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spectacle - Page 4

  • Emmène moi...

    C'etait ce soir la seconde reprise du spectacle, après le Théâtre de la Bastille , et "Trans"au théâtre du Chaudron après.

    medium_claude-degliame.jpg Autant dire que tout le monde a déjà tout écrit. Alors...

    "Emmène moi au bout du monde", au Théatre de la Bastille,d'aprés Blaise Cendrars (1887-1961), m.e.s. de Jean Michel Rabeux, avec Claude Degliame

    Soir après soir jusqu'au 22 octobre

    Guy

  • Des choses cachées...

    "Je dirai, puisque tu le veux, la rose. Qu'est-ce que la rose?

    Ô rose !
    Eh quoi ! Lorsque nous respirons cette odeur qui fait vivre les dieux, n'arriverons-nous qu'à ce petit cœur insubsistant qui, dès qu'on le saisit entre ses doigts, s'effeuille et fond, comme d'une chair sur elle-même toute en son propre baiser mille fois resserrée et repliée?
    Ah, je vous le dis, ce n'est point la rose! C'est son odeur, une seconde respirée qui est éternelle!
    Non le parfum de la rose ! c'est celui de toute la Chose que Dieu a faite en son été !
    Aucune rose ! mais cette parole parfaite en une circonférence ineffable
    En qui toute chose enfin pour un moment à cette heure suprême est née !"

    medium_affiche_cantate.jpgSoyons franc, un peu: passé les premiers instants on renonce à vraiment saisir le sens de ce texte de Paul Claudel (1868-1955). Tant mieux: on abdique, et bientôt on se laisse emporter au fil des mots de "La Cantate à Trois Voix", yeux grands ouverts, au gré des images que ces voix nous évoquent. On accepte tout alors, de même qu'on a accepté de descendre et se laisser guider au plus profond le long des couloirs surplombés par voutes cachées sous l'église Saint Sulpice.

    Pour entendre: "Ô paradis dans les ténèbres !
    C'est la réalité un instant pour nous qui éclôt sous ces voiles fragiles et la profonde délice à notre âme de toute chose que Dieu a faite !
    Quoi de plus mortel à exhaler pour un être périssable que l'éternelle essence et pour une seconde l'inépuisable odeur de la rose ?
    Plus une chose meurt, plus elle arrive au bout d'elle-même, Plus elle expire de ce mot qu'elle ne peut dire et de ce secret qui la tire ! Ah, qu'au milieu de l'année cet instant de l'éternité est fragile, extrême et suspendu !
    _ Et nous trois, Laeta, Fausta, Beata, n'appartenons-nous pas à ce jardin aussi, à ce moment qui est entre le printemps et l'été (...) Ah, l'important n'est pas de vivre, mais de mourir et d'être consommé !
    Et de savoir en un autre cœur ce lieu d'où le retour est perdu, aussi fragile à un touchement de la main que la rose qui s'évanouit entre les doigts! (...)
    Mais toi, mon âme, dis : Je ne suis pas née en vain et celui qui est appelé à me cueillir existe !
    Ah, qu'il reste un peu à l'écart ! je le veux, qu'il reste encore un peu de temps à l'écart !
    Puisque où serait la foi, s'il était là? où serait le temps? où le risque? où serait le désir? et comment devenir pleinement, s'il était là, une rose ?
    C'est son absence seule qui nous fait naître"

    Il fallait sans doute beaucoup d'inconscience ou de témérité à ceux d'Heautontimorouménos pour s'attaquer à ce monument. D'une poésie qui nous parait déjà si lointaine, rare, étrange, surannée, comme si le rapport au monde qu'elle induisait ici était hors de notre atteinte de bien plus que d'un siècle.

    Mener à bien ce projet, ne serait ce que techniquement, inspire déja en soi le respect. Les trois interprêtes, et si jeunes pourtant, n'en paraissent presque pas intimidées. Elles dialoguent, chantent avec chacune leur timbre propre leur part de ce long poème. Citons les: Camille Cobbi, Clémentine Marmey, Clémentine Pons.

    Leur chant d'abord importe, porté par ces trois corps, autour d'elle un espace sobre nourri d'une lumière mesurée qui laisse sa place au mystère, et le reste est une question de séduction. Entre mélancolie, amour, foi, ferveur, mysticisme, rapport à la terre, absence de l'être aimé, éternel retour des saisons, dans cette profusion de significations est fait ici le choix de la sensualité. 

    Jusqu'à mi octobre, presque tous les soirs et pour pas moins de 12 spectateurs à la fois, à la Crypte Saint Sulpice.

    Guy

  • Fils de...

    Pas de musique, pas d'effets multimedia. Pas de bruitage, pas de trucage, pas de décors. Pas de prologue, ni de commentaires au second degré, ni clins d'oeil, aucune mise à distance. Ni mouvement de projecteur, ni hémoglobine, ni fumée, ni chorégraphie, ni pluridisciplinarité, ni nudité, ni violence physique, ni costume hors contexte.

    medium_sp_10480_g.jpgMais juste trois interprètes sans défauts, sur un simple plateau, au service des mots de Montherlant, pour que ceux ci résonnent d'une incroyable violence, d'autant plus efficacement dans ce contexte dépouillé. D'une violence essentielle: celle - toute psychologique- qui s'installe au coeur d'une relation familiale. Entre un père imbu de lui même et son fils retrouvé, le "Fils de Personne".

    Le fils est un adolescent, ni plus ni moins que cela, un coeur pur et simple. Le père ne peut l'accepter tel quel, s'obstine à la recherche impossible d'un autre lui-même. Un double idéal. Tel un Don Alvaro laïque, il occille entre élans d'affection et morgue, et la mêre, témoin, n'y peut rien. Les personnages de Montherlant, décidément, ont bien du mal à aimer.

    On a rarement l'occasion d'entendre des mots aussi cruels sur une scène de théâtre, tels ceux que le père déçu adresse à son fils, et cela constitue une provocation bien plus efficace que toutes les outrances visuelles.

    Par provocation, entendons la capacité de provoquer chez le spectateur des réactions, dont l'impact survit à la sortie de la salle.

    Le contexte- la France d'après la débâcle de 1940 qui a sépare tant des familles- est discrètement restitué par le phrasé, par les costumes, par le maquillage, par les quelques accessoires. Sans que cela n'ait au fond d'importance, sans que cela ne date la pièce. Universelle, au coeur de son sujet.

    Montée par Edith Garraud, et suivie de "Demain il fera jour"- avec les mêmes personnages et les mêmes interprètes, qu'on ira voir- promis- bientôt.

    Toujours au T.N.O. 

    Guy

  • Le Maitre de Santiago

    On hésitait un peu, on n'osait pas vraiment, mais on s'est enfin décidé: à suivre hier soir Montherlant,sur la pointe des pieds, le long des chemins les plus austères, ceux qui mènent aux sommets les plus élevés. On a vu le Maitre de Santiago. Et on aura du mal, après, à oublier.

    medium_Montherlant.jpgLe contexte: l'Espagne du début XV°, juste libérée de la domination maure, tendue vers la conquête des Amériques, et de son or.

    Le sujet: Don Alvaro, héros de la bataille de Grenade, maître de l'ordre chevaleresque de Santagio, est sollicité pour partir s'enrichir dans le nouveau monde. Qu'il puisse ainsi doter sa fille Mariana, afin qu'elle se marie avec son bien aimé. Mais Don Alvaro refuse. Tout dans ce siècle ne lui inspire que dégoût, et plus que tout la vanité d'avides conquêtes, vouées à l'échec. Il n'aspire qu'au silence, qu'à la pauvreté et à la prière. Quitte à entrainer Mariana avec lui dans la voie de l'extrème dépouillement. Jusque vers le renoncement au monde, vers l'absolu, vers Dieu ou le néant.

    La religion est donc ici évoquée dans son acceptation la plus mystique, la plus austère, la plus pure. La plus dure et intransigeante aussi. Avec un texte grave, brillant, mais d'une clarté acérée. En aucun cas un plaidoyer ou une condamnation univoque. Dans la tradition du grand théâtre d'idées, se confrontent les positions morales par la voix des personnages. Les compagnons de Don Alvaro ne se privent pas de lui dire à quel point sa recherche solitaire du salut s'accompagne de froideur et d'égoïsme, d'indifférence vis à vis du prochain, y compris vis à vis de sa fille. De lui montrer à quel point sa charité ressemble à du mépris. Mais le spectateur est adulte, à lui de méditer, et de trancher. S'il peut.

    Mais il ne s'agit pas d'un débat froid et abstrait, il s'agit de doute et de souffrance. Jean Luc Jeener, le directeur du T.N.O., incarne Don Alvaro. Aurait-il organisé le cycle Montherlant dans son théâtre qu'à ce seul effet qu'on ne pourrait lui donner tort. S'il met de tout son corps en évidence la fragilité du personnage, ce que Don Alvaro a aussi d'effrayant, d'extrême, de presque monstrueux n'est pas pour autant occulté.

    Le texte est traité ici avec un grand respect, mais il ne pouvait être fait d'autre choix en vérité. La mise en lumière est admirable, l'espace organisé sur une diagonale avec en son extrémité une croix immense, vers laquelle jusqu'à la fin les personnage tendent.

    Guy

  • Celles qu'on prend dans ses bras - et les autres

    medium_sp_9977_p.jpgOn écoute Montherlant, et on se sent bientôt plus intelligent. Extrêmement cynique aussi.

    Campés aux trois cotés de ce triangle amoureux: un séducteur vieillissant, une oie blanche sotte et ravissante, une vieille fille sensible et intelligente. Devinez la suite, et laquelle est aimée...

    Aucune banalité pourtant, tant le ton est féroce, le texte dur et brillant. On échappe au genre, comme écrit par un Guitry aigri. Le "dans les bras" qui conclu le titre apparaît comme une pure concession à la censure et aux conventions: lorsque l'on rentre dans le vif du sujet les enjeux sont situés bien plus clairement. De la crudité donc, mais jamais de vulgarité ni de facilités: nous nous situons dans un univers dramatique tout à fait suranné où la subtilité est de mise dans les rapports amoureux, où chasteté et débauche constituent de véritables enjeux, où vaincre sans avoir à combattre ne satisferait pas. On pense beaucoup, on parle, on analyse, on s'interroge longuement sur la nature de l'amour. Et on couche après seulement. Cela prend ainsi toute la pièce, de décider de se laisser prendre, ou pas.

    L'auteur a souvent été qualifié de misogyne, ce qui n'était pas innocent. Mais c'est ici plutôt de misanthropie dont il s'agit. On sera juste moitié aussi cruel que lui: Coralie Bonnemaiso, qui incarne la malheureuse confidente, domine de très haut ses deux partenaires-pourtant loin d'être mauvais. Et l'on tombe tant sous son charme, que l'on s'étonne en fin de compte que dans la pièce son personnage soit délaissé.

    Étrange, involontaire renversement. C'est très injuste, comme tout le reste également.  

    C'est toujours au TNO, évidemment.

  • Gare au QCM

    On est retourné à Gare au Théâtre, pour le premier jour de la deuxième semaine de l'anti-Avignon.

    D'évidence placée sous le signe de l'expérimentation. C'était heureusement indolore, mais pas insignifiant pour autant. Première proposition d'Anne Montfort et du Théatre de l'Heure : "Q.C.M. Quel Cas Morceler?". Avec Muriel Bourdeau et Samantha Larriva. Pour cette fois le terme de proposition- employé le plus souvent pour éviter celui trop commun de spectacle- était tout à fait approprié. Notre main innocente fut choisie pour tirer au sort l'ordre des séquences à jouer. Puis on était invité à s'asseoir n'importe où sur le plateau, et à se déplacer à volonté. Et surtout, comme chaque spectateur, on était armé d'une feuille où figuraient 35 actions possibles, pour à tout moment faire exécuter celle de son choix et infléchir le déroulement de la performance.

    Dur de se lancer, mais après on se prend vite au jeu. Certaines consignes étaient claires:"Déplacer Valérie", d'autres très intrigantes: "Sam se rappelle ce qu'elle a vu dans la chambre froide"

    Très honnêtement, on est pas persuadé que cette expérimentation soit de nature à changer l'avenir du spectacle vivant. Ni à bouleverser durablement le rapport des artistes et du public. On était si préoccupé à se demander si et comment intervenir, ou si l'on était assez désinhibé pour se déplacer encore une fois sur le plateau devant tout le monde, on était tant sollicité par toutes les lourdes responsabilités de ce genre, qu'on a manqué beaucoup de ce que la comédienne, la danseuse, la violoniste, la metteuse en scène et l'auteur des textes en direct nous proposaient pendant tout ce temps. On s'est tout de même reconnu dans les descriptions des spectateurs à la fin.

    Mais on a encore moins réfléchi à quel sens donner à tous ces mots et toutes ces actions morcelées. et l'on a pas exploré les rapports entre cette tentative et les travaux des oulipiens. Heureusement ils ont un site internet, on va devoir y faire un tour pour réviser. Mais on a tout de même connu un moment délicieusement étrange, une expérience jamais vécue jusque là. D'un sentiment nouveau et troublant: suggérer que la danseuse tombe, et qu'elle tombe effectivement. 

    Mais ce n'était pas fini, on reparlera de la suite demain, si on a le temps. 

    Guy

  • Regina Goeger - Pétrifiée, naturelle

    On ne regardera plus jamais comme avant la cascade du Parc Montsouris.

    medium_regina2.2.JPGCe soir une nymphe s'y était glissée. Filiforme, mains et visage blanchis, mystérieuse et muette, elle se glissait entre les branches, sur l'herbe et sur la terre encore mouillée, la terre brune de la couleur de sa mince robe et de sa chevelure emmêlée aux brindilles. Elle s'imprégnait de cette terre, mais tremblait quand elle se redressait, avant de s'enrouler dangereusement sur les rambardes de pierre. Animale en quête d'humanité, ou était ce l'inverse?

    La pluie avait enfin cessé, la nuit n'était pas encore tombée, le silence suspendu dans le jardin au coeur de la ville semblait plus vrai que dans n'importe quelle salle de spectacle, juste troublé par le chant de l'eau de la cascade, quelques canards surpris se détournaient de la scène.

    Puis il y eu au loin des sifflets: les gardiens du Parc Montsouris étaient impatients de fermer.

    La nymphe a souri, salué, et nous pouvions partir. Elle s'appelait Regina Goerger, (presque) Immobile dans la Pierre Millénaire.

    Guy

  • Yumi Fujinati- Kao (en 3 D)

    3 souris aveugles, comme dans la comptine. Elles trottinent, affolées, incertaines, fébriles. Visages cachés sous des bonnets qu'elles medium_lierre.3.jpgn'osent relever. Peut-être ont-elles compris, pas tout à fait folles, que le monde est effrayant et cruel. Ou est-ce tout au fond d'elles-mêmes, qu'elles n'osent regarder? Heureusement, nos personnages découvrent vite que le sexe console et distrait.

    Du Kao version Fujitani-solo, qu'on avait vu en mai à l'Akteon, à ce Kao en trio hier sur le beau plateau du Théatre du Lierre, on a changé de mode.

    Le thème du visage...masqué, est le même. Mais il ne reste que des échos de la violence primale que l'on avait ressentie à l'origine, place ici à une ironie distanciée. On ne s'effraie plus, on sourit complice. Malgré la gravité du propos un spectacle donc burlesque, mais il y aura un moment très poignant, quand les trois visages se découvriront, justement.

    Autant dire que tout est changé. Dans cette réadaptation pour 3 jeunes danseuses et comédiennes du solo d'origine, dirigée par sa créatrice Yumi Fujitani, tout est plus chorégraphié, plus construit, réinventé, de la bande son expressive à l'ambiance vidéo. Comme un premier aperçu d'un buto policé. "Néo-buto", ecrivent-elles...


    Kao Cie3Garances
    envoyé par G-mO

    Du spectacle on pourra avoir une idée, mais très réductrice, grâce à quelques extraits, ici(les trois garances)

    C'était Kao de Yumi Fujitani avec Elise Hénault,Céline Angèle, Sibylle Jounot.

    Guy 

    P.S. Jusqu'à la fin du mois, les soirées seront bien occupées. Le kao s'intalle au Lierre, encore pour ce soir et le soir d'aprés. Le festival bertin Poiré bat son plein , on y verra la semaine prochaine Moeno Wakamatsu rejoindre Masaki Iwana sur scène. Dans le même temps, Maki Watanabe et Gyohei Zaitsu danseront Esse de Karry kama Karry au Café de la Danse. Même l'entrée du parc Montsouris sera investie dimanche soir par Regina Goeger.

    Vertige...

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  • Arias -2 fois Sumako Koseki

    Sumako Kosekiondule et grimace, grimée, accroupie à terre, mime-araignée. L'ample robe à plis et à la couleur passée se déploie pour permettre toutes les excentricités, et à Sumako de changer subtilement de formes sous une lumière économe. Longtemps après encore elle évolue station debout en ironiques équilibres, pour incarner différentes facettes d'une folie douce de trop d'humanité désuète. Pour cela à nouveau Sumako gonfle les joues et s'enlaidit, accélère insensiblement le rythme très lent jusque-là, s'agite en gestes de poupée mécanique, et prend le parti du grotesque plutôt que celui du tragique.

    Noir et reprise. Sumako au sol à nouveau, la robe glisse un peu comme du serpent la peau. Retournements et reptations. Mais-hésitation- la mue est avortée et Sumako reste habillée. La suite semble plus inquiète. Le son, posé en avant plan, a aussi son importance, ni tout à fait bruitage ni tout à fait musique.

    Noir a nouveau, cette fois Sumako revient en robe rouge. Est ce la dernière partie d'un tout ou un nouveau solo? En tout cas il se manifeste plus contemporain de forme, moins "buto". Sumako tient à grand peine un long miroir entre les bras, s'en cache glace dirigée vers les spectateurs, et l'enserre entre ses jambes, pour y ouvrir un espace de reflets. Quel message la danseuse veut-elle ainsi nous renvoyer? Quoiqu'il en soit, quand plus tard ce miroir est perdu, Sumako erre telle une âme en peine à la recherche de son image disparue. Pour qu'on s'y égare un peu aussi, cet accessoire ne nous a pas permis d'atteindre tout à fait l'essentiel. Jusqu'à ce que la pièce se conclue. Aprés 60 minutes de solo, dont bien peu de perdues.

    C'était "Arias", c'était ce soir et c'est demain encore à Bertin Poiree

    Guy

  • Voyage au bout de Copi- La Nuit de Madame Lucienne

    On avait promis, on a tenu: aprés Gabegie, ce soir on a vu "La Nuit de Madame Lucienne". De Copi (1940-1987). Cela change de Jeanne d'Arc. Cela change beaucoup, même. medium_affiche_lucienne.jpg

    Tout dans le ton, dans le visuel est criard, vulgaire, baclé, laid, cruel. A dessein. Façon de plonger dans l'univers de Copi, rats, références seventies, carton-pâte, dégoût et hystérie, travesti. 

    Non-histoire: on répète une pièce, et quelqu'un a tué Madame Lucienne. Juste un prétexte pour malmener les conventions du theatre de boulevard et de la pièce policière, étirées, mises à mal, retournées, distendues. On rit au premier degré-un peu, ou on rit jaune, ou on ne rit pas du tout, car comme souvent la parodie menace toujours de trop ressembler à son modèle. La machine ricane et tourne sur elle-même jusqu'à s'épuiser, mécanismes mis à nu. Seules quelques parenthèses musicales et moqueuses ré-enchantent la scène. 

    Jusqu'à ce que, de mise en abîmes en variations piradeliennes, nos derniers repères soient perdus. Et que Madame Lucienne surgisse, pour tuer le théâtre, d'un faux coup de revolver.

    Ce coup là, qui laisse un goût amer, trop dangereux, trop désespère, trop cynique, on n'a le droit de nous le faire qu'une fois.

    Mais la représentation était unique, c'était juste pour ce soir là.

    Soit.

    Guy