inutiles et sublimes, pour un soir recréés. Durant lesquels on se sent tout à fait bien, surtout si on est deux.

    C'était Benny GOLSON (ts), Pierre-Yves SORIN (b), Alain JEAN-MARIE (p), François BIENSAN (tp), John BETSCH (dms), au Duc des Lombards.

    Guy

    Photo de Benny Golson (D.R.) avec l'aimable autorisation du Duc des Lombards.

  • Xavier Le Roy n'est pas un chef d'orchestre

    Depuis un peu trop longtemps on n'avait pas réussi à sourire devant une scène, à force de toujours y voir souffrir de la danse contemporaine. Merci à Xavier Le Roy d'entrouvrir un espace au comique, dans cette étude sur les rapports entre gestes et musique. En incarnant ce soir un chef d'orchestre, qui de son corps dirige le Sacre du Printemps. Bonne idée: les musiciens en action sont des acteurs à part entière (On se souvient de Jean Pierre Robert!). Si beaucoup de danseurs (Patkai, Ingvartsen, La Zampa, ...) s'emparent de la gestuelle des rockers, il y a aussi de la matière à développer du coté des classiqueux. Mais se faire un Sacre, c'est une prise de risque, tant la pièce de Stravinsky (1882-1971) est, chaque saison, vue, revue et réentendue. Rien que le printemps dernier Daniel Leveillé exhumait sa version, plus tard on applaudissait Ferron et Unger pour avoir détourné le thème. Et c'est loin d'être fini, ce printemps va refleurir par soudaines embellies jusqu'à l'été prochain, il faut pour commencer qu'on pense à réserver Emmanuel Gat au CND (avec JD s'il n'a pas oublié).

    Leveillé nous avait un peu déçu, c'est que le Sacre est si fort musicalement qu'on parait souvent faible à juste l'accompagner: il faut s'y opposer pour s'imposer et marquer sa différence. Ou bien prendre cette musique à bras le corps. C'est le choix de Le Roy, et cet homme, dégingandé, a des bras démesurés. La musique est le sujet central, l'enjeu obsédant, dans une démarche toute contraire à celle entreprise dans Lointain où la musique se situait à coté de la danse, créait une distance. Le chef d'orchestre est seul ce soir, pour incarner la musique, avec elle ne faire qu'un, seul face à d'invisibles musiciens. Mais face à nous en vérité: c'est donc nous qu'il interpelle de la main, de la tête, du pied. Pour un étrange jeu à trois, où nous spectateurs sommes deux à la fois, vrais spectateurs et faux musiciens. Et il devient vite évident que ce chef n'en en pas un et ne cherche même pas à faire semblant. Les soit-disant gestes de direction d'orchestre s'extrapolent bientôt en danse, en un code élaboré. Le processus est inversé car c'est la musique qui produit ce mouvement. 

    Le comique jaillit vite d'une expressivité exagéré. Quitte à frôler parfois Fantasio version Mickey. Les enfants sont d'ailleurs ce soir inhabituellement nombreux dans la salle du Centre Pompidou. Pourtant ils semblent peu concernés, somnolent un peu. C'est peut-être typiquement la catégorie de spectacles dont les parents branchés imaginent qu'ils passionneront leurs enfants si éveillés. Délicat pour ces derniers d'apprécier ces jeux de miroirs et de connivences. On regarde Xavier Le Roy, qui s'offre toujours entier, le corps commandé par les asymétries rythmiques de Stravinsky, tout en toujours affectant de les apprivoiser de la main. On songe qu'un authentique chef d'orchestre serait tout autant mu de l'intérieur par une musique pré-existante avant d'aider l'oeuvre à accoucher au jour. On se surprend marquer du pied la mesure, anticiper les notes et les accents à venir, imaginer les mouvements qui vont suivre, spectateurs et virtuels musiciens dirigés à notre tour. Par Le Roy, medium expressif, qui réussit à nous animer, la boucle est bouclée.

    C'était Le Sacre du Printemps ♥♥♥♥ dansé par Xavier Le Roy, au Centre Georges Pompidou, avec le Festival d'Automne à Paris.

    Guy