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theatre de la bastille

  • Le rouge est mis

    A l'occasion de la cloture ce samedi de MA GANG DE MONTREAL au théatre de Vanves dans le cadre du festival  Artdanthé, avec Julie Andrée T. (Rouge et Not Waterproof) et Nicolas Cantin  (Belle Manière), ci aprés la rediffusion du texte du 7/5/2011

    "What color is this?". A la première occurrence de l'interjection, quelques voix dans la salle s'élèvent pour répondre: "Rouge..." Et c'est vain de dire la réponse, tant elle est évidente, et n'appaise en rien l'interrogation, qui tourne à l'obsession. Repétée par Julie Andrée T. des dizaines, des centaines de fois, sur tous les tons. Plainte, hurlement, psalmodie, injure, balbutiement, plaisanterie, manifeste... Chaque objet (de couleur rouge évidemment...) qu'elle extrait de sa malle à malice: nappe, coeur en plastique, chapelet, poivron, bombe à peinture... (on s'en épargnera l'énumération complête) offre chaque fois un nouveau prétexte à une action. Chaque fois, sans apporter plus d'explication. Mais en contribuant à une accumulation critique, et à l'évolution sensible des humeurs de l'artiste. Les parties passent, anecdotes, le tout importe.

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    Ces actions partagent le public. J'en prends conscience aux réactions mitigées ce soir au théatre de la Bastille, aux échanges avec des spectateurs d'Avignon. Certains semblent choqués par les libertés que l'artiste prend avec son corps, d'autres, blasés, jugent la performance "datée" (en tant que performance?), n'y trouvent pas de sens... Pour ma part je ne suis pas ce soir à la recherche de sens. Je suis plus sensible aux sensations. J'aime ce désordre de plus en plus envahissant, cette escalade vers la saturation, ce cimetière d'objets suspendus en collection précaire à des fils sur le plateau. J'accepte d'être débordé par cette confusion agressive et monochrome d'objets design, inattendus ou quotidiens, de tâches et de reliefs, le corps éperdu et agité au milieu. Le sens vient quant il veut, parfois appuyé (l'évocation du sang menstruel), plus allusif en général. En tapant large dans l'universalité (couleur forte oblige) on finit forcement par toucher juste et faire saigner un peu, entre la vie, l'amour, la mort, du coté des blessures partagées.

    entrer des mots clefs

    Quant au début de débat sur la nouveauté de cette proposition, je ne sais pas si celui ci a grand intérêt. J'ai l'intution que l'on exige plus de novation des propositions artistiques considérées comme des "performances" que s'agissant d'autres formes. La performance est elle encore praticable? C'était l'un des enjeux de Magical,vu récemment. Quoiqu'il en soit, et bien qu'on ne sache pas quelle part cette proposition laisse chaque soir à l'improvisation, Julie Andrée T. fait preuve d'un grand sens de la théatralité. Le nez rouge ne fait pas le clown, mais l'apparition de chaque objet produit un effet comique bien préparé (l'effet "Tshirtologie" ?). Puis, les éclairages qui paniquent, la bande son qui s'affole, concurrent d'une manière organisée à une montée spectaculaire de l'enervement, un voyage rouge de colère ou de honte vers l'angoisse, la rage, l'intensité, avec une étonnante intervention au ukulélé saturé de feed back, avant le reflux de cette vague panique. L'artiste parvient presque alors à mettre le feu (métaphoriquement) à nos perceptions. Significativement, Julie André T. se drape dans un rideau de scène, accessoire théatral par excellence. Un détour dans l'imagerie pourpre érotique se révèle également trés codifié, accessoires mis à contribution jusqu'à nous faire rougir...

    performance,julie andrée t.,theatre de la bastille

    Une chose ne souffre pas de doute: l'artiste engage, sollicite (empourpre ici) son corps sans managements (mais cette démarche est-elle spécifique aujourd'hui à la performance, plus qu'aux arts de la scène? C'est douteux..), telle une matière première dramatique, sans plus d'égard qu'avec les autres objets à disposition. Si ce n'est avec plus de rudesse et impudeur vers le ridicule assumé, l'auto-dérision ou la cruauté... L'emmène sur le chemin de l'enfance également, vers la régression, à se bourrer de bonbons, dégouliner de jus de poivrons. Le rapport vis à vis de la nourriture et la salissure déborde basique et viséral. Ce retour vers les émotions premières touche profond. Le corps est contaminé de rouge, aprés un passage par le noir, tout finit heureusement sur une touche de bleu espoir.

    C'était Rouge de Julie Andrée T. au théatre de la Bastille, jusqu'au 10 mai.

    Guy

    merci à Jérome Delatour - images de danse, pour les photos (1et 2)....et pour m'avoir guidé vers cette performance!

    Voir sur images de danse ses photos et son compte rendu.

    Photo 3 par Jean Lheureux, avec l'aimable autorisation du théatre de Bastille

  • L'absence intangible

    Quelque chose se perd ici par trop de pudeur, l’essentiel je le crains, mis à trop de distance. Je suis vite découragé par la lecture blanche de ces lettres d’amour, de prison et de manque, rescapées d’une Palestine non nommée, puis par d’autres textes trop dispersés, en arabe, en français, en anglais. Aussi par cette danse qui se contente d’abord de n’être que fragilité, au mur par des images obscures, et par ce bruit de fond qui renonce à se faire entendre. Le recours à cette pluridisciplinarité ne me semble pas faire sens, chaque voix trop faible pour dialoguer avec les autres. L’accumulation s’annule. Il s’agit certes tout le long de perte et d’absence, de la mémoire des lieux et des gens mutilée par l’histoire. Mais ce minimalisme au départ courageux finit par ressembler à de l’affection, économe et asséchée. A entendre chaque histoire, on se rapproche de l’empathie, mais sans vraie compréhension.

    Se détache pourtant un moment très beau d’émotion, et qui échappe aux pièges d'un militantisme univoque pour nous faire toucher l’universalité. D’un malheur qui ne peut pas ne pas se partager. L’évocation d’une maison détruite, ses souvenirs d'une vie réduits à néant. Si fort soit le texte, il ne suffit plus. La danse vient alors au secours des mots. Sans ne pouvoir rien expliquer, mais pour tenter de soigner cette perte. Les tambours de Max Roach se révoltent. C’est un moment assez beau pour suffire à ne pas nous faire regretter toute l’expérience.

    C’était le Tangible, du collectif tg STAN et Frank Vercruyssen, sur des textes de divers auteurs, au théâtre de la Bastille jusqu’au 14 novembre.

    lire aussi  Neige à Tokyo, Théatre du blog.  , un fauteuil pour l'orchestre , Théatrorama

    Guy 

  • Des regrets: Sexamor de Pierre Meunier et Nadège Prugnard

    C'est une histoire de sexe, d'amour et de mort d'un homme et d'une femme, mais qui, artistiquement, ne se rencontrent pas. Vu le sujet, c'est embétant. L'amour c'est pourtant une question d'emboîtement. A notre droite Nadège Prugnard. Je venais pour retrouver la force de sa voix et de ses textes, tels ceux de M.A.M.A.E.. Je n'ai droit qu'à des "Qui veut m'enculer?", qui ne font plus glousser grand monde. A notre gauche, je découvre Pierre Meunier. Sa gaucherie généreuse et ses machines poétiques me consolent un peu. Mais le tout d'eux deux est inférieur à la somme des parties, sans mauvais jeu de mots. Ici les mots sont sans liant, monologuent sans dialoguer, ne se désirent pas, prisonniers du sujet comme Nadège Prugnard ruisselante de son préservatif géant. De l'entreprise, surnagent juste des beaux morceaux. Des scènes qui s'empilent, de temps mort en temps mort qu'on laisse ou qu'on prend. Il se retrouvent enfin tous deux ci et là lors d'un coït rude sous les branches, et en final la femme mise sur un piédestal, mariée ou princesse qui s'abandonne en équilibre sur une machine tendre. C'est tard.

    C'était Sexamor de Pierre Meunier et Nadège Prugnard, vu en novembre 2009 au théatre de la Bastille.

    Guy

    lire aussi le tadorne

  • Vous pouvez repéter la question?

    D'où cela vient-il que je reste en réserve. En spectateur détaché de ce procès. Ce qui pourtant saisit sans possibilité d'évasion, c'est la présence de Claude Degliame dans le rôle d'Eglantine, l'accusée. Une interprétation démesurée et déchirée, en clocharde à la voix gouailleuse et fêlée, au corps cru et comme lacéré par la vie, un portrait de l'humanité en misère nue. Le regard que nous fait poser J.M. Rabeux sur ce corps furieux et vieillissant est impitoyable et tendre comme jamais. Un personnage monstrueux, littéralement, véhicule de désirs qui le sont autant. Je comprends vers où Rabeux entend nous emmener: au plus profond. Dans le même temps, je regrette d'être exposé ainsi si radicalement, dés le début, à ces intentions. Je repense à la mise en scène des Charmilles, texte du même auteur et présenté dans le même lieu, qui m'emmenait dans des chemins tout aussi périlleux, mais plus progressivement.

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    Un drap est dressé en fond, comme un voile devant l'inconscient, mais ici est surtout évidente la surexposition: au sol des postes de télévision, sur la peau d'Eglantine lent des gros plans, minutieusement, comme pour froidement retransmettre et enregistrer, objectiver, attester, du point de vue neutre du greffier.

    Les aveux de l'accusée se font à la troisième personne, indifférents aux accusations, décalés, il s'agit des aveux de la part qu'Eglantine garde dans l'ombre, en une exploration toute baudelairienne des noirs recoins de l'humain. Posés de lourds enjeux: meurtres et d'enfantements, inceste, parricides, infanticides. Des crimes ancestraux. Je crois comprendre le défi que se pose Rabeux: moderniser la tragédie, au sens antique, en replongeant à ses sources. Du même coup j'en pressens le risque et ses limites: peut-on de front se rapprocher du mythe, sans qu'il ne tende vers sa propre caricature, sans qu'il se s'évanouisse? La mise en scène me semble hésiter entre froideur, en mouvements figés, et obscénité, peut-être au sens premier du terme. Dans la bouche d'Eglantine le texte se dérobe complexe, au moins survit un peu de sa beauté. Je me dis qu'à plus tard relire ce texte à froid, j'y trouverais mieux matière pour m'interroger.

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    Dans ce procès, Eugène Durif joue La Question, incarnation du Juge et de la Société. Il use habilement de son physique débonnaire, ses inquisitions s'insinuent sur un ton inexorablement tranquille et pénétrant. Cette mise en accusation des passions humaines, de la vie même, est d'autant plus implacable. Mais le personnage est grotesquement fardé. Sur cet effet comique je me focalise, il neutralise à mes yeux les éléments tragiques de la pièce. Me fait douter par d'autre aspects que la mise en scène s'assume jusqu'au bout. Et pour autant que les questions de la Question soient objectives et pénétrantes, elles trahissent, bloquées sur un mode objectif, son incompréhension du discours d'Eglantine et de son humanité même. Cette incompréhension dés le début me gagne aussi, moi-même perdu dans la confusion, sur ce point je rejoins la Question, me surprends à rester de son coté. Et contre la pièce, qui me parait longue. Quand Vimala Pons (la fille d'Eglantine) passe aux aveux, je ne suis pas son avocat, même plus concerné, je reste froid et éveillé.

    C'était le Cauchemar de Jean Michel Rabeux au Théatre de la Bastille

    Guy

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    Photos par Denis Arlot avec l'aimable autorisation de la compagnie Rabeux.

  • L'envers du corps

    D'abord elle nous rassure en toute banalité, familière, en bleu de travail passe la serpillière sur le tapis de danse. L'odeur citronnée du détergent ne nous surprend pas.

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    photo par Denis Arlot avec l'aimable autorisation de la compagnie Rabeux

    Puis, elle se lave d'un gant, nue comme un ver, d'un nu clinique, blanc. C'est pour mieux nous déciller: nous inviter à lire sur la surface du corps non les prémisses de l'amour mais ceux de la mort, toujours à l'affût. Alors l'étrangère s'adresse à nous, avec les maladresses volontaires de l'accent, nous emmène voir de l'autre coté, nous attire d'un ton plat, par confidences. Jusqu'à nous perdre dans de troubles souvenirs d'enfance, peu à peu le malaise nous y surprend. De l'être c'est le plus sensible et éphémère qui est dévoilé, retourné à vif, ouvert par ses mortels déchirements: corps maladifs, accidentés, souffrants, diminués, mutilés. Corps désirés pourtant, toujours à deux doigts de la mort. Ainsi se révéle une beauté surprenante, aux frontières de vrais interdits, en ces endroits s'ose peut-être une véritable obscénité. L'entreprise est d'une audace entêtante, sans le besoin de la charger d'effets, de montrer à tout prix. La voix reste lente et mesurée, le cœur bat de coups sourds et amplifiés, le sang impose sa présence, d'une lourde et noire consistance, presque figé, coule, teinte la chair, trouble le blanc. Le texte est dur et tendu, les mots choisis au scalpel nous font une violence sans appel, nous font glisser sans heurts vers l'insoutenable, presque jusqu'à l'étouffement.

    Dehors au grand jour on revit, on respire. L'averse n'a tempéré que pour quelques heures les chaleurs de l'été. Dans le quartier de la Bastille  sourires et peaux halées s'exposent en grand pour s'ouvrir aux rencontres, ou pour leur propre contentement, avec une innocente impudence: corps aveugles, vivants, en sursis et joyeux.

    C'éait Les Charmilles, d’après Les Charmilles de Jean-Michel Rabeux, adaptation et mise en scène Cédric Orain, avec Eline Holbø Wendelbo, au théatre de la Bastille, avec Trans.

    Guy

    lire Neigeatoyko

  • Blanche Neige: la psychanalyse aprés les contes de fées

    C'est lorsque que le conte de fée s'achève que commencent les ennuis, pour de vrai.

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    Dans son cercueil de verre rempli de pommes Blanche Neige recrache celle qu'elle avait coincée dans la gorge, revient à la vie dans la douceur d'un décor enneigé. Mais bientôt obligée de se formuler cette triste évidence: "Belle-Maman, tu m'as tuer (sic) !" Il faut vivre avec, continuer à vivre ensemble tous les quatre, en famille recomposée: la Méchante Reine, Blanche Neige, le Chasseur, le Prince étranger (Le roi compte pour du beurre, aveugle aux enjeux, réduit à quelques images inoffensives sur la toile de fond). Survivre avec l'innommable. Cette séance de psychothérapie familiale est loin d'être gagnée d'avance. Autant pour la  résilience, malgré tout le talent de la reine pour la manipulation, et la bonne volonté de Blanche Neige pour nier les évidences et innoncenter sa belle mère de tous les forfaits... 

    (Mais écrire tout cela ne rend en rien compte de l'expérience de la pièce: ce drâme est drôlement mené, la mise en scene à l'image du beau texte de Walser: poétique et cynique, naive et cruelle, en appuyant sur le kitsh avec de douces outrances visuelles, rose et nudité. Tous déclament et cabotinent, en premier lieu Claude Degliame (La Reine) irrestistible, et Aurélia Arto (Blanche Neige) hébétée.)

    ...Donc rien n'est soldé, car les vrais conflits restent ouverts. On retrouve ici les principaux motifs qui seront plus tard developpé par Howard Barker (Le Cas Blanche Neige): l'angoissante rivalité sexuelle qui oppose blanche neige et la reine, quasi mère et fille, les difficultés qu'éprouve la jeune fille à exister et se débarrasser de sa virginité. Comme chez Barker, la Reine baise le Chasseur, et comme un aimant attire sur sa personne les élans du (pourtant peu viril) prince étranger... Mais que reste-t-il à Blanche Neige?

    C'était Blanche Neige de Robert Walser, mise en scène Sylvie Reteuna, avec Aurélia Arto, Olav Benestvedt, Claude Degliame, Eram Sobhani, et la participation de Marc Mérigot, au théatre de la bastille, dans le cadre de trans, qui continue jusqu'à samedi avec Les Charmilles et Le Corps Furieux. Blanche Neige reviendra en juillet, à L'étoile du nord.

    A lire: Neige à Tokyo, Allegro théatre et Fluctuat

    A lire: Le Roi Lear par Sylvie Reteuna

    A lire: aussi: Blanche Neige selon Howard Barker et Frederic Maragnani

    ... et pour ceux qui seraient vraiment trés curieux: Blanche Neige selon Ann Liv Young

    photos (DR) avec l'aimable autorisation de la compagnie J.M. Rabeux 

  • Bruno Geslin: La Chair est Triste

    Mon cher Pascal

    Je ne te dis pas merci.

    Rassure toi, je te t'écris pas du train, mais du Parc Montsouris. Donc: tu sais que nous avons rarement l'occasion d'aller voir des spectacles ensemble. Déja, la dernière fois à Marseille, le Brecht que tu avais choisi n'était pas inoubliable. Hier, Kiss Me Quick m'a endormi. Je sais bien que tout l'intérêt du jeu est de prendre des risques, mais désolé, je crois que c'est toi qui porte la poisse...  Dedans, Dehors, David  vu vendredi en compagnie de notre amie Sarah, c'était beaucoup mieux (Ce préambule est aussi un pretexte pour rappeler que nous nous sommes tous réunis au TCI hier, on en reparlera plus tard). Et pourtant tu trouves bien en PACA (tout le temps et quand je n'y suis pas) des spectacles passionnants! Mais je ne t'en veux pas, on essaiera de faire mieux la prochaine fois.

    Pour en revenir à hier à la Bastille, c'etait un gâchis. Pas besoin d'aller chercher loin les explications, l'idée de départ était périlleuse. Adapter à la scène des interviews de strip-teaseuses, ça n'était pas gagné. C'est dommage car beaucoup de soin était consacré à la mise en scène, à la scénographie, aux éclairages, à la vidéo, à la musique... mais le texte plombait le tout. On en revenait toujours à des confidences plates et languissantes entre deux mises à nue, pour un résultat qui n'avait pas beaucoup d'intérêt. Et lent...Le pire est que ce spectacle est de nature à nourrir les préjugés de tous ceux qui ricanent en nous disant que les pièces de théâtre contemporain ne sont que prétextes intellectuels pour montrer des seins et des fesses. Dans ce cas précis on est bien obligé de leur donner raison. Entre deux platitudes à propos de leur triste condition, ces dames nous resservent des numéros de strip-tease forain. Ne parlons pas de second degré ou de mise en perspective, c'est du cul, point final. Et comme par hasard, l'actrice la moins jeune des trois se dévoile le moins. On est exactement dans une logique de documentaire télévisé voyeur et misérabiliste: interview-vérité complaisante des pauvres travailleuses du nu, entrecoupés d'extraits d'effeuillage parce qu'il faut montrer de quoi on parle, dans un soit-disant souci informatif. Rappelle toi des sketchs de Nightshade: là au moins le thème du strip tease était traité pour ce qu'il était, la recherche artistique mise en oeuvre aboutissait à des résultats plus ou moins réussis, mais personne ne cherchait d'alibi. Et en fin de compte ce travail permettait une réflexion plus riche sur le phénomène.

    Donc hier on s'est beaucoup ennuyé, et il sera également ennuyeux d'écrire chacun de notre coté la même chose, ou à peu prés. C'est quand même beaucoup plus intéressant quant nous ne sommes pas d'accord. Dans le cas de Kiss Me Quick, que peux tu écrire de très différent de ce que je viens de raconter en premier?... bon courage! Plus ennuyeux encore, si tu vas dans mon sens, cela pourrait donner l'impression que l'on se serait mis d'accord, quelle horreur! Reste un espoir, raconter à notre ami Jeromequ'il s'agit d'un spectacle de danse (en appuyant sur le coté visuel, les rapports entre strip tease et danse, et tout ce genre de chose,...), et le persuader d'aller voir, que par miracle il soit d'un avis différent. Ou, bien mieux, il y a surement des spectacteurs de Kiss Me Quick qui ont trouvé des raisons d'apprécier. Des gens ont applaudi hier. Qu'ils laissent ici des commentaires pour me prouver que j'ai tout faux!

    Amitiés et bon retour sur Aix

    Guy 

    C'était Kiss Me Quick m.e.s par Bruno Geslin, dramaturgie et texte d'Ishem Bailey à partir d'entretiens réalisés par Susan Meiselas. Au Théatre de la Bastille avec le Festival d'Automne à Paris. Jusqu'au 17 octobre.

  • sx.rx.Rx: Samuel Daiber nous a compris

    Ici la langue est une inconnue, intrigue. Contre le sens, bute. En exclamations, se musicalise. Tourne en rythmes. Sur la toile vidéo se dessine une ligne. Des signes. Un mur? Au milieu toutefois une porte ouverte. Là l’ombre, l’image, la place de Samuel Daibler. Dans un champ clos, toujours. Comme celui de la folie ?

    Bien qu’interné comme lui, Samuel Daiber n’est pas Antonin Artaud. Ce qu’on entend ici-des extraits de lettres authentiques- témoigne de l1327953100.jpga démarche introspective de cet homme, montre un langage en train de se construire, laisse une trace de sa lutte, perpétue son manifeste. Ni plus, ni moins. Ne prend pas valeur d’œuvre, à priori. Plutôt constitue un document. Mais Patricia Allio renverse joliment les postulats de l’intentionnalité poétique. Et fait jouer Didier Galas. Qui tient le rôle de Daiber, le rôle du Fou. C’est à dire qu’il marque l’hésitation, la perte des repères l’inquiétude…et la jubilation. Il joue le personnage, et non le texte. Mais le texte aurait il pu exister ici d'une autre façon?

    On l’écoute: Des phrases en cul de sac, et répétés: Sx.rx.Rx… Consonne, consonne, consonne, consonne, consonne, consonne…Peu de voyelles pour se rassurer. Fascinant, et difficile. Poésie sonore, d’accord. Mais comment l’écouter ? Poésie visuelle aussi. Sur l’écran, Daiber se considère, dans le champ clos se multiplie. Son errance se dédouble en vidéo. Nous plonge en rêve et vertige. On se dit que son langage est peut être vierge, ou amnésique. Non. Ce langage est construit. A l'extrême. Samuel Daibler aspire à un « logement officiel ». Il proteste… mais pour revendiquer la normalité. Une normalité, du moins. A l’inverse d’une position de révolte contre un ordre établi- tel qu’on le comprend ce soir et tel qu’on ne le lit pas dans les intentions de mise en scène…Samuel Daiber structure, d’une rigueur évidente, même dans l’inintelligible. « Je ne veux pas qu’on me rature. » Pour survivre, de mots et sons, il re-crée un ordre.

    Ses révélations énigmatiques nous portent au bord du fou rire, comme des équations illisibles au tableau noir, portées par une force de conviction irrésistible. Quelle distance subsiste-t-il, pourtant, entre lui et nous? Terriblement étranger, mais la situation spectaculaire nous invite à la rencontre avec cette grammaire hermétique. Qu'on aurait pu soi-même initier. Nous invite à pénétrer ce système clos et minutieusement organisé. La mise en scène crée ce désir. Rare rencontre. On comble les vides, on s’abandonne, on projette. De quoi nous libère-t-il? Il nous rend la parole en tous cas, nous provoque. Le lien se fait. Le lien ne se fait pas. Énervements. Fuites et claquement des dossiers. Ou de violentes révélations, comme celle qui emporta le Tadorne.

    A un moment: silence, danse, corps et images se tiennent en équilibre, sereins, au-delà de la raison. Samuel Daiber nous a compris.

    C'était sx.rx.Rx au lieu de garder silence j'ai voixé ♥♥♥♥♥, texte de Samuel Daibler, mise en scène de Patricia Allio. Avec Didier Galas.

    Au Théatre de la Bastille. Jusqu'au 30 mai. 

    Guy

    P.S. : On découvrira la nouvelle création de Patricia Allio, et Eléonore Weber: Un inconvénient mineur sur l'échelle des valeurs, à la Villette avec 100 dessus dessous, les 10, 11 et 12 juin. A en juger par ce qu'on en a entrevu de déja fort lors d'une ouverture de répétition au public, on s'attend à une perturbation majeure sur l'échelle de la réprésentation...