Manifester

...Pour la suite, nous sommes précipités dans le monde, dans la société. Un danseur bondit parmi nous, crie. Dans ses mots mis bout à bout toute la confusion du monde. Noms forts, mais en désordre, d'hommes politiques, de marques mondiales, de peuples revoltés... On est interpellé, mais si quelque chose est  partagé ici, c'est surtout la difficulté de prendre du recul, de lier. Puis l'espace de jeu se réorganise de manière plus tranchée en un grand carré et nous tout autour. Le corps premier, essentiel et nu de la première partie a laissé définitivement la place à un corps politique, collectif. Philosophiquement, c'est une évolution qui fait sens. Et le manifeste alors dansé ne manque pas de force. Mais m'indispose par son militantisme paradoxal: symboles de paix sur les habits et musique martiale surchargée de roulements de tambours. "Let the sunshine" entonné à coté de poses d'arts martiaux, et défilé de majorettes radicales. A quel degré recevoir ce que la danse exprime ici authentiquement de colère et d'indignation? J'ai l'impression d'être invité à partir parader avec eux avec une mitrailette dans la jungle en treillis. Tout cela finit sous les ovations avec "Imagine" de Lennon, choix ambigu et symptomatique.

C'était Ce dont nous sommes faits de Lia Rodrigues dans la salle Panopée du Théatre de Vanves, dans le cadre du festival Artdanthé.

Guy

le début ici

Etre (ensemble?)

En une j'ai vu deux pièces. La première de retour vers les origines. Le regard invité à retrouver de l'innocence. Au milieu de l'espace: nous tous assis à terre et pas de son. Dans un coin de la salle, la lumière se concentre sur un corps en son parfait dépouillement. L'attention se focalise sur cet être revélé, libéré par la lenteur, simple, dans la vérité de la peau, de la chair. Jusqu'à nous permettre de nous libérer nous-même comme par l'effet d'une salutaire amnésie, à pouvoir oublier d'être la partie d'un tout. A connaitre alors la sensation d'une remise en zéro et de nouveaux matins. Les danseurs se succédent, les transitions de l'un au groupe nous accompagnent en douceur. Au tout début un homme, puis deux femmes qui n'en font qu'une en pure sensualité, aprés deux hommes quasi jumeaux chacun penché pour devenir le pont de l'autre. Tous les huit ensemble à la fin. A chacune de ces étapes du voyage de l'identité à la relation, tout n'est que souffles légers mais sans molesse, messages sereins mais force contenue. C'est beau comme cela doit l'être. Nudité rime ici avec humanité. Nous sommes à chaque pause mis nous-même mis en mouvement, poliment et fermement, pour regagner une nouvelle  place de spectateur...

Quand le groupe (des danseurs) existe enfin, il met paisiblement en évidence- debout, allongé sur le dos, à plat ventre, de face, de dos, de profil, tête en bas- les différences des corps et des apparences et l'égalité des âmes, pour toutes les couleurs de peau, et sexes, tailles, corpulence, complexion, pilosité... C'est une belle démonstration éloignée de toute la trivialité d'un effet Benneton. Conclusion en queue de poisson: les danseurs sont soudain agités de tremblements, entreprennent une migration par reptation, superbes et vulnérables se frayent un chemin nu (1) parmi nous, par dessus, par dessous, de tous les cotés, partagent au plus près innocence et fraîcheur...

A suivre...

C'était Ce dont nous sommes faits de Lia Rodrigues dans la salle Panopée du Théatre de Vanves, dans le cadre du festival Artdanthé.

Guy 

(1) la pièce a été crée en, 2000, donc bien avant Parterre

Sex, Drugs & Rock 'n Roll

Sex, drugs & rock n' roll. En d'autres mots: outrance et tragédie, et déja tout serait dit, de l'épuisement du corps des stars à force de porter en eux le plus noir de nos rêves. Mais notre vision de cette cérémonie se trouve ce soir renouvellé. Ailleurs avec de beaux décalages, entre la scrupuleuse minutie dans les allusions aux vies, morts et postures des personnages vécus/joués par Jim Morrison, Kurt Cobain, une scrupuleuse reconstitution des gestes...et une étrange distance posée dans le traitement de la danse, osée par des appartés à froid, d'une respectueuse ironie. Pour montrer la rock star dans sa pure essence, qui s'accomplirait non dans le leurre de l'acte artistique- le chant, la musique- mais dans l'être qu'on lui prête. Tout vit par le corps de la danseuse, juste appuyée sur quelques symbôles, cuir sixties, t-shirt grunge, ampli Marshall, pied de micro... et la bande son.

 

 

La fumée blanche nous emporte de l'autre coté. La rumeur, les premiers accords d'un morceau familier. Laissent s'imposer la forte présence de la danseuse, dans l'art d'abord de n'être là qu'à peine. Mais cette présence, de qui est elle? La transe, la course haletante-Let's Run-pourraient être celles d'une ado qui se la jouerait toute seule dans sa chambre, la musique des Doors à fond dans son Ipod, et qui s'enivrerait à se vivre un autre/une autre si rebelle. Kataline Patkai raconte- c'est  plutôt Jim Morrison invoqué qui raconte par sa voix-qu'enfant, il sentit l'âme d'un indien-qui venait de mourir dans un accident- prendre possession de lui, pour ne jamais plus le quitter, depuis. En la matière il n'est ici question de doubles et de fantômes, de sacrifices, d'incarnation et de réincarnations, de volontés que d'autres doivent endosser. Ainsi plus tard- c'est sans doute le moment le plus déchirant de la pièce- Kataline en Kurt Cobain, une fois énumérée la litanie de ses addictions, laisse des bras étrangers mais comme sortis de son corps accomplir les gestes de la drogue et de la mort, sans que le soi ne resiste. Une autre a pris sa place, dont il faut porter le poid.

La rock star se montre hermaphrodite, prête à satisfaire dans l'imaginaire la fusion des désirs des fans de tous les bords. La pièce est trés sexuée. La danseuse, dans la peau ici de trois hommes mais sans abdiquer sa féminité, fait danser de mouvements de bassin le micro-light my fire. Poitrine nue, laisse surgir un bras-braquemard de sa braguette, pour troubler la distance entre les genres. La première création de Kataline Patakai était intitulée X'XY. Depuis, avec une sourde intelligence, d'une pièce à l'autre et sans dévier, le programme est suivi. Et c'est cela aussi qui me fait porter 3 ans aprés sa création un regard neuf et épaté sur cette partie d'un tout. 

 

C'était Rock Identity de et avec Kataline Patkai (et Celine Debyser) à la Loge.

Guy

videos par Vincent Jeannot

Reves, abandon

Elles titubent sous l'ivresse, en abandon ou en proie à la folie, au bord de basculer derrière la frontière. Les verres renversés, du Bataille sans le texte. Elles sombrent très loin du réel, dans les limbes, possédées, peut-être perdues dans les rêves cruels de quelqu'un d'autre. Magnifiées en images archétypales, des éclats de souvenirs défilent. Blondeur hollywoodienne et irréelle, panoplies fantasmagoriques: cuir serré et rock 'n roll ou noir endeuillé qui contraste avec le rouge sang, ou blancheur immaculée. 

Les bruits inquiètent. Les mouvements éperdus suggèrent des images troublées, d'un érotisme mortifère. Au rythme d'une attente engourdie ou de gestes saccadés, de poses offertes. Fatalité. Tombées au champ du désir elles gisent. Dans les décombres du réel, des poupées démantibulées, leurs regards brulés. L'homme revient, manipule ces formes inanimées, se perd à son tour dans ce vertige, se travestit. La clé inavouée se trouve peut être dans une volonté de perte absolue de contrôle.

Me revient ensuite un autre rêve d'il y a quelques mois, tout aussi morbide, plus blanc et plus cru. Vue à l’œuvre une volonté de mort dans une danse à rebours, au son d'orages électriques. Une guitare au vernis fatigué installe des boucles saturées, des feed-back et effets, de graves litanies. La femme, elle mortelle, forcement héroïque, ponctue le sol de coups de talon, se tend en arrière dans l’excès, tombe à terre, poitrine soulevée et succombe. Cramée. Victime peut-être, tout aussi volontaire. Elle devient objet, abdiquée, trainée sans ménagement, soulevée, tremblée, tourne sans fin. Livré plus qu'aux regards. Abandonnée au désir? L’homme a un masque de bête. Elle aussi. Soulevée dans les airs, elle plane comme un ange mort, il y a des éclairs, une volonté de non vie, un terrible abandon dans la violence là aussi.

C’était Dirty d’Isabelle Catalan-compagnie Azar, vu au Panopée dans le cadre du festival Artdanthé et Requiem de Magali Milian & Romuald Luydllin- La Zampa vu en avant première en novembre 2010 à la Ferme du Buisson

photo par Olivier Séror avec l'aimable autorisation d'Isabelle Catalan

Des regrets: un réseau translucide

L'effet d'annonce rivalise ce soir avec celui atteint par l'image des musiciens en armes de "Ne pas toucher aux oeuvres". Il s'agit pour le coup de la première performance chorégraphique qui soit énergiquement auto-suffisante: "le corps et le mouvement sont des producteurs d’énergie qui agissent dans la faisabilité du spectacle : ainsi, lumière et son sont produits par l’énergie des danseurs, qui n’est plus une dépense mais une production concrète". C'est à peu près tout ce qui est dit du projet, assez pour beaucoup promettre autour d'un vrai thême. Je me souviens sans en atendre l'équivalent, dans un autre genre, de l'intègre performance des décroissants australiens d'Acrobat. J'attends tout logiquement que la forme ce soir rejoigne le fond, non pas par un discours ou une démonstration, mais avec des correspondances, des évocations. J'ai soif comme d'une circularité. Je me place donc à l'affût du sens, en cohérence. Las, il y a bien, fonctionnellement, un velo actionné à tour de rôle pour alimenter le réseau, mais le reste s'aventure ailleurs. Je ne sais où. Suivre les mouvements pour y retrouver le sujet annoncé me masque la danse. Mal engagé, je manque l'occasion de m'y intéresser juste pour ce qu'elle est. Je dépense en vain mon attention, egaré par les déambulations des interprêtes à travers un labyrinthe de macarons, il me semble que l'energie s'y disperse, irrémédiablement...Je ne lirai plus les programmes!

C'était un réseau translucide de Prue Lang, présenté à Micadanses, dans le cadre du festival Faits d'Hiver.

Guy

Quand j'entends le mot culture,...

Colt python 357 Magnum, carabine a bascule à air comprimé Gamo, Glock 17, Beretta 75 auto KWV, Kalashnikov AK 47, Smith and Wesson 45, alarme portable Prévenson, Taser TW11, bombes lacrymogènes, pistolets jouets à amorce et à bouchon, Sophie la girafe (?), rubboards, plaques tonnerres, sifflets de police, appeaux d'oiseaux, corne de brumes... ce sont quelques-uns parmi la trentaine d'instruments non conventionnels et plutôt menaçants maniés par les musiciens de la création chorégraphique de Geisha Fontaine et Pierre Cottreau, Ne pas toucher aux oeuvres.

Pour autant, personne ne peut être vraiment surpris: programmes et dossiers de presse annoncent la couleur. La stratégie d'annonce et de promotion de l'oeuvre met en avant des visuels intrigants et explicites sur ce point: les musiciens mettront en joue autant qu'en jeu les danseurs. Le teasing est efficace, le sujet annoncé fort, et du coup les attentes de beaucoup de spectateurs d'ors et déja aiguisées vers une politisation de l'exposé, vers de potentielles allégories de la situation précaire des artistes dans un environnement hostile...

Qu'est il fait de ces attentes? La seule que je me suis moi-même autorisée à s'exprimer n'est pas déçue: la pièce-même si l'idée de départ est un peu déflorée par le teasing- dépasse en originalité d'approche et créativité la grande majorité de ce qu'on peut voir sur scène. C'était déja le cas avec Une Piece Mécanique,et les deux propositions ont aussi ceci en commun de remettre en question l'acte de danser: les interprêtes y sont chaque fois placés dans des situations incertaines. Hier contraints de retrouver leur place au milieu des robots en mouvement, ce soir confrontés à des musiciens armés. La danse chaque fois non seulement y survit, mais s'adapte et s'y développe de manière innattendue, par des correspondances inédites avec les composantes du contexte.

En commençant par déjouer les attentes trop évidentes. Si les quatre musiciens prennent place d'abord, occupent le terrain martialement, ce sont ensuite les cinq danseurs-parmi lesquels je reconnait Sophie Demeyer- qui commandent de leur gestes les premieres mesures de la musique. Le rapport conventionnel musique/danse ainsi inversé, aussi le rapport persecuteurs/victimes auxquel on aurait pu s'attendre. Tout évoluera de manière ambigue et surprenante, de ces interactions visuelles et sonores entre les deux camps en présence. Oppositions vestimentaires également, entre les musiciens habillés stricts et les danseurs en jean et T-shirt, inversion ponctuelles des rôles par mise en mouvement des musiciens ou appropriation de percussions par les danseurs. On devine, suggérées avec humour à froid, des stratégies complexes, sacrifices offerts et provocations, actions et réactions, regards lourds de sens, rapports de force, toujours incertains et souvent renversés, de suggestion, violence seduction, manipulation...

Si ce plaisir interprétatif est intellectuel, j'en goute un autre plus esthétique et sensuel, celui liée à la pure musique. Celle-ci est bien sur essentiellement percussive, se joue des contraintes du choix des instruments, garde puissance et expressivité, sur un registre qui s'étend du claquement discret aux détonations plus franches. Toutes les cartouches ne sont pas grillées dés le début, des surprises réservées jusqu'à la fin dans l'utilisation des objets. Les musiciens devant leurs partitions, veillent avec leurs armes à l'exécution de l'oeuvre musicale autant que celle des danseurs. Ou est ce un effet dramatique de mise en scène, cette précision représentée avec beaucoup d'ostensation pour nous faire imaginer par opposition la fiction d'une danse plus libre, laissée à l'initiative de de corps qui ruseraient et s'affirmeraient par rapport à ce cadre rigide? En revanche mon intérêt se laisse distraire aux moments où la musique laisse du répit et la danse livrée à elle-même, moments me paraissant vagues et répétitifs, d'enlevage de vêtements. et ré-habillages. Un troisième niveau m'échappe, mais sans doute sans dommages: de savantes références, musicales et chorégraphiques. Pour moi la jubilation l'emporte pourtant, même si je commets l'erreur de discuter immédiatement à la sortie avec d'autres spectateurs plus réservés, et déçus dans leur attentes, qui auraient préféré une oeuvre plus affirmée dans sa signification. Je dois leur concéder que malgré les armes manipulées ce soir il y a plus de bruit que de danger. Nous avons été prudemment avertis de nous boucher les oreilles si nécéssaire, et aucun spectateur n'a été bléssé durant le spectacle.

C'était Ne pas toucher aux oeuvres.Geisha Fontaine et Pierre Cottreau, création musicale de Francesco Filidei, à l' Auditorium Saint Germain, en ouverture du festival Faits d'hiver.

Guy

Lire aussi: Danzine

photo (Pierre Cottreau) avant l'aimable autorisation de la compagnie)

Effeuillées

On voudrait croire encore pouvoir assister ici à quelque chose d'interdit et de dangereux, voire louche, même sulfureux... quand le rouge règne dès l'entrée alors que des créatures se balancent langoureusement dans les alcoves. Mais ce mystère là vite s'évapore, avec le public c'est plutôt la complicité que la provocation qui s'installe, le strip tease définitivement bien apprivoisé, qui d'ailleurs maintenant s'enseigne à l'Ecole Supérieure de Burlesque, même à Micadances, sûrement demain dans toutes les assoc' culturelles entre un cours de tricot et un cours de tango. Tandis que les filles palmées de Tournée font salle comble au T.C.I., que Celine Milliat rechauffe toujours les salles, les trois danseuses de ce Pourpre 26-C, elles aussi, mènent joliement leur affaire. Renoncent à toute surenchère avec la pornographie étalée dans notre quotidien au dehors, charment plutôt qu'effaroucher, choissisent plus que jamais de moins en montrer, persistent à faire du rève avec de la chair, du désir avec du tissu. Obligées de jouer la connivence, la matière étant connue elles surprennent par la manière. A trois interprêtes il ne s'agit pas ce soir d'une succession de numéros mais d'une course de relais, la tension montant chaque fois d'un cran. Ces femmes se parent en mille-feuilles, comme emballées sous des papiers cadeaux, dessous leurs corps mieux que parfaits: tout simplement vrais. Chaque couche qui s'envole en dévoile une nouvelle, en un jeu de détournement à renouveler perpétuellement. Le leurre fonctionne plus que jamais, la réalité du sexe cachée vers son imaginaire. Les tambours font vibrer, le blues donne la chair de poule, les lacets indélassables agacent de tant de complications, les mouvements s'attardent dans les courbes sans jamais déraper, puis font tourner imprévisiblement les caches tétons. Il faudrait des contorsions du cerveau tout aussi spectaculaires pour voir ici des manifestations de féminisme, on en revient, comme de tout temps, au pouvoir derrière la séduction, qui s'alimente d'archétypes en exotismes. Ces voluptées paraissent sans doute bien inoffensives, mais, gestes aprés gestes, les trois danseuses recréent un peu de l'enchantement du corps.

C'était Pourpre 26-2,  avec Belladonna LaPoison, Cherry Candy, Joy Va Voï, mis en scène par Christine Armanger à la Loge , et encore jusqu'au 6 janvier.

Guy

Des regrets: le cabinet des figures

Mais à quoi bon? Ou va-t-on? Et aprés?... Que me reste-t-il de cette heure formelle, découpée en parcelles, par passages réguliers du noir à la lumière, avec deux corps morcélés sur fond géométrique, le tout égalisé par un bourdonnement hypnotique? Le temps d'un inventaire méthodique, millimétré, de centaines de postures, de points de vue. Je suis gagné par le même desintérêt qu'à la vision de la pièce de Charmatz consacrée à Cunnigham. Témoin d'une étape peut-être obligée dans l'évolution de la chorégraphe, mais que partage-t-elle avec moi, avec nous? Quelques instants d'amusements, de bizarre? Des poses "figure" cachée, dos en métaorphose, m'évoquent le travail de Sofia Fitas avant de s'en éloigner. Les dernières minutes, avec un duo presque de marionettes, font regretter ce qui aurait pu être, espérer ce qui sera peut-être.

C'était le Cabinet des figures de Vanessa Le Mat, au Centre National de la Danse

Guy

Tout le temps du monde

C’est en revenant encore à LaiSSeRVenir d’Eléonore Didier que je ressens chaque fois comme un temps qui ne s’écoulerait pas linéaire mais circulaire, comme l’entêtement de l’artiste. Un temps qui ne s’écoule pas, se rassemble. Je vois des gestes allégés du superflu, à force d’avoir été répétés. Des gestes alors transparents, à presque en apercevoir à travers eux la pensée. Et toujours des échelles comme des mystères. Je suis fasciné. Ne me demandez plus pourquoi.

Ce soir, le solo se duplique, en fractale, réitéré par trois interprètes, aprés déja avoir été transmis ce printemps. Un quart d’heure à perpétuité.  De la même valeur que les deux heures vues il y a longtemps à l’origine de ce cycle, et la même virginité. D’abord ce corps qui se présente plus épanoui, sexué. Le silence prend de la beauté, la pose de la langueur, la pause de la longueur, plus d’impudeur voire de froide lascivité. Les figures retombent, ressemblent à des tentatives, une danse qui se penserait dans son hésitation, des rêveries surprises, des spéculations muettes, à jamais incomprises. Quelque chose, au fil de cet effeuillage destructuré ouvre enfin la possibilité d’un achèvement, d’une parfaite symétrie. L’échelle posée contre le mur à l’envers, et les jambes de la danseuse en symétrie, elle-même à l’envers de quelque chose, mais en parfait équilibre. Eléonore Didier ensuite se succède à elle-même, laisse à quelques spectateurs excédés le temps de retourner dehors s'offrir à un autre temps plus normé. La chorégraphe danse brusque et abrupte, sèche,  le souffle évident, tel un petit animal maigre. Donne l’impression, des exacts mêmes gestes pourtant, de vouloir prendre ses distances d’interprète avec cette performance. L’accouplement avec l’échelle se fait nerveux. La clé de ce solo est peut-être qu’il est un duo rêvé. Mais, puisqu’on prête parfois plus de sens et de pensée aux formes qu’aux mouvements, un troisième interprète, masculin, vient renverser toutes les interprétations possibles, et refait de toute autre manière le même chemin, naïf et généreux, juvénile, viril.  Il faut assurément du temps pour créer, répéter (dans tous les sens du terme) et se réinventer, je souhaite vivement voir un jour parfaite la pièce pour plusieurs interprètes esquissée par Eléonore Didier il y a 1 an ou déjà 2, les mêmes pensées dansées en simultané.

C’était  LaiSSeRVenir d’Eléonore Didier, dansé par Pauline Lemarchand, Eleonore Didier, Lorenzo de Angelis, au Colombier de Bagnolet.

!Kung solo, d’Eléonore Didier, est re joué les 7 et 8 décembre au Colombier de Bagnolet.

Danse entravée

Le pari est risqué que de pratiquer une danse sous contrainte, ici littéralement: c'est-à-dire jambes, ou bras, liés. Oui, je distingue bien un effort vers des gestes nouveaux. Mais la danse me semble rester prisonnière, comme si la créativité ne parvenait pas à totalement se libérer de ces chaînes volontaires. Pour commencer, une sirène se meut par bond de carpes. Surprend. Se trouve de nouveaux chemins, mais qui toujours ressemblent à d’impossibles évasions, jusqu’à s’épuiser. Son regard prend le relais, son corps ruse, tronc, joue avec nos perceptions, va nous faire puiser dans nos banques d’images sociales. La danseuse commence à nous attirer jusqu’à nous faire accepter de nouvelles anormalités, aussi tendres que des images de Freaks, apprivoisées par l’acte artistique. Mais l’idée s’enlise peu à peu, frustration. La deuxième femme a les bras entravés, ses talons hauts et sa cambrure font glisser notre perception d’elle vers un archétype de femme objet. Là encore, dans l’inconnu des gestes, mais rassemblées autour des repères plus convenus- symboliques, vestimentaires- s’impose une image possible, celle- quelque part entre vulnérabilité et séduction -d’une prisonnière. Puis je la perds.

C’était Inedito de Luigia Riva, au colombier de Bagnolet.

Guy