En poursuivant votre navigation sur ce site, vous acceptez l'utilisation de cookies. Ces derniers assurent le bon fonctionnement de nos services. En savoir plus.
Le corps et le monde…. L’énergie de cette danse sourd et déborde, une volonté entière en lutte contre l’adversité. Contre un ennemi- est-il naturel, intime, politique, métaphysique?- qui reste invisible. Le corps à l’œuvre combat sans relâche dans ce vide menaçant et omniprésent, tombe, se relève, les gestes amples et généreux. Il résiste en mettant en oeuvre plus de souplesse que de violence. La remarquable création musicale, en flux, chocs et superpositions, témoigne de la confusion du monde, de changements incessants. A la fois elle oppresse et se laisse traverser de mouvements d’espoirs.
Cette agitation fébrile, cette énergie à vif, m’interpelle, me dérange aussi dans ce qu’elle a d’excessif. J’hésite à tant m’impliquer. J’aimerai cette dance plus concentrée en moins de gestes, plus mesurée, mais peut-être alors se trahirait-elle? Elle persiste dans sa lutte entêtée, de plus en plus vertigineuse, le corps se sature de cendre et titube, souffre à terre, mais progresse, vers la liberté?
C’était Slide, chorégraphie et interprétation de Sandra Abouav, musique de Vincent Cespedes, vu à la Loge.
Notre ami François a vu la création de Que Ser? /Qu'être? de Sofia Fitas au Colombier de Bagnolet, dans le cadre de Jamai(s) vus!: Son récit:
Au commencement, un corps vu de dos, sobrement vêtu de sombre, sans tête, vertical et immobile dans un halo de lumière comme peut l’être un cadavre pendu au bout d’une corde.
Que ser ? Qu’être ?débute par cette curieuse introduction qui semble évoquer une fin possible d’une existence humaine.
Mais rapidement le propos de Sofia Fitas nous éloigne de toute tentative de représentation. Ce corps qui restera sans visage pendant tout le solo devient une abstraction exprimée par une paire de mains sur laquelle se concentre l’éclairage. L’absence du visage intrigue. Pourquoi se cacher ainsi ? Quelques jours après avoir vu ce spectacle, j’en arrive à me demander si Sofia n’a pas souhaité renvoyer avec malice les plus philosophes de ses spectateurs vers les écrits de Levinas et la place centrale du visage dans son travail. D’ailleurs, le visage de l’Autre chez Levinas pouvait tout aussi bien être le dos de l’Autre. Ou les mains ?
Le dos. Que l’on oublie pour ne plus voir que les mains comme si elles apparaissaient seuls témoignages du vivant, et l’objet d’un gros plan en clair-obscur. Et pourtant Sofia se tient les pieds immobiles au fond de la scène à bonne distance des spectateurs. Pas de confrontation proche. Sofia ne quittera pas ce petit espace lointain pendant toute la durée de sa pièce. Ses mouvements n’ont pas pour vocation à emmener le corps prendre possession de l’espace disponible. Non, seulement occuper l’espace en tenant fermement la position initiale.
Les mains évoluent lentement dans le dos de ce corps sombre, remontent peu à peu vers cette nuque invisible. Elles se joignent comme dans une prière pour déjà se détacher l’une de l’autre, se crisper puis se détendre, se mêlent de nouveau comme des plantes ou des animaux sous-marins mêleraient leurs tentacules ou leurs filaments sous le flux d’un courant invisible. Toute l’attention est captée par ces mains, comme elle peut l’être par celles, si tourmentées, d'Egon Schiele dans ses autoportraits ou celles, si longues et fines, des personnages des tableaux d’Otto Dix. Dans le lointain, les sons d’une ville, de la circulation, des bruits de la vie. Les mains finissent par disparaître happées par ce corps sombre sans tête et sans visage.
Commence alors la deuxième phase, en complète opposition avec la première. Le visage de Sofia reste invisible, son corps reste enfermé dans son confinement virtuel du fond de la scène. Mais après la lenteur du premier temps, les mouvements presque exclusivement concentrés sur ses mains, voici la vitesse des gestes, l’énergie, la convulsion de tout un corps. L’environnement sonore accompagne de manière parfaite cette métamorphose, les sons se font plus intenses, évoquent un univers industriel, un train, un avion. On imagine Sofia traversée par un courant électrique ou plongée dans un accélérateur de particules, devenir pure énergie elle-même.
Que ser, Qu’être ? Voilà une magnifique proposition d’un voyage en deux étapes dans un univers singulier et poétique qui m’a totalement entraîné dans son charme.
Dommage que je ne puisse pas découvrir les Chiens de Navarre avec cette pièce-Nous avons les machines- ,j’ai déjà vécu le choc d’ une Raclette, et de l’Autruche … Arrivé vierge, je ressortirais sans doute enthousiaste. De ce théâtre drôle et iconoclaste, débridé et créatif, qui dynamite ses propres limites. Mais voila, ayant vu les deux autres pièces, j’ai le sentiment de retrouver ce soir un peu trop vite mes repères. Voire de regretter des redites. Sans déflorer ce que l’on voit dans la pièce, j’y vois beaucoup de similitudes- d’approche et de structures- par rapport aux deux précédentes: à comment par l’accueil hors codes du public par les performeurs, une mise hors situation. Puis, à nouveau, la représentation satirique d’un débat joué autour d’une table mais tranché net par des happenings absurdes. La répétition de cette scène, déclinée dans d’autres conditions. L’épuisement progressif de l’énergie du jeu. Une conclusion costumée et portes ouvertes sur le dehors, là où le théâtre s’arrête, ou rejoint la vie. S’expriment toujours ici de la férocité, de l’obscénité et du grotesque, des débordements. Une dynamique qui nous permet de jeter un regard décalé, surpris, acide, non seulement sur des faits sociaux, mais sur la manière même dont le théâtre contemporain en rend compte. Mais ce soir tout cela me semble un ton en dessous, assagi, et un peu prévisible dans les rôles adoptés par les acteurs respectifs. Dans la répétition de la méthode, l’audace se dilue, plutôt s’use. Je ne suis pas déstabilisé. Sans vouloir ouvrir de compétition, je vois ce soir moins de prise de risque et de distance par rapport aux conventions de la scène, qu’en une heure de Laetitia Dosch….
Pourquoi alors en rendre compte, alors que j’éprouve en général de moins en moins d‘intérêt à écrire sur ce qui m’a laissé tiède ? Parce que je lis tant de réactions si sérieusement enthousiastes, d’exégèses très développées de cette pièce, où la moindre plaisanterie ou effet visuel donne lieu à des lignes d’interprétation, que je m’en étonne!
Tout de même… presque résigné ne passer qu’un bon moment, je dois attendre les dernières vingt minutes pour voir ce que j’attendais vraiment: justement quelque chose que je n’attendais pas du tout. Un moment où les personnages trop familiers se taisent et disparaissent, et les codes visuels se télescopent dans l’ambigüité: poncifs réjouissants du cinéma gore populaire… et du théâtre visuel. On ne sait s’il s’agit d’une charge ou d’un hommage aux tendances les plus physiques et sanguinolentes du théatre contemporain, c’est cette indétermination qui rend ce moment fort et subversif. Rendez-moi les chiens, j’en ai besoin !
C’était Nous avons les machines des chiens de navarre , mis en scène par Jean Christophe Meurisse vu au théâtre de Vanves dans le cadre d’Artdanthé.
La version de 50 minutes de La Mort et L'extase est crée ce soir et demain à Micadanses en cloture du festival Faits d'hiver. A cette occasion, voici la rediffusion du texte mis en ligne le 15/5 aprés la création de la première version.
L'obscurité règne d'abord dans cette salle enfouie profonde, entre attente et chaleur. Enfin émerge un être que l'on voit nu et que l'on ressent desespéré. Il évolue lentement à terre, accablé, suivi d'un autre, de cinq, de dix, bientôt multipliés à vingt, trente, quarante, aux formes d'hommes et de femmes qui s'insinuent par tous cotés, envahissent et saturent la scène en un tableau halluciné...
L'audace, l'ampleur et la crudité de cette entrée en matière suffisent à élever la pièce à un rare, même périlleux, niveau d'intensité. Nous sommes entrainé à un voyage aux enfers, une errance spectaculaire d'âmes en peine, damnées, sans but ni espoir, aux trajectoires perdues et circulaires. Les références à l'art pictural moyenâgeux apparaissent évidentes, d'ailleurs annoncées. On oublie Cranach pour penser à Jérome Bosch. Puis notre regard prend un point de vue plus contemporain, percevant la scène selon notre appréhension des rapports entre religion et culpabilité, entre mort et érotisme, alors qu'une dizaine de parmi les interprêtes se redressent peu à peu pour jouer les figures de la souffrance et de l'extase. Danseurs et danseuses se montrent traversés de décharges de plaisir et de douleur, leurs émotions manifestées par grimaces et torsions, travaillés par des entêtements ostensibles de peines et de jouissances, se flagellent et s'abandonnent contre les murs en poses offertes, tableaux que les miroirs découverts au fond de la scène tentent de prolonger à l'infini. La ronde des âmes nues, têtes baissées, continue ininterrompue, les danseurs prisonniers de leurs cycles, condamnés à répéter les mêmes séquences terribles à l'inifini. Au dessus de ces enfers s'éleve la musique de Vivaldi, magnifique, interprétée d'une voix de castrat issue d'un corps inerte porté par des corps nus.
Avant que la voix ne se taise: la pièce ne dure que 25 minutes. Il faut ici exprimer un regret: le temps est compté. Au milieu de cette masse de corps circulants, on peine vite à organiser son regard et à suivre le propos des solistes. Le dispositif, si formidable au départ, gêne ensuite la perception de la progression de la pièce. On reste avec le sentiment que le sujet si riche est survolé, sans le temps de la dépasser...sans doute inévitablement, s'agissant d'une courte proposition et de la part d'une toute jeune chorégraphe. On souhaite que cette pièce, déja si furieuse et audacieuse, mais à l'étroit dans ce format, trouve bien des développements ultérieurs.
C'était La Mort et l'Extase de Tatania Julien, présenté à Micadanses dans le cadre de la Soirée CNSMDP.
Qui émerge dans le paysage lunaire? Avec des habits de toréador ou de cérémonie. Au milieu des rochers blancs qui effleurent, des ruines. Ils dessinent une carte étrange. Le temps se dilue, et la musique va en cercles. Le corps peut-il y échapper? Par gestes tantôt géométriques et affectés, tantôt primaires et viscéraux, qui ramènent aux ballets russes qui ramènent à l’animalité, qui ramène à avant.
Elle fait l’amour aux rochers, à l’univers entier. Un rituel se répète, comme la mémoire inintelligible, mais incarnée, d'évenements ancestraux, oubliés. Reste ces traces. Elle songe, adossée, à… ? Remplit les intervalles, ceux du temps, entre les rochers blancs, lentement, rapidement, à l’intérieur, toujours prisonnière. L’Ennui plane. J’apprends la patience, voit le temps se perdre en courses accélérée dans l’espace clos. Pourtant le rythme de la musique n’a lui pas varié d’un iota. Les lumières m’engourdissent. J’accepte la fatalité, j’ai perdu le temps et elle évoque Proust. Pas une note de piano plus appuyée que la précédente, il faut imaginer les pulsations entre, et voir monotones les répétitions, déclinaisons, recompositions d’une danse à maturité, le glissement du civilisé à l’animalité.
Le corps fait son superbe avant de s’avachir, le visage grimace et s’enlaidit au ralenti. Il faut croire alors en la magie. Comme cela devrait durer jusqu’au vertige et l'abandon complet, la fin me prend par surprise, c’est une interruption.
C’était Androcéphale de Jesus Sevari, dansé sur Vexations d’Erik Satie et sur des sculptures et lumières de Yann Le Bras. Vu à Micadanses, dans le cadre du festival faits d’hiver.
Guy
photos par Laurent Paillier /photosdedanse.com avec l'aimable autorisation de Jesus Sevari.
"QUE SER?"/ "QU'ÊTRE?" de Sofia Fitas est créé ce samedi soir au Théatre le Colombier dans le cadre du Festival "jamai(s) Vu!)
Rediffusion du texte mis en ligne le 11/05/2011.
Du jamais vu, si l‘on se met en condition d'accepter de le voir, de tenter. Une masse large, indistincte, cassée, ramifiée. L'œil peine à composer, ce qui avait pu être du papier brun froissé, bien d’autres possibles maintenant, qui s'agite en craquements, de tous cotés pour brouiller les frontières. La matière est folle, un concentré d'étrangeté, il s’en échappe une forme sans visage avec des gestes d'insecte traqué, puis ravalée par le papier, qui entre et sort de cette gangue, entre métamorphoses et errances, germinations et gesticulations de branches tordues. En devenirs circulaires, en transition, en reptations asymétriques, en improbables échanges d'énergie et de fluxs. La possible expression de la difficulté d’être. C’est l'autre absolu, exprimé par juste un corps, un peu de lumière, quelques sons. Experimento 2 a trouvé sa forme introuvable, l’inexplicable à maturité.
La seconde pièce est ténue, à rechercher plus loin encore. C’est une femme minimaliste, vue de dos, immobile, habillée de noir, mais tête escamotée. L’humanité à nouveau dérobée. Je devine les rumeurs de la ville, quand mon regard finit par abdiquer il devient prisonnier, fasciné par l’image de ces mains croisées, de leur placement qui change insensiblement, par micromouvements. Plus tard, la silhouette traversée par les sons en tous sens ne ressemble à rien d'autre sous les cheveux noirs et affolés. Avec discrétion, opiniâtreté, sans retour ni pareil, Sofia Fitas crée.
Cette performance, je l’ai déjà racontée ici, et trop précisément (mais comment résister ?), alors qu’une grande part du plaisir d’y assister vient de la surprise ressentie, et de l’inattendu. Je m’adresse donc à ceux qui ne m’ont pas lu, ou qui ont oublié. Ceux qui résisteront à la curiosité de rechercher le premier récit. Juste pour dire qu’ils auront rendez vous dans un lieu inconnu, quelque part dans Paris, sans savoir ce qu’ils iront voir. Ils seront un petit nombre à assister à cette performance dans un lieu qui n’est pas conçu pour cela. D’une certaine manière, dans ce lieu, le temps deviendra circulaire. C'est-à-dire qu’à la fin, à bien observer, il pourra ne s’être rien passé. Les détails auront alors de l’importance. Les spectateurs seront sans doute fascinés. Ils seront amenés à se demander si les lieux, même vides, peuvent être marqués par la mémoire des evenements. Ou s’il ne s’agit que d’une illusion induite par le récit. La présence de l’interprète sera forte, proche, charnelle. Et immatérielle, tant cette interprète paraitra ne pas voir les spectateurs à sa portée, semblera sur le point de les traverser, au même titre que la pièce. Comme si on l’observait évoluer dans un autre lieu, dans un autre temps. Et il sera étrange de voir l'interprete et les spectateurs d'en face, dans le même plan. Un récit sera entendu, on ne sera pas obligé de croire en sa véracité. Les liens avec ce qui sera donné à voir se feront lentement, peut-être aprés coup. Dans l'instant, le dépouillement laissera de la place à l’émotion. Des gestes banals deviendront improbables, pour certaines raisons. D’autres resteront inexpliqués. L’invisible prendra autant d’importance que le sensible. La fin sera devinée, il n’y aura pas d’applaudissements.
Je pensais vierge mais en fait non, de Thibaud Croisy , avec Sophie Demeyer, performance hors les murs du Théâtre de Vanves dans le cadre du festival Artdanthé, les mardis et vendredi jusqu’au 17 fevrier.
Dans un cas ou dans l’autre, une mutation, vers autre chose? Que faire des cinq dernières minutes? Se jeter dans un défi, rechercher ses limites? Accomplir un acte de foi ou de désespoir, d’amour, de solidarité... voire de rigolade? Ce soir, les jeunes circassiens de la 23° promotion du Centre National des Arts du Cirque proposent leurs réponses en spectacle. En paroles, et en se donnant à voir chacun dans l’exercice de son art: corde, mat, tremplin, acrobaties au sol…. C’est une contrainte lourde à respecter pour le metteur en scène David Bobée (lui juste d’une dizaine d’année moins jeune que les interprètes), de lier tous ces « numéros » autour du thème central. Musique omniprésente, belles lumières, scénographie étudiée: il fait le choix clair de la théâtralité. Quitte à s’approcher- il me semble- de la surcharge sentimentale dans le spectaculaire.
Il réussit pourtant à révéler par mots et gestes une part de la personnalité de chaque interprète, de leur vérité. Je ressens toujours de l'émerveillement devant les prouesses. Mais m’intéresserais-je vraiment aux évolutions de cette jeune femme sur cette corde verticale, si je n’avais prêté avant attention aux doutes qu'elle dit à l’heure du saut vers l’inconnu, à sa fragilité? Elle s’élève, tente d’échapper à la pesanteur, à cette fatalité, glisse tout le long comme s’étant abandonnée, laisse deviner que la chute pourrait être désirée. Le risque prend un autre sens. Apprécierais- je l’énergie et la jovialité de ces deux acrobates au sol, l’un bavard, l’autre sourd-muet, s’ils n’avaient d’abord manifesté d’un geste éloquent que la fin du monde, ils n’en ont vraiment rien à taper! Une autre jeune femme éperdue demande à haute voix: «si j’étais la dernière femme et tu étais le dernier homme, que me ferais tu maintenant ?». Avant de s’envoyer ensemble en l’air, sur le tremplin. Les artistes viennent des quatre coins d’un monde, qui comme le plateau semble tourner trop vite, les projette au bord du déséquilibre. Le temps, inversé et angoissé, passe en compte à rebours, avant une possible catastrophe, qui mettrait tout sans dessus-dessous. Ce plateau ressemble aux pièces d’un appartement, lieu de vie sans cesse bouleversé mais qui permet à tous de se réunir pour dessiner en collectif le portrait d’une jeunesse inquiète et fragmentée, avec ses rencontres, ses foules sentimentales et ses solitudes: des amis autour d’une table, un couple qui s’enlace, se dispute… Sur cette planète Mélancolie, l’avenir est leur mais tout à inventer.
Même sujet, mis en scène à l’opposé. Michel Schweitzer, 53 ans, donne le plateau et la parole à des jeunes amateurs autour de 18 ans, dans leurs derniers temps du passage de l’adolescence à l’âge de jeune adulte. Schweitzer assisté d’un comparse et D.J., se place dans la posture d’un animateur bienveillant et paternaliste. Pour aussitôt mettre en scène l’ambigüité manipulatoire de sa propre position. Il propose aux interprètes de structurer leur spectacle autour d’un abécédaire rédigé par un philosophe. L’un des jeunes refuse aussitôt ce cadre imposé, préfère donner la priorité à ce que lui suggèrent ses propres intuitions, même confuses. Ce qui suit prend dés lors l’apparence d’une prise de pouvoir improvisé, d’un dialogue en forme de rapport de force permanent entre les générations pour la maîtrise de l’expression. Sur deux pendules les minutes s’écoulent à des vitesses différentes, suggérant un fossé qui se creuse. Au prix de longueurs et de fluctuations de notre attention, sur scène tout semble possible.
Le groupe, avant toute véritable prise de parole, préfère chercher énergie et cohésion dans un temps de danse techno, se rassemble en une grappe dense et hédoniste, quitte à laisser le public de coté. La scène est foutraque, lumières allumées dans la salle, conventions spectaculaires refusées. Les jeunes tiennent l’espace du plateau par le nombre, le dj propose et négocie, Michel Schweitzer garde le contrôle des écrans pour délivrer suggestions et messages. Les jeunes s’expriment quant à leurs préoccupations, alternent sujets pratiques et existentiels, abordent questions sentimentales et sexuelles avec un mélange de franchise et de pudeur. De l’effronterie et de l’inquiétude, un maintenant crâneur et des lendemains incertains. La prise de parole est collective, bousculée, en jeu de ping-pong, sans complaisance, souvent sur un mode de dérision. Les antagonismes et manifestations d’incompréhension s’expriment tout autant entre eux qu’avec les vieux. Ils se rassemblent par la musique, la danse et la chanson, mettant en pratique les « talents particuliers » pour lesquels ils ont été sélectionnés. Par transitions en demi-teinte, l’effet Starac’ est évité. Leurs performances sont encore jeunes, mais émouvantes dans ce contexte, par ce qu’elles disent de leur devenir. Leur prise de risque trouve son écho dans les discussions, et l’urgence qu’ils expriment de trouver leurs les limites. Cette proposition surprenante s’achève par l’expression du dilemme qui résume leur difficulté à être au monde: le choix entre un cynisme prématuré, et un enthousiasme idéaliste. Je suis alors interpellé par la posture de Miche Schweitzer, plus proche de ma génération, qui feint alors un attendrissement détaché l’impuissance à se souvenir de sa propre jeunesse.
C’était This is the End, spectacle de fin d’études des élèves de la 23° promotion du Centre National des arts du Cirque, mis en scène par David Bobée jusqu’au 12 février à l’espace chapiteaux de la Villette
C’est un dispositif quadri frontal. C'est-à-dire qu’on serait comme au zoo tout autour de la cage, à disséquer les mœurs de primates au milieu (sans se moquer d'eux, ce serait incorrect). Encerclées par nos regards: quatre femmes nues sauf leurs shorts et perruques (blondes forcement), leurs neurones évaporés de toute évidence.
Images si marquées, sur-codées, que les clichés sexistes ne peuvent dés lors s’appréhender qu’au x-ième degré. Constatation: elles sont. Juste à un état très élémentaire. Arrivées à un cul de sac de l’évolution? Tels des animaux qui survivraient sur cette ile du paradis, hors du temps, sans d’autres soucis que de satisfaire des besoins élémentaires. Lécher des glaces avec des langues postiches, s’alimenter de junk food, téter des ballons avec d’impressionnants bruits de succion, se maculer de peinture, se laisser entrainer par le mimétisme du groupe. Si c'est le paradis, le serpent est parti. Les gestes sont vagues et les regards vides. Ou remplis de morosité. Je suis impressionné par le travail des interprètes: à ce niveau là, la vacuité ne s’improvise pas. Le vide est à force contagieux, quelques fous rires nerveux. Ou l’on s'interroge sur sa place de spectateur comme écrit sur le programme. Le public, pourtant libre de bouger, reste tétanisé. Avec une brève séquence culottes tombées aux pieds, il nous est proposé d’aller jusqu’au bout du voyeurisme. La bande son diffuse des souvenirs, au mieux de civilisation, sinon de consumérisme, auxquels les interprètes réagissent. Il y avait donc un avant. Et maintenant la régression. Je pense aux "élois" du roman d’H.G. Wells. Ou nous pourrions être en train d’assister à la diffusion en direct d’un reality show muet et mutant, tendant vers un contenu néant. Les personnages livrés de tous cotés aux regards dans l'accomplissement de toutes leurs fonctions, agités sans conscience ni logique de restes de gestes sociaux ayant perdu leur raison d’être: des pas patauds de danse, les postures indolentes d’une sexualité anesthésiée. Le projet est plutôt cohérent, mais j’en ressors hébété, ni plus intelligent, ni plus élevé.
C’était PI Paradise Isle, installation performance de Mrx et Mrj - Fanadeep, ce mardi soir encore au Théatre de Vanves dans le cadre d’Artdanthé.
Ce samedi soir, Jean François Munnier lève le rideau sur trois pièces en résidence à l’Etoile du Nord, propose d’en voir des extraits, des commencements, et invite les artistes à s’exprimer. L’expérience est passionnante…et il est délicat d’en rendre compte. Invité à voir ces ébauches, « fragiles » forcement, on est condamné à la bienveillance.
Blanc Brut de Françoise Tartinville, duo masculin en interaction avec un mobile et une bande son lourde de respirations, m’impressionne par l’originalité des matières dansées. Des ondulations, l’expérience d’un temps ralenti, décalé, une incertitude caoutchouteuse, une impression de violence contenue. A ce stade mon attention flotte, avec le sentiment que cette originalité se déploie encore tout azimuth. Mais cette impression n’est pas naturelle à ce stade du travail? Les explications ensuite de la chorégraphe et de l’équipe sont bienvenues. Précises et déterminées. Elles me permettent de me rapprocher de l’œuvre, me préparent à la revoir, plus tard. A confronter mes ressentis aux intentions de base : la masculinité dans sa physicalité, ayant pu entrevoir les structures sous-jacentes, les relations entre chorégraphie, scénographie et bande son, issue de la respiration des interprètes.
La présentation d’ Edging me laisse perplexe. Je reçois beaucoup d'explications, trop d’explications, avant l’extrait, après l’extrait. Je reste dubitatif lorsque l’on m’explique que le sujet n’est venu qu’en second, après le désir de rencontre entre les trois créateurs. Je ne fais pas les liens entre ce sujet- la rétention du plaisir au bord du paroxysme, et sur un plan social et politique la surcharge d’information et l’impossibilité de l’action, avec ce à quoi j’assiste ce soir: la réaction d’un corps prostré à une pièce de noise music jouée à fort volume. Les choix exprimés- montrer le vide du plateau, faire entendre la musique dans le noir- ne me paraissent pas consistants à ce stade, porteurs de significations. Trop tôt pour en juger? La pièce sera ce qu’elle sera…
Renversement : les premières minutes claires obscures de Sous ma peau, de Maxence Rey, installent déjà la sensation d’un achèvement, dans l'esprit si ce n'est dans la forme. Le sujet s’impose sans faux semblants: la féminité exposée par sa nudité. Ce sujet est d’entrée pleinement assumé, de la suggestion à la crudité. Ce sujet est bien sur dangereux par excellence, entre les pièges de l’esthétisme et ceux de la vulgarité. Mais ces premières minutes me paraissent atteindre aussitôt quelque chose au-delà de l’impudeur, laisser entrevoir « sous la peau » des identités pourtant insaisissables, mouvantes, protéiformes. Trois corps assis, en quasi immobilité, et je retrouve l’étrangeté évocatrice des Bois de l’ombre, au bord du gouffre de l’effarement. Les visages sont confisqués par des masques blancs et des perruques uniformes, mais pour laisser les corps s’exprimer, chacun dans sa singularité, corps qui évoluent bientôt et se déforment dans tous leurs états, de l’épure au fantasme. Jusqu'à la monstruosité?, Déja les dernières secondes et l’une des danseuses s’avance au bord de la scène en arrachant son masque…et nous abandonne sur cette interrogation. Après ces vingt premières minutes, les explications de l’équipe sont redondantes, de pure convivialité. Sous ma peau sera une pièce forte, trouble, étonnante.
C'était les turbulents, présentation d'étapes de travail de Blanc Brut de Françoise Tartinville, Edging de Guillaume Marie (Chorégraphie et interprétation), Igor Dobricic (Conception et dramaturgie) et Kazuyuki Kishino (Création musicale), Sous ma peau de Maxence Rey, à l'Etoile du Nord.
