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Il fut un moment, très particulier, et jamais ressenti jusque là, où peut-être toute la beauté de cette pièce se concentrait soudain, quand Moeno s'était relevée, étirée, et a tendu le bras, la main, le doigt, le regard s'envolant au delà, trés loin.
C'était "Proserpina et la mort", dernière -jusqu'à l'an prochain ?- des étapes de ce Project Ovid à Paris, c'était toujours toujours au même endroit.
Guy
Comme chaque fois que Moeno Wakamatsudanse, c'est un chemin lancinant qui est tracé, accidenté, avec des suspens de douleur et d'épuisement, mais sans retour en arrière. Jusqu'au bout. Un voyage toujours, tragique mais jamais le même. Ce soir la cour de la "fondaction 
Boris Vian", au delà des grandes portes-fenêtres, devenait la scène. Dans cette cour, mort peut-être déja, Orpheus gisait, chairs meurtries contre la pierre. Le voyage de ce soir était celui d'Orphée aux enfers, le retour d'Orphée sans doute, Eurydice perdue deux fois, Orphée rubans aux pieds, à l'extrémité une lourde pierre à traîner.
Peut être la plus grande beauté de cette danse réside-t-elle là, dans un intense et impossible équilibre sur une seule main et sur la seule pointe d'un pied, un effort continu qui engage tout le corps, et l'âme. Ou dans une chute. La chair éprouvée contre le sol rugueux.
Aprés un maitre - Masaki Iwana- pour invité la semaine d'avant, cette fois une novice (une élève ?): Noura Ferroudj. Elle résoud vite et trés radicalement l'épineux problème du costume de scène. Mais même encore habillée des "Z'ailes du désir"il lui reste toujours ces cordes-souvenir de rite Shinto ?- qui l'étranglent, elle comme nous comme vous et comme chacun, ces maudites cordes dont il faut prendre le temps un jour de se libérer.
Pièce structurée en pyramide: ascension-paroxysme-descente, rien de ce coté qui ne surprenne. Et en effet c'est joli, ainsi que l'accompagnement boisé de clarinette, les amples mouvements qui s'offrent, les beaux effets de lumière rasante sur le corps presque allongé. Tout cela est joli, comme une rêverie étrange, même un peu acidulée, même parfois un peu agitée. Aux acres parfums du moyen-orient. Tout cela reste encore sans doute en deça des ambitions du projet. Rien n'apparait vraiment tragique, encore. Le corps est là, mais un corps ne laisse pas deviner cette tension qui recule les limites de la danse. Un corps nu mais qui semble plus serein qu'inquiet, qui se met en jeu entier, généreusement, mais sans oser le hors jeu. Mais il est vrai: on avait vu Moeno avant.
Quoiqu'il en soit mercredi prochain Noura Ferroudj s'envole à nouveau- encore plus haut peut être- au même endroit -Boris Vian Cité Veron - un indice: c'est à coté du Moulin Rouge-, et avec bien sur Moeno, métamorphosée en Dryoped' Ovide à nouveau.
Guy
Le souvenir d' Ovide, décidément, flotte dans l'air du temps, autour de nous, dans nos esprits, sur les scènes.
Après Echo, qu'on avait vue il y a peu ré-inventée par Clémentine Baert, Moeno Wakamatsu ce soir devenait Dryope.
Dryope, innocente et condamnée à une cruelle métamorphose: "Ses pieds avaient pris racine et adhéraient à la terre; elle lutte pour les en retirer, mais elle ne peut mouvoir que le haut de son corps; l'écorce monte lentement du bas (...) à cette vue elle porte la main çà ses cheveux et cherche à les arracher, sa main se remplit de feuilles..." Une lutte sourde et inégale entre la sève et le sang, qui se résout en une immobilité glacée.
Un sujet tragique. Un sujet périlleux, lourd de contraintes, pour qui veut relever le défi, obligeant à la lenteur, l'intensité et à la retenue. Un sujet plus qu'en affinité avec notre danseuse, avec cette artiste précisément.
Pour lui permettre d'exprimer, de tout son corps, quelque chose d'universel et d'intérieur qui est de l'ordre de ce qui ne pourra jamais être dit ni montré. Ambition ultime et paradoxale de tout art qui n'a pas renoncé à lui même.
Moeno tend lentement vers cette limite dangereuse, de tout son corps. Un corps singulier et presque effrayant. Un corps d'une impudeur douloureuse, de cette douleur des blessures ouvertes et avivées, cette douleur qui permet à la conscience de ne pas succomber tout de suite à la mort et à l'indifférence. Un corps d'une trop fragile humanité, qui à force d'être vu dans ses détails devenus peu à peu mystérieux se métamorphose loin des repères convenus de son unité. Un corps dés le départ contraint et entravé, le bras attaché à une branche, et la jambe à une bande de tissu déchirée, donnant violemment à deviner ses sentiments et ses tentations, résistant encore un peu de l'intérieur à l'engourdissement.
Mais il ne pourra avoir d'espoir ni de rémission, seulement le don sublime et sans lendemain d'à peu prés tout ce qui peut être offert sur une scène.
Ce cri qui monte en elle ne viendra jamais au jour pour d'un coup nous aveugler. Les plaintes spasmodiques qui par soubresaults s'échappent de l'accordéon de Claude Parle, à l'unisson des mouvements empêchés de Moeno, sont des émouvants échos de ce cri impossible, comme de troublantes résonances.
Suivait Masaki Iwana, invité pour un soir d'une génération d'avant, et qui affichait la sincère humilité et l'inévitable assurance des maîtres indiscutés. Il dansait Kenran, une pièce tout en ruptures et en interrogations. On ne connaissait pas sa danse jusqu'alors. Après cette entrée en matière, on retournera le voir et pour le comprendre, on espère bientôt.
En attentant on retrouvera Moeno pour d'autres métamorphoses, et avec d'autres invités, dans le cadre de ce Project Ovid : Orpheus, et Proserpina, et Dryope à nouveau, tous les mercredi soir d'octobre, à "Fondaction Boris Vian", 6 bis cité Véron, un lieu charmant et un peu clandestin mais que l'on peut trouver, en cherchant bien.
Guy
Les histoires d'amour finissent mal, en général, et ce depuis que le Monde est Monde. En tout cas depuis bien avant la chanson, depuis les Métamorphoses d'Ovide (43 avant J.C - 17 aprés J.C.) , au moins.
Surtout quand l'histoire est unilatérale, telle la passion d'Echo pour Narcisse.
Echo: "La nymphe qui ne sait ni se taire quand on lui parle, ni parler la première, la nymphe qui répète les sons".Echo, brûlée de désir, qui répète les paroles de Narcisse. Echo qui, rejetée par l'être aimé, se laisse dessécher, jusqu'à ce qu'il ne reste d'elle que la voix, et les os sous la forme d'un rocher.
Clémentine Baert joue Echo, elle chante et danse le rôle aussi. C'est beaucoup à la fois, et c'est peut-être trop pour ne pas toujours éviter de sembler, techniquement, maladroit.
Mais au final elle est Echo, larmes aux yeux et émotion à fleur de peau. A cause de cela sans doute on se laisse attendrir, comme à chaque fois quand on écoute une telle histoire, même si l'histoire, surtout celle là, est un peu usée. Mais la ruse du théatre est de toujours nous faire croire à sa nouveauté.
On se laisse donc attendrir malgré tous les partis pris esthétiques caractéristiques de ce théatre blanc, ce genre de 
théâtre qui considère dangereusement les mécanismes transparents de sa propre abolition. Le théâtre etait blanc ce soir. Mais malgré cela, Clementine Baert etait Echo.
Il existe un théâtre rose bonbon, robe de chambre de mousseline, escaliers roccoco, et répliques appuyées, pour les vieilles et les théâtres à l'italienne. Un théâtre rouge, teinté des obsessions scato-hémorragiques des nouveaux maitres flamands. Un théâtre gris, verbeux, qui montrent ceux qui attendent, qui rassemble tout le monde dans les brumes de l'ennui. Un théâtre noir aussi, des costumes aux rideaux, tragique, intransigeant, acéré, intense, acétique, tranchant, émacié, un théâtre de moines soldats.
Ce soir le théâtre était blanc. Comme la scénographie, comme le fond d'écran et le tapis de scène. Aussi immaculés qu'un restaurant de Philippe Stark, ou un loft de Madonna. Avec quelques accessoires post modernes: torches-néons, guitariste live, panneau de plexiglass, voix off et projection video. On pourra en juger en video ici. Autant de signes censés tenir à distance l'émotion?
Mais pas ce soir pourtant.
A Mains d'oeuvres, et encore pour quelques soirs.
Guy