Le général et le particulier

A voir trop souvent de la danse, surtout des courtes pièces, je me suis peut-être déshabitué du théâtre caractérisé. Soudain voilà John & Mary- 2 heures 30 ininterrompu, du texte dense, dru. Le choc est rude. Le texte de Pascal Rambert est très « écrit », éloigné de l’évidence musicale et légère du début de l’A , avec des allures d’exercice de style bizarroïde. Le projet est-il de refonder la forme d’un drame antique postmoderne? On retrouve de nombreux personnages aux relations entremêlées, des dilemmes et conflits, un chœur antique, des allusions aux rois et aux dieux. Le thème de l’amour reste classique, celui de ses relations avec l’argent plus moderne. De l’auteur on retrouve les procédés de répétition, et un mélange déconcertant de trivial et d’emphase. C’est tout sauf clair, mais mon attention s’aiguise plutôt que se lasser. Je crois en comprendre les raisons, mais plus tard. Ce qui m’a troublé dans ce vocabulaire, c’est l’indéfinition, l’espace en confusion entre général et particulier. Pas de noms propres, et des termes génériques : l’amour, le mari, le frère, la sœur, la femme, l’étranger, l’argent, l’événement, partir, rester… Même le titre ne ment pas. John & Mary peuvent être n’importe qui. Je n’en finis pas d’essayer de me repérer dans cette irréalité.

 

Je comprends mieux maintenant la mise en scène, d'abord élégante avant que l’on sache qu’elle est intelligente. Une scénographie de larmes et d’eau: la surface liquide sur laquelle évoluent les acteurs, les miroirs en fond de scène brouillent les repères, du point particulier vers l’infini. Les costumes irréels semblent glacés et ténébreux, sans étoile et noir de bible. Les postures se figent en de pures figures, les acteurs dialoguent mais tous face à la scène, dans une géométrie glacée. Sans au début se toucher. Ils s’adressent les uns aux autres dans le texte, au monde entier dans le geste, comme par monologues alternés. Un personnage apparait en contraste, blanc comme un danseur de buto. Les mouvements sont progressivement autorisés entre eux, en une lente progression vers l’émotion, au millimètre. A cette sobriété en noir et blanc, le chœur à chaque acte fait diversion en couleur: deux filles aux formes juste voilées de bleu léger, narquoises et familières, cigarette au lèvres.  

Et c’est surement réac d’avouer que cette élégance dans l’esthétique de la mise en scène me plait même avant que je n’y cherche une logique. Tant pis !

C’était John & Mary de Pascal Rambert, m.e.s par Thomas Bouvet, encore quelques jours au Théâtre de Vanves.  

photo avec l'aimable autorisation du Théatre de Vanves

Concordan(s)e 2011, des espèces d'odyssées

A ce qu'il parait, cette bête reviendrait jeudi prochain, avec FRASQ

Rediffusion d'une note mise en ligne le 27/4/2012

Les rencontres de Concordan(s)e s'aventurent en plein inattendu, l'approche croisée des danseurs et écrivains accouche de résultats surprenants, des ajustements secoués, vers de drôles de mutations.

Dans l'air planent des hésitations. Une bête rode sur le plateau: un danseur à fourrure, la présence est intrigante, mais pas plus inquiétante qu’un gros toutou. Un écrivain se tait à la platine, n'écrit pas non plus, d’abord prostré sous sa table. Mais suit un traité de domestication, le récit de la sélection méthodique des renards par Dimitri Beliaev, en Sibérie. L’homme regarde vers les étoiles, l’écrivain est à sa table mais son double à poils agit en contrepoint. La bête prend le contrôle et secoue les luminaires, tandis qu’on évoque Gilgamesh et la sonde voyager. Entre deux anecdotes évolutives passe le souvenir de P.K. Dick, de Sun Ra, de l'Odyssée de l'Espace. Mystérieuses destinations. Où en sommes nous, à quel âge? Dans une étreinte sérrée l’homme et la bête se confondent.

C'était Des écumes civiles une création de Lionel Hoche et d'Emmanuel Rabu , au Colombier de Bagnolet, dans le cadre de Concordan(s)e

photo de Sylvain thomas avec l'amaible autorisation de Lionel Hoche

Quand on était punk

Quand 3, 4 spectateurs quittent la salle, c’est souvent bon signe. Quelque chose se passe, qui les dérange. Stone et Charnel, alias Joël Hubaut et Léa Le Bricomte, performent. Partant de là, tout est ouvert. Premières notes du concert, premiers mots, qui sont déjà brouillés. Les premières phrases qu’il dit portent, je crois, sur l’impossibilité de communiquer, et se perdent ensuite dans l’écho. Elle joue d’une guitare saturée, notes tenues, tendues, refuse les accords. Une seule chanson, sans contrastes, une grosse caisse préenregistrée frappe les cranes, très fort. Le répit qu’on attend ne viendra pas. Lui: las et lourd, spasmodique, agité, chapeau et lunettes noires, se déchire la voix et cabotine, vieillit en une heure. Elle: jeune, semble ailleurs, à contrecœur. On ne distingue pas les mots noyés et les notes brouillées. Pourtant le sens s’impose et pilonne. Aujourd’hui la crise, et demain ne sera pas vachement mieux. J'entends: tout est foutu mais rien n’est grave. Je me souviens des décibels punks, d’une autre crise, no future, la fin des 70’s. Elle tourne sur la scène et l’emmêle dans les fils, les distorsions, le larsen. Impuissance, bruit et déprime. C’est dur à supporter, et en un sens exceptionnel. Moins sexe que rock and roll, le couple se cherche, empêtré dans les fils, sans faim ni nécessité. La performance erre, dévie, s’achève à défaut de s’épuiser. La créatrice du festival interpellée par la performeur, apparait la première surprise du résultat, prise à contrepied. Ce festival vit.

C’était Stone et Charnel, performance de Joël Hubaut et Léa Le Bricomte, dans le cadre du premier festival Zoa, à la Loge.

Guy

Stone et Charnel reviennent (mais comment?) au Générateur de Gentilly le 28 octobre...

Etats de nues

Vous n’avez encore rien vu, et je n’avais encore rien vu de sous ma peau, au moment de l’extrait montré en janvier dernier. En 9 mois la gestation a fait son œuvre. J’avais alors vu, de ce trio de femmes, l’identité remise à zéro par la mise à nue. Une idée d’absolu. Masquées et anonymes, corps vierges et découverts. Des poses assises en clair obscur glissaient légères vers des affirmations de soi allusives, minimales, s’abstrayant de la vulgarité ou de la pudeur. Le corps se lisait lent, évoluant doucement dans un état d’érotisme suggéré, qui sait? Mais elles se transformaient déjà, par des exercices de monstruosité ou de laideur, au point d’abolir même la laideur. Les masques tombaient alors sur une interruption, ils tombent ce soir sur d’autres mystères. Des masques sous les masques, et plus encore.

 

Je croyais la ligne bien tracée depuis ce début, mais ce soir les mues continuent, d’autres peaux sous la peau première, je sais que je ne sais plus. La pièce s’élance, mais dense accumule les sens, la danse les ambivalences. Leurs identités se reconstituent, se perdent, s’affirment à nouveau mais chaque geste s’accumule, à double sens, nos sens chavirés. Elles s’animent et se jaugent, s’étalonnent, s’affrontent en rivalités aveugles, enfin se fondent ensemble, se consolent en toute sororité. Où est-ce un charnier? Hiératiques, visages effacés tels des mannequins dans une vitrine, elles tremblent l’instant d’aprés, vulnérables et terriblement humaines. Après des balancements organiques, elles sont saisies d’emballements mécaniques. Clins d’œil sous les archétypes féminins, couche sur couche. Au millimètre. Les états charnels dessinent peu à peu en subtilité une belle, ample, fresque du premier sexe, vers l’émancipation: dernier masque arraché c’est le visage qui a le dernier mot, avec fierté et humanité. Cette pièce n’est pas féministe, elle est sans doute politique, en toute subtilité. Je suis laissé confus, et impressionné. Dans l’admiration et la perplexité. Je n’ai pas tout vu. Faut-il avoir le regard d’une femme? Pourtant j’étais prévenu. J’avais vu plusieurs fois et avec plaisir les bois de l’ombre et jamais vu la même pièce. Cette pièce là, je la reverrai, et chaque fois elle aura encore fait sa mue.

C’était Sous ma peau de Maxence Rey, vu en filage à l’Atelier Carolyn Carlson, créé à L’Etoile du Nord jusqu’à ce samedi.

Guy

photo: Aléida Flores Yaniz avec l'aimable autorisation de Maxence Rey

sans titre ni feminisme (bavardage)

C'est l'histoire de 6 femmes normales qui montent sur scène à poil, puis dansent des danses plutôt banales. On est un peu surpris au début par ce décalage car elles dansent à poil, mais comme les danses sont assez banales, l'effet fait long feu, on s’ennuie et puis c'est fini…

Première descente en flamme sur ce blog depuis longtemps. Ceci mérite des explications. En matière de spectacle vivant, beaucoup de propositions m’ennuient (dont par exemple celle-ci), certaines m’agacent… mais pour des raisons qu'il me faut m’expliquer à moi-même, beaucoup m’intéressent et même m’enthousiasment à un point qu’il est urgent de les partager. Mon plaisir, c’est de parler des propositions qui relèvent de la dernière catégorie (les coups de coeurs) et parfois de la seconde( les poils à gratter). Repenser et se repencher sur les expériences de la première catégorie (les pensums) revient à subir une double peine. A force de reconsidérer celles-ci par le souvenir, on peut parfois y redécouvrir matière à penser, mais ces réanimations miraculeuses sont rares. Important: je ne suis investi d’aucune mission, je suis juste mon plaisir. Celui d’éreinter un spectacle est un amusement bien trop facile et paresseux. Et un certain relativisme me fait admettre que d’autres peuvent ressentir de belles émotions et aussi légitimes que les miennes en des circonstances où mon propre encéphalogramme reste plat. Laissons- les en paix. Donc très peu de « critiques négatives » ici. Au risque de donner l’impression d’être trop positif. Même complaisant. Voire connivent… en bien, tant pis!

Pourquoi alors revenir sur Untitled Feminist Show?  Parcequ’il se passe quelque chose de bizarre.Tout le monde m’en parle. et je ne comprends pas pourquoi. Cela commence à Gennevilliers (jusque là c’est normal). Tout le monde a applaudi, mais cela ne veut rien dire. Après vient le moment incertain, à la sortie de la salle, où l’opinion à peine formée, on a des scrupules à proclamer tout de go quelque chose de tranché. Au risque de pétrifier son interlocuteur dans son jugement. Je me suis déjà formulé d’être resté sur ma faim passées les entrées en scène plutôt intenses. La 1^ère scène style opérette m’a énervé, j’ai ressenti la suite fade, sans substance. J’entends une spectatrice dire que pour une fois la nudité ne l’a pas agressé, mais sur le ton avec lequel on donne un bon point. Il y a un buffet. Très bon. Aparté avec un critique pro, puis, par hasard, avec un autre. A mi voix, comme des conspirateurs. Sur la même ligne que moi, avec leurs mots. Énervés par le passéisme de certaines scènes, ou blaguant que le show peut épater un public américain. Dressant cruellement une impossible comparaison avec l’audacieuses proposition de Muriel Bourdeau de la veille, proposition qui elle ne ressemble à rien d’autre. Consensus minimal. Mais consistant. Est-ce ainsi qu’une opinion collective se forme ? Échange avec d’autres connaissances : mêmes réactions, communes aux femmes et aux hommes. C'est rassurant, rien à voir avec mon regard de mâle. On me glisse: de l'Apple à poil, bien vu. Fin de soirée, sommeil, classement vertical.

Mais l’histoire n’en finit pas là. Loin des théâtres je rencontre Clémence. Elle aborde le sujet de cette pièce (où est ce moi ?) regrettant de n’avoir pu la voir malgré son envie (pour des raisons peut-être féministes). Je la détrompe. Puis hier ma chère cousine Marie-Lys, que je ne savais pas familière du T2G, s’emballe pour la pièce sur son mur Facebook. A tort ou à raison, j’interviens, je commente. Marie Lys reste calme et mesurée. Bravo. j'essaie d'oublier. Mais aujourd’hui Sylvie, que je n’ai pas vraiment jusque là le plaisir de connaitre, me demande par un message mon opinion, je la lui livre (toujours la même), mais Sylvie dans sa réponse est encore plus dure que moi-même. Alors je lis les 3 coups et j’ai envie de pleurer. Bref tout le monde semble s'intéresser à cette pièce (alors que j’aimerais tant que d’autres œuvres soulèvent autant d’intérêt…), sans que je ne comprenne pourquoi, mais je me sens une demande à laquelle je ne peux me soustraire, le devoir de partager, à titre exceptionnel: « c'est l'histoire de 6 femmes normales qui montent sur scène à poil, etc… »

C’est presque fini, mais j’ai une théorie. Il y a une demande sociale forte pour Untitled Feminist Show. Mais si cette pièce n’avait tout simplement pas été montrée au bon endroit ? Dans un lieu dédié au théâtre contemporain comme le T2G, le nu ne suffit pas pour étonner et le style cabaret, qui n’est pas infâme en soit, ne passionne pas. Alors que dans un théatre privé, ou une scène consacrée à des comédies musicales familiales, la danse aurait été à sa place et la performance nue plus remarquée, plus forte politiquement. Mais on ne va pas refaire le monde, c’est tout pour aujourd’hui.  

Guy

C’était Untitled feminist show de Young Jean Lee, au Théatre de Gennevilliers

Photo de Blaine Davis avec bandeaux noirs d'origine et l’aimable autorisation du théâtre de Gennevilliers

Couples en 3 D

Les histoires d’amour finissent mal, à ce qu’il parait. Ce baiser entre deux femmes durerait alors pour toujours, dans le temps de la pièce. Je pense à Cary Grant et Ingrid Bergman, amants si ardents dans Notorius d’Alfred Hitchcock, pour ce possible plus long baiser de l’histoire du cinéma, mais entrecoupé de pauses et murmures, pour déjouer les règles d’alors. Ce soir pas de censure, seule la conscience du risque, la peur de tout rompre, par la séparation. Elles restent donc attachées aux lèvres l’une de l’autre,  comme à l’écran bougent pourtant, traversent la scène, s’allongent, se retournent. Unies mais empêchées, bloquées à ce stade de l’intimité, sans pouvoir ou vouloir aller plus loin, tout changement interdit.

Un autre couple joue dans le même temps à la manière de grands enfants d’une abondante matière molle et fluo, pâte à modeler instable et protéiforme, pour masques, projectiles et divers objets. Ils en construisent une yellow brick road qui ne mène à rien (ou est ce une barrière aux couleurs de La Loge?). Ils triturent et jubilent, déstructurent et remettent en ordre.

Le troisième couple est gardé à distance, silhouettes piégées dans le temps clos de la vidéo, muettes comme du temps du cinéma d’avant, au bord du burlesque. Notre camera ne bouge pas. Tout est écrit et cadré d’avance de la rencontre à la séparation, en passant par le lit, les jeux, les baffes et les gnons. Trois actions simultanées, l’ironie, le temps qui passe si bizarrement et que fait-on de tout cela?  On se laisse surprendre par l’imprévu, on suit le fil, on imagine et on se refait le film la saison reprend…

C’était la création de Le risque zéro n’existe pas par Muriel  Bourdeau à La Loge dans le cadre du festival ZOA créé par Sabrina Weldman.

Guy

Lire ici Autoportrait de Muriel Bourdeau.

Le jeune festival ZOA continue cette semaine à la Loge, avec Joël Hubaut & Léa le Bricomte, Gurshad Shaheman, Yalda Younes et Gaspard Delanoë.

Photos avec l'aimable autorisation de Muriel Bourdeau

Double duo

Reliés du coin de l’œil: Claude Parle à l’accordéon monumental, Piersy Ross à la guitare et toutes ses pédales tissent ensemble un tapis dissonant d’improvisations, un tapis volant, déchiré sur des sables mouvants. Ils lâchent des décharges électro-acoustiques- ça tangue et frappe à l’estomac- comme autant d’encouragements, de provocations.

Vers les corps sur le fil de Yuko Kominami, débarquée du japon, plutôt en dedans, traversée, vers le bas, prostrée, et Marianela Leon Ruiz qui s’étend plutôt vers le haut, mais dans toutes les directions, yeux ouverts et curieux, incontrôlée, à tâter les limites, et aller gratter partout, plutôt toucher que croire, bousculer. On se fait tout petit sur son siège, puis on respire: elle passe sa curiosité sur sa chaise, et comme pour tout jusqu’ à l’excès.

Yuko a des tremblements de bête blessée et tout vient des profondeurs, à son rythme elle se déplie. Fatalement- le lieu n’est pas si grand- la rencontre entre elles deux a lieu. Un choc lent, asymétrique, délicieusement bancal: c’est Yuko qui subit les assauts de Marianela. En un déséquilibre imprévu, improvisé. Normal: le message, c’est le corps, la liberté. Pas d’intentions mais des urgences. La récréation plutôt que les concepts et corvées. On pourrait encore appeler cela buto, mais le temps de l’appeler la forme aurait changée. Pas de règle du jeu, Marianela s’attaque à Claude, Ça réjouit. C’est la fin, on rit.

C'était Imprudance avec Yuko Kominami, Marianela Leon Ruiz, Claude Parle et Piersy Ross à Ackenbush.

photos avec l'aimable autorisation de Claude Parle.

Yuko Kominami ouvre ce 20 juillet à 19H00 sa résidence à point éphémère (et c'est gratuit).

Danses en forme- partie 4

A quoi sert la danse ? A extraire la beauté de là on ne serait à priori pas venu la chercher, avec des interprètes à mille lieues du petit monde chorégraphique, à changer notre regard sur eux…  Ce soir, aux mouvements des danseurs professionnels (dont Mai Ishiwata, vue chez Carlotta Ikeda et Tatania Julien) se mêlent et se fondent ceux de deux patients d’hôpital psychiatriques. Un homme mur, une femme corpulente à l’extrême, leurs corps bien loin des canons de l’esthétique. On pourrait craindre un spectacle de charité, considéré d’un regard faussé de complaisance….

Il n’en est rien. Question de délicatesse dans l’approche, surtout d’honnêteté. L’inspiration du spectacle vient du vécu des interprètes, leur besoin d’expression, canalisés par le travail en commun. Les échanges avec les professionnels respirent une fraternité contagieuse, qui font s’estomper les écarts en termes techniques. Les enjeux du spectacle se déplacent, s’adoucissent, s’humanisent. La gaucherie devient grâce et vérité, les contrastes entre raideur et souplesse se résolvent dans le jeu et la tendresse. La grosse femme devient centre du monde, rassurante et consolatrice, force élémentaire. L’homme incarne une belle innocence dans des courses champêtres. Tout se rassemble et culmine dans une ambiance de fête populaire. La pièce, bien nommée, s’intitule Vie, un appel à nous réconcilier avec nos corps, avec nous même. Ils nous rendent heureux.

C'était Vie (travail en cours) de Claire Durand-Drouhin et la compagnie traction, vu dans le cadre du festival petites formes (d)cousues à Point éphémère.

Guy

Photos avec l'aimable autorisation de la compagnie

Danses en forme- partie 3

A quoi sert la danse? A permettre d’entrevoir des forces invisibles, de nouvelles lignes au long desquelles l’énergie circule?  Sur scène, ces lignes dans l’air sont matérialisées: deviennent-elles des liens qui entravent, ou des liens qui relient? La chorégraphe Sandra Abouav se tient campée sur ses pieds au centre, dans l’œil du cyclone, fétu de paille pile au milieu du grand tourbillon- peut-être en est elle elle-même la source…   Le corps se tend, se plie, revient à son l’état initial. Se reconstitue en mémoire de forme, le temps aussi est un cercle.

 

Dans un maelstrom de sons et musiques empilés, je ressens une brusque ivresse, ou une fatalité, je la crois au perdue monde et elle m’emporte dans ce vide. Puis  elle me semble à l’inverse en pleine communion avec des forces la traversent, des forces qui préexistent. Elle retrouve mobilité et liberté, se développe en une profusion de sensations. Ailleurs on découvre entre énergie et matière de nouvelles particules, ici avec la pensée, le mouvement fait le monde. Hélices, pièce en devenir, prolonge en idées, maitrise, intensité, Slide, et me fait renverser mon point de vue, ressentir maintenant convergence plutôt que résistance.

C'était Hélices de Sandra Abouav vu à Point Ephémère dans le cadre du festival Petites (d)formes cousues.

Guy

A suivre....

photo par steve Appel avec l'aimable autorisation de la compagnie.

Danses en forme - partie 2

A quoi sert la danse? A oser, partager les passions d’un corps dans ses états limites. Le corps d’Aina Alegre, intense reste pourtant éloigné de moi, dans la fumée. Lui, tendu de violences symboliques, âpre, sans douceur ni compromis m’oppresse et moi le regard éprouvé d’avoir déjà voyagé ce soir à trois autres reprises dans d’autres univers,je ne peux le suivre où il pourrait m’emporter.

La danse nous pose des questions, visions à double fond, aussi ambigües que la vie même. Nous reconstruisons. Est-ce à présent, tout en lenteur, tout en discrète langueur, une histoire de corps, une histoire d’amour? Que s'est-il passé avant? La lumière est rouge, une femme en robe blanche se coule sur la table, au fond des images de radiographie médicales, celles ci qui imposent la dure vérité des os sous l'allusion des gestes. On entend plusieurs paroles surprises au vol à propos de l’amour, naïves ou cyniques mais toujours vraies, des propos de Discothèque? Ces mots ramènent à la lancinante dualité entre acte physique et sentiment amoureux, entre cœur et chair. Ainsi la femme se lève, mais bancale, avec seulementune botte, déséquilibrée elle boite. Mais du quel des deux cotés? Puis se regarde si belle en son miroir, mais parasitée de gestes de plus en plus incontrôlés. D'où vient la fêlure? La pièce aurait pu s’achever ainsi, mais son dos nu laisse apparaitre une peau marquée, non d’une blessure d’amour mais d’une vraie cicatrice, tout est alors à repenser.

C'était No Se trata de un Desnudo mitologico d"Aina Alegre, et Discotheque de la compagnie LFB avec Lilliana Garcia Gomez, dans le cadre du festival Petites formes (d)cousues à Point Ephémère.

A suivre...

Guy