Moi, mes corRRRrpines, à l'instant où ça s'arrête

 

Moi, mes corRRRrpines, à l'instant où ça s'arrête, performance d'Eléonore Didier le 26 septembre au Potager du Roi dans le cadre de Plastique Danse Flore.

Photos G.D. droits réservés

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Belle déprime

Cette pièce n’est-elle pas très noire-ou est-ce moi-même qui suis déprimé ? Ce soir, plongée tout droit dans le sujet désabusé de la perte d’intérêt pour le travail, avec par le plus grand des hasards le cas d’un chorégraphe démotivé. Son entêtement à rater mieux. Mais si l’humour est la politesse du désespoir, l’art du décalage est ce qui sublime la pièce d’Aude Lachaise. Brouillage des frontières pour une proposition étiquetée danse où l’on n’arrête pas de parler, intrusion du modern jazz dans le genre contemporain, quasi-synchronisation entre les voix des uns et les corps des autres, dérapage contrôlé d’un récitatif d’une précision chirurgicale en une comédie musicale métaphysique et exubérante. C’est délicieux. L’understatement joue à cache-cache avec l’affect, l’angoisse s’évacue en danse jusqu’à l’épuisement des corps, avec de belles surprises visuelles. La déprime adulte dérive en de savoureux moments de régression infantile. Bien heureusement : Aude Lachaise pratique un art d’une insoutenable légèreté.

En souvenir de l’indien d’Aude Lachaise , vu le 24 septembre 2015 à l’Atelier de Paris Carolyn Carlson dans le cadre des Plateaux.

Guy

Photo par Sarah Oyserman avec l'aimable autorisation de la compagnie.

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Touchés

Du peu nait l’attention, du presque rien. Juste cette femme, tasse et soucoupe à la main. Un mouvement du poignée s’amplifie, un faux tremblement qui résonnera dans le silence comme un solo de caisse claire. Toujours le même jeu de la représentation, nous sommes tendus et impatients, affamés de spectaculaire et de compréhension, à vouloir extraire la signification de l’apparent insignifiant. Mais nous échouons à anticiper à chaque fois ce qui va se transformer, se développer, et comment. D’un objet-une peau de bête- la performeuse va épuiser les possibilités, dialoguer, lui porter une intensité d’attention, même d’empathie, qui nous gagne. La nudité sans affect constitue sans doute l’évènement le plus prévisible de la performance, parachevant la prise de pouvoir sur l’auditoire capté. Mais au lieu du bleu de Klein elle s’abolit de noir.

GiselaHochuli.m4v from sarina scheidegger on Vimeo.

In touch with M.O., performance de Gisela Hochuli au Centre Culturel Suisse le 19 septembre 2015 dans le cadre du festival Extra Ball

 Guy

La séquence du spectateur

Flirt… Qui peut nier que dans la relation entre acteur et spectateur il s’agit avant tout de séduction? Ces divins animaux font de cette relation la matière même de la pièce… ce qui n’est pas sans risque d’auto centrisme. Mais tout commence en douceur, la relation s’engage à reculons. Le tract rendu comiquement palpable avec murmures, mouvements de rideaux et de pudeur, mais soudain abolie, quand le 4^ème mur se solidifie devant les coulisses. Aparté: la pianiste nous observe et prend de note: je me méfie. L’embarras change de camp quand les comédiens entreprennent de nous interroger. Chacun des spectateurs bien sur espère que cela va tomber sur son voisin. Raté: comme souvent je n’y coupe pas. Mais je ne m’en sors pas trop mal, non? Preuve est déjà faite que la relation se joue ce soir dans les deux sens, se construit et prend substance, émotion, sans le secours de la fiction. Les performances des 4 acteurs nous prennent ensuite à contrepied, entre rire et malaise, avant que d’en comprendre la cohérence : cela fait du bien de plus chercher à plaire, d’être affreux, sales et méchants. La séduction est bien déconstruite, avant d’être tendrement raccommodée. La pianiste lit ses notes, nous avons bel et bien été observés, tels qu'actifs tout du long, par postures, réactions. Ils nous invitent à rester et ne jamais partir, comment résister à une telle déclaration d’amour?

 

Flirt, conçu et mis en scène par Florian Pautasso, vu à Mains d’œuvres le 17 septembre 2015, jusqu’au 26 septembre.

Guy

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photo avec l'aimable autorisation de la maison jaune

Reflexions à propos de l'art de Maki Watanabe

Je suis spectateur attentif du travail de Maki Watanabe depuis bientôt 10 ans. Sans m'en lasser. Où ce travail nous mène-t-il? Je sais au moins, j'en suis persuadé, que ce travail gagne toujours en intensité. Quelle œuvre ce travail construit-il? Pour elle la danseuse sur le chemin de son art, pour moi le spectateur dans mes perceptions et dans ma compréhension, sachant que chacune de ses performance est improvisée, et présente autant de résistance à l'analyse qu'elle suscite l'émotion? L'improvisation ne ramène pas t-elle chaque fois tout à zéro? L'expérience, dans le sens d’expérimentation, est-elle compatible avec l'expérience dans le sens de savoir accumulé? Dans le travail de Maki, la simplicité des moyens engagés est évidente. Avant tout le corps en jeu, souvent en l'absence de lumières, de son, de paroles, de scénographie, de scénario. Le corps prêt à se meurtrir s'enlaidir, s'exposer nu, se mettre en danger. En des performances décivilisées, que l'on considérerait comme instinctives. Ce que je comprends du buto, j'en parle puisque Maki Watanabe revendique comme maitre Kazuo Ohno, ce que j'en ressens, c'est un rapport entre visible et invisible. Une capacité de mettre à à jour ce qui est caché, réprimé, de fortes et douloureuses vérités.

Ici l'intensité vient de ce que l'éphémère de la performance est portée à son plus haut point sensible, à un point de perfection, en un don sans retenue à l'ici et à l'instant. Chaque performance cristallise cette rencontre unique entre l'artiste et le lieu. Chaque lieu est différent, ainsi chaque performance. Hier, au 6B, Maki Watanabe s'immerge dans le canal saint Denis, semble prête à s'y noyer. Surement pas une provocation, mais une évidence, une nécessité dictée par le territoire, le paysage. La dimension spectaculaire, voire déstabilisante de cet acte est évidente. Quel sens y prêter? On peut relier ce que l'on a vu hier aux images d'une actualité tragique. Je vois dans cette performance une mise en évidence de la situation de l’irréductible étranger, de l'autre vis à vis du territoire, vis à vis du monde, de ses efforts répétés pour s'y intégrer, s'y fondre.

Comment l’œuvre de Maki Watanabe d'une performance à l'autre se construit-elle? Peut-être dans cette confrontation entre le corps et le lieu qui se répète d'une manière de plus en plus expérimentée dans de nouveaux territoires.

Guy

 

Maki Watanabe au 6B le 29 aout 2015

 

 

 

Les bonnes, vice versa

La confusion des rôles est nourrie à la perfection. Dans la première scène, assiste-t-on à un échange entre Madame et l’une de ses bonnes, ou à une cérémonie trouble entre les deux bonnes, chacune dans son rôle assigné? La savoureuse outrance de ce jeu fardé, si physique, appuyé, permet d’entretenir cette indécision dans la mise en abime théâtrale, et ceci tout du long. Tournures de langage et voix datent les situations des temps révolus des sœurs Papin et de la domesticité, mais la mise en scène laisse la pièce de Genet transcender ce contexte, et se renouveler en un exposé ambivalent des relations de pouvoirs et de fascination, comme celle qui s’est déplacée aujourd’hui entre peuple et people par trash-magazines interposés. Le mépris de soi, l’adulation et la haine des bonnes envers Madame dont elles enfilent les robes, l’attirance envers leur « maitresse », son insupportable bonne conscience s’exacerbent jusqu'au drame annoncé. Au-delà de la simple satire sociale, le parti pris ici, vif et charnel, permet poser un théâtre à la fois passionnel et politique.

 

Les bonnes de Jean Genet, mis en scène par Sophie Pincemaille, vu à la Loge le 10 juin.

Guy

photo (crédits en cours) avec l'aimable autorisation de la Loge

J'ai vu une légende

Minuit: le concert s’achève par le tournoi de guitares électriques de The End, morceau qui clôt Abbey Road, le dernier album des Beatles. The End est aussi le tout dernier morceau que le groupe ait enregistré. Les quatre y chantent en chœur « Boys , you’re gonna carry that weight  a long time »- traduire : « être des ex-Beatles, va falloir vivre avec ». C’est là toute la malédiction de Paul McCartney (bien qu’il y ait pires fatalités): depuis plus de 40 ans s’efforcer de chanter, changer, créer, encore innover, s’aventurer coté classique ou techno, mais toujours avoir à en revenir aux sixties et au groupe qui a inventé la pop. Il doit- alors que d’autres luttent contre la pénurie mélodique et le peu d'inspiration-gérer l’abondance de ces chansons qui ne lui appartiennent plus-chaque mesure gravée dans des millions de têtes- autant de souvenirs qu’il faut encore et toujours rendre au public. Donc s’enchainent pendant près de 3 heures les one-two-three-four et chaque fois la fidèle bande son d’un souvenir, d’une émotion... Intacte l'émotion revient. La star n’oublie pas « I saw here standing there » qui ouvre le premier album de 1962, évoque l’époque en noir et blanc de Can’t Buy me love, ressuscite Eléonor Rigby, fait courir Lady Madonna, exhume des raretés (another girl)et fait reprendre en chœur Hey Jude au Stade de France entier... En ces moments le contrat est tenu, magnifié: réussir à abolir le temps, faire naitre chez moi et 50 000 autres le sentiment que le maintenant et l’intemporel peuvent se confondre. Pour cela il lui faut être et montrer un Paul McCartney à l’épreuve du temps, voix bien présente, infatigable et bondissant, silhouette immuable et juvénile qui concède juste ses 73 ans de rides, sa basse-violon Hoffner d’époque en bandoulière pour une garantie supplémentaire d’authenticité. Gagné: fasciné, je rajeunis avec lui, reviens au temps où ado j’écoutais en boucle sa musique déjà historique. J’accède même aux années rêvées d’avant, inexplicablement. McCartney convoque aussi les fantômes bienveillants: John avec son Mr Kite, Georges par un Something somptueux, prétexte à nous faire partager les instants d’intimité de deux amis jouant du ukulelé dans leur jardin. Ce don de soi fait partie du contrat de ce soir (au même titre que le feu d’artifice de Live & let it Die), l’homme laisse deviner de lui-même, entre deux blagues convenues en français, une désarmante simplicité, bien peu rock & roll. Le plus beau est atteint dans des moments dépouillés et sans intermédiaires: Blackbird seul à la guitare… L’orgueil du compositeur, du merveilleux mélodiste se devine aussi. Le démontrent s’il en était besoin toutes les chansons d’après, de Maybe I’m amazed à celles du dernier album New, qu'il s'autorise quand même aussi ce soir. Peu importe les fautes de goût, sitôt oubliées. Cette fierté explique-t-elle le fait que cet homme richissime et couvert d’honneur se mette encore ce soir en risque, en jeu? Est-ce juste le sentiment assez classe moyenne anglaise d’avoir simplement à faire son job? Où est-ce la malédiction de Paul Mccartney, rester à jamais un passeur de temps? Peu importe, je regrette un instant- c’est bête- de ne pas être le Stade de France entier pour chanter plus fort et plus longtemps, être à la hauteur de 3 heures d'immortalité. Sorry.

 

Out There, concert de Paul McCartney le 11 juin au Stade de France

Guy

la playlist

Jean Daniel Fricker & Céline Angèle - Forêt de Fontainebleau le 31 mai 2015

 

Photos Guy Degeorges, droits réservés

pour assister aux performances à venir les dimanches 7 et 14 juin: [e-mail]

Parts d'ombre

Violence à tous degrés, dissection des dessous de nos actes vers l’animalité, pulsions de mort, déchirements douloureux du tissu de notre société qui se rêve vertueuse, ils tombent… Cette proposition théâtrale procède par pauses et éruptions, variations de tempo et de ton…. Le rendu à vif laisse supposer la liberté qui a du prévaloir lors de l’élaboration, le temps laissé à chaque contribution, et le pari gagné du collectif. Désordre dans le style: les corps s’affrontent et s’épuisent, les monologues montent en crescendo du comique jusqu’à l’explosion, le piano se fait mélancolique. S’exhibent au grand jour les maladies qui rongent les relations, avant que d’amples compositions visuelles et muettes ménagent des temps de suspension. Ton et thème à l’unisson, l’impression de profusion et d’incontrôlé trouble, mais le tableau d’ensemble se dessine par touches amères, contrastées, en une cruelle cohérence. Peu d’inutile, toujours la violence exprimé par les coups, les éclats et les pleurs, aussi par le silence, par cette glaçante énumération des massacres qui marquent notre histoire de taches sanglantes. Elle nous laisse sans voix, consolé par les Piéta. En vérité, les acteurs s’offrent ici, corps nus et intentions dévoilées, à la violence de nos regards prédateurs, notre amour et besoin d’émotion est dévorant.

 

Dévoration, par le collectif Théatre du Balèti, mis en scène par Maxime Franzetti, vu au 104 le 4 juin dans le cadre du festival Impatience.

Guy

photo de Yann Slama avec l'aimable autorisation du 104.