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perruque

  • Boris Charmatz: Retour sur Herses?

    Revoir Herses intéresse, fascine, mais sans rien éclaircir. On est pas plus avancé. Et encore moins à relire nos réflexions d'il y a un an. Naïvetés. On voit, on est frappé, mais sans en comprendre les raisons. Doit on renoncer à chercher un sens, d'ensemble? Tout juste persister à traquer des indices, pas plus? Pour commencer, on relit la feuille de salle: "Traversée critique des utopies (...) du corps naturel, du couple, de la communauté." Là on a quelques pistes: des oppositions. La seule approche possible serait-elle de tenter des définitions de la chose... mais en négatif? Par fragments. Sauf déja qu'il s'agit de danse, de toute évidence. Voilà pour le le positif. Mais à part ça? D'abord de quoi ne s'agit il pas?

    Aucune narration déjà. Ce qui est peut-être une bonne chose, un espoir de durer. Pas d' "histoire de". Juste au début quelques gestes de semeurs (?), mimés, sans explication. Pas de métaphore forcée, ni Dieu, ni tragédie, ni évocation d'un destin, ni dénonciation. Juste quatre, cinq corps qui ne seraient qu'eux-mêmes. Jusqu'à la nudité? Mais pour quelle raison? Cette nudité est inexpressive. En soit il semble qu'elle ne vaut rien: ramenée presque à l'absence de costumes. Comme un refus. Le corps n'est pas glorifié. Plutôt pataud. Sans s'affirmer jusque dans le ridicule. Cette nudité peut elle être vue comme une représentation de la naissance? De l'innocence? On avait cru voir cela chez d'autres, ici on ne voit rien de tout cela. Il faudrait que les gestes soient simples, émergents, vierges, en découverte, en explorations de leur vérité. Mais ce soir ce n'est pas le cas, on distingue du maniérisme, accompli avec gaucherie. Des postures tarabiscotées et jambe en l'air, mais qui auraient oublié leur achèvement. On tient enfin le début de quelque chose: des souvenirs d'autres danses, mais comme engourdies, léthargiques. Le printemps ne s'éveille jamais pour de bon. Se suivent des mouvements qui ne mènent à rien, courses gauches seins en main, tout le superbe reste en plan. Pas d'envolée. Des débris esthétiques, qui ne seraient pas posés là par hasard...mais pourquoi?

    Pour le second mouvement, toujours hasardeux, les corps se rencontrent. Un peu, mais dans une flagrante indifférence. Vagues frôlements, sans réactions, contacts incertains, rapprochements sans intentions. Tout sauf une représentation de l'attirance, de l'empathie, ni d'aucun autre sentiment. Puis des duos portés mous, danseuse balancée sur l'épaule comme un sac de linge. A nouveau une anti convention? Encore le refus du beau geste? Le pire pour finir: l'affalement de l'un sur l'autre, en une proximité inexpréssive, pour montrer ce qui ne se passe quand même pas quand le plus de peau s'épouse. Puis enfin le mouvement de groupe, mais en grappes. Les corps agglutinés et lents, englués ensemble. Tout au long-c'est un refus de plus- les lumières s'interdisent de montrer vraiment, économes jusque parfois aux limites de l'obscurité, pourtant créant à mi-parcours un soudain contraste, alors crues et blanches. Le véritable éclairage vient de la performance au violoncelle, qui pour l'essentiel prend place, après la danse. Une provocation comme le reste, provocation pas nécessairement à comprendre dans le sens agressif du terme, un dernier refus de l'interaction communément convenue entre la musique et le geste. Car pourtant les deux actes artistiques s'expliquent sans se rencontrer: comme chez Jean Pierre Robert l'instrument est utilisé au delà des approches  classiques, en explorant de nouvelles résonances, de nouvelles attaques, aux limites des cordes et du bois, de même que les gestes se jouent dans d'autres sens.  

    C'est fini, pour nous une seconde fois, on est pas plus avancé, et le contraste est frappant de par hasard revivre cette expérience juste après avoir vu Pietragalla. Dans Sade, il y a des audaces, de la créativité, mais solidement installées sur un socle d'expressivité, une base de romantisme, irréfutable et rassurante. On sait où on est, où du moins on sait d'où on part. Avec Charmatz, table rase des conventions, et là dessus reprise de fragments de langage déja-vu, ou d'anti-langage, dénoncé, c'est selon. C'est délicieusement intriguant et laisse sur une intéressante insatisfaction. Mais où va t'on? Est ce un nouveau vocabulaire qui est en construction, ou juste la déconstruction de l'ancien qui est montrée? Peut être faudrait il continuer à représenter Herses tous les 10 ans, pour sortir de l'engourdissement, et recommencer.

    C'était encore Herses(une lente introduction) ♥♥♥, de et avec Boris Charmatz, avec aussi Audrey Gaisan, Christophe Ives, Latifa laabissi, Alain Michard, cette fois avec Artdanthé.

    Guy

    P.S. : Boris Charmatz vient au Jeu de Paume (1 place de la Concorde Paris) présenter son film "Une Lente Introduction" mardi prochain 12 février à 19H, et en discuter. Avec les images de la création de Herses par la première distribution.  Et en attendant, Boris Charmatz s'explique un peu au CND .

    Re-P.S. Les musiques étaient d'Helmut Lachenmann, au violoncelle Andreas Lindenbaum

    PS. Aatt enen tionon est ici

  • 7 essais pour Nightshade

    On arrive bon dernier pour découvrir Nightshade. Cent fois déja découvert, tout à fait plus que nu, strip-teasé lignes après lignes. Considéré avec soit tout l'enthousiasme du Tadorne, soit avec tout le recul de JD. Embarras. Les polémiques sur-exposent l'objet, éclairé sous tous les angles et par toutes les problématiques. En vrac: ambiguïtés des rencontres entre chorégraphes et professionnels et leurs risques de pudibonderie et condescendance, difficulté de situer la chose ou pas du tout dans le champ artistique, pression sur le spectateur renvoyé à un statut de voyeur,  banalisation de l'érotisme, etc..., etc..., etc...., etc.... On en tellement lu qu'il nous semble déjà avoir tout vu. Donc, 10c4f83ebee6d899441aab17f58e00a3.jpgon aborde l'expérience elle-même un peu collet monté, bras croisés, comme resté au vestiaire, sans avoir pu se dépouiller de toutes les idées déjà faites. Et puis on se gèle à la Villette.

    Mais après vingt minutes et deux numéros, ce constat s'impose: il y a ici nul concept, tout juste un fil rouge. Comme dans les vieux films à steckches: il y avait Louis Malle, puis Vadim, puis Fellini. Ou Woody Allen, puis Scorsese. Donc ce soir à la suite, bien rangées, hermétiques, 7 performances, mis en scène par 7 chorégraphes contemporains-et à chacun son style-, interprétés par 7 professionnel(le)s du strip tease. 7 projets et 7 approches. Seul l'orchestre reste le même. Ne cherchons pas à distinguer un tout, ne regardons que les parties. Aucune loi générale à en tirer.

    Préalable- puisque qu'il y a un point commun quand même- qu'est ce que le strip-tease? Relisons Barthes et Verrièle. Et rappelons juste que le contrat entre artiste et spectateur consiste implicitement en une promesse dont chacun sait qu'elle ne sera pas tenue: la danseuse/le danseur prendra tout son temps-utilisera beaucoup d'artifices- pour retarder le moment, où elle/il ne montrera que peu, et très brièvement.

    Sept spectacles à raconter, c'est beaucoup.

    Envoyons se rhabiller Eric de Volder (trop brumeux), Johanne Saunier(trop leger), Wim Vandekeybus (trop confus)...

    Ca fait trois de moins, en reste quatre à déshabiller. On monte la lumière, on enlève son blouson, mais jusque là on a rien montré... demain promis!

    Guy

  • Saskia Hölbling: F comme ?

    JDs'est éclipsé après le solo de Maria Donata d'Urso, prétextant un problème de billet. Prudence ou prémonition? La pièce de Saskia Höbling suit et commence, mais sans commencer vraiment. Les accessoires sont bien là, épars, mais l'espace tarde à se faire habiter. Las, trois présences féminines s'installent en prenant leur temps, la soirée continue  sous le signe de la patience.

    Cette forme sous un drap est celle d'une femme nue, mais qui une fois dévoilée reste encore longtemps, très longtemps inanimée. Ses deux partenaires, après quelques fausses entrées, explorent nonchalamment ce territoire bien encombré. Il y a du travail: sur le sol pâle billes, jouets, arbustes, mannequins en morceaux, poupées, dalles de gazon, échelle, tulle, vêtements de genres différents, perruques, fourrures, coquillages, chaises, lampadaires... Il s'agit sans doute d'épuiser les possibilités de vagues manipulations qu'offrent ces objets incongrus. Il s'agit de danser un peu aussi, mais si peu, comme par accident comme par distraction, de manière décalée, comme pour évoquer par gestes perdus des souvenirs oubliés. Les transitions entre chaque action s'insinuent heureusement à rebours de toute logique: quand une danseuse extrait interminablement de sa blouse de travail une pièce de vêtement, c'est pour aller ranger la chose dans un carton et ne s'en servir que beaucoup plus tard.

    Mais à force de passer chacune d'un objet à l'autre les filles perdues donnent l'impression de ne jamais trouver chaussure à leur pied. Dans ce jardin un peu triste l'ennui même ironique devient contagieux. On se console en cherchant dans cette désolation un peu de poésie, et dans ce bric à bric des reminiscences de Dali. Quand on est oisif et désoeuvré parfois on tue le temps en allant se baigner. C'est une exquise surprise pour conclure et nous réconcilier: nos trois belles deviennent baigneuses endormies à ne pas remarquer l'absence d'eau- bonnets fifties et maillots démodés, toutes trois ensemble réunies enfin, dans un lieu fictif et qui commence à exister. Pour qu'elles créent du charme in extremis, de la délicate nostalgie. de l'étrange dans une belle rêverie.

    C'était F on a pale ground de Saskia Höbling au CDN de Montreuil , avec Les Rencontres chorégraphiques internationales de Seine Saint Denis.

    Guy

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  • Mette Ingvartsen: à moitié?



    Festivaliers d'un soir, on grimpe en bobo-bus pour une balade le long du canal dans le Parc de la Villette: un transport aux parfums d'excursion du dimanche, passage bon marché dans une autre dimension. Aprés Anne Juren, Mette Ingvartsen nous attend à la Halle aux Grains, de dos et de pied ferme.

    http://www.aisikl.net/mette/pieces/50-50/50-50_video.html

    Action: sur la sono solo à l'enclume du batteur de Deep Purple: c'est à l'état natif assez caricatural pour n'être écouté qu'au second degré. Bande son idéale pour que Mette Ingvartsen nous prouve qu'elle a assimilé à 100 % les glorieux idiomes du rock viril. Contre emploi aussi convaincant que Kataline Patkai en Jim Morrison. Transposition efficace, traduction dynamique par medium_50_50.jpgmouvements du fessier, qui secouent nos repères visuels, gestuelle radicalement réinventée-car on a jamais vu un chanteur de hard rock en femme nue avec une perruque orange et des baskets. Nue certes, mais l'androgénéité s'est installée par le geste. La feminité sacrifiée sans états d'âmes pour les besoins de l'exercice, très loin l'érotisme, le résultat y gagne deliceusement en humour décalé. un peu trop? La suite, coté cirque et opéra, dérape un peu dans un grotesque assumé, beaucoup d'idées mais des changements de tons et de thèmes sur un mode trop bon enfant. Comme elle est drôle et douée, on est complice, mais du même coup trop proche, et qu'à 50 % convaincu. La perruque tombe et le mystère un peu aussi. Logique impitoyable de l'effeuillage? Trop décousu, succombé à la tentation de trop en faire, à l'instar du dernier opus- To Come-de la belle? On avait préféré de très loin le Manual Focusque la jeune chorégraphe danoise exécuta ici même, cette pièce d'alors à 100 % homogène, cohérente, étrange, virtuose, manipulatrice, intrigante.

    C'était 50/50 de Mette Ingvartsen à la Halle aux Grains du Parc de la Villette, avec le festival 100 dessus dessous, hier et aujourd'hui encore à l'instant même. Pour ceux qui en ce moment n'y sont pas, un extrait du meilleurs ici.

    Guy

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  • Coriolan 22.04: plus lourd que la légende

    Contexte antique, mais allusions appuyées à l'actualité politique. Style Rome et ses banlieues bétonnées. Et les peuples vaincus parqués comme des esclaves. Bonnes "racailles" et vilains-méchants politiciens cyniques. Que d'originalité!  Belle scénographie. Des moments medium_coriolan.jpgemportés. De la provocation, mais si peu. Un peu de drôlerie dans la charge. Sur un texte sonnant à peine plus travaillé que pour Gabegie.Mais en moins la fraîcheur et l'urgence. Si lourd. De l'emphase avant tout. Et tout plein de bon sentiments. Perdus les acteurs, comme en roue libre, pas vraiment raccords, grandiloquence plus au moins dosée, chacun sur sa partition, sous employés, sans enjeux, un peu en répétition machinale des tics de la pièce d'avant. Et finalement, bien peu d'interactions entre eux. Surtout, chacun son tour, de la déclamation. Quelques beaux éclats, pourtant.

    Trés dommage. Surtout après un Maldororincandescent. Après un Claudel sur-vitaminé. Vivement Gabegie 8. Vivement surtout 2008. 

    C'était Coriolan 22.04 de et par J.F. Marrioti- compagnie Heautontimorouménos au Théâtre des Déchargeurs, jusqu'à fin mars.

    Guy

    P.S. En début de soirée, on a vu Moeno Wakamatsudanser un travail en cours à la fondation Boris Vian, Cité Veron. Ce soir elle recommence et ça promet. Et elle revient finir tout ça en mai, et au même endroit.

  • Boris Charmatz: la révolution permanente

    André Malraux aurait dit - selon Romain Gary-: "L'Art c'est ce qui n'est pas". Bel aphorisme, et qui pose de beaux défis à qui se risque à parler d'art justement. Ce soir une chose au moins est sure: il s'agit ici de refus. Le medium_Herses.jpgrefus des codes de la discipline et du spectacle, le refus de la décence et de la joliesse, jusqu'au final: proposé en un état de corps indistincts et agglutinés, une triste masse de membres, de chairs et de nudités qui roule et s'affaisse sur elle-même. Soit l'exact inverse d'un bel et dynamique ensemble dansé. Avant ce rassemblement sans union, les interactions entre danseurs apparaissent accidentelles, hasardeuses, évoquent plus des manoeuvres d'approches animales que le sempiternel rituel de séduction dont la danse de couple tend à faire la représentation dans 80% des cas.

    Pour créer il ne suffit pas de tourner le dos à la tradition: avec des intentions voisines beaucoup s'abîment dans la lourdeur et la médiocrité, le premier moment d'ivresse passé, tous repères perdus, incapables de recréer un vocabulaire qui nous intéresse. On en a déjà vu plus d'un dans ce cas et c'est triste à se pendre. Mais chez Boris Charmatz c'est peu de dire que quelque chose se passe. D'incroyablement riche et dense, nouveau, passionnant. Ni sympathique, ni drôle, ni aimable. Quelque chose de peut-être trop dense pour une seule soirée. 

    C'est que le garçon, de formation académique, ne part pas de zéro. Mémoire et oubli se heurtent et se répondent. Les danseurs s'envolent quelques instants en figures classiques avant de s'effondrer en relâchements piteux, d'un grotesque très buto. Les portés mous se transforment en vagues affalements. La narration se trouve sans cesse brisée, l'action éclatée et décentrée en de multiples errances. L'éclairage se contredit d'un épisode à l'autre, la musique se pose en décalage, et l'anti-solo de violoncelle s'introduit après la danse. Les attributs masculins pendent de tous cotés, les developpés des danseuses s'ouvrent à rebrousse poil sur la crudité de leur entrejambe. Le corps a perdu ici toute sa superbe scénique et ce choix du nu facial et clinique, qui karcherise tout effet érotique, n'apparaît que comme l'un des moyens puissants mis en oeuvre pour affirmer le refus de la joliesse, le recherche de la radicalité.   

    Il s'agit d'une reprise, d'une pièce crée il y a 10 ans, et qui est resté un repère dans le mouvement contemporain. Boritz Charmatz avait 24 ans à la création, à peu prés l'age où un autre surdoué, Orson Welles commit Citizen Kane, l'âge où l'on renverse les règles de l'art pour en imposer des nouvelles. Une fois cet aspect historique venu à la conscience, c'était presqu'impossible de d'en abstraire. On a donc essayé d'écrire comme si on était en 1997. Cela fait il une différence? Notre regard est bien trop faible pour embrasser l'ensemble de la scène actuelle et en evaluer la créativité. Mais l'on se demande si cette pièce n'est pas plus révolutionnaire aujourd'hui qu'hier, à voir aujourd'hui tant de spectacles qui réinventent inlassablement la banalité. Et Boritz Charmatz a t il tenu ses promesses d'il y a dix ans? Oui, à en lire certains (Clochettes). mais pour d'autres, c'est moins évident (Image de Danse). Ceux qui iront le voir ce soir ou demain à Vanves avec Ardanthe  se construiront leur propre réponse.

    C'était Herses(une lente introduction) ♥♥♥, de et avec Boris Charmatz, avec aussi Audrey Gaisan, Christophe Ives, Latifa laabissi, Alain Michard au Centre national de la Danse.

    Guy

    Avec tout ça, presque pas le temps de se rhabiller, on va voir les danseurs de Daniel Leveillé mardi prochain. Pas frileux eux non plus.

    Photo de J-M Cima tirée du site du C.N.D. 

    P.S. : un second regard sur herses, ici

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  • Fury hard à Vitry

    Chaque mois de Juillet on reste à Paris, exprès pour "Nous n'irons pas à Avignon" à Gare au Theatre, et on va donc à Vitry. Des spectacles toute la journée, des chaises longues le long de la voie ferrée, mais pas un train qui ne passe et rien dans l'air pour nous presser.

    On s'est quand même levé pour aller voir "MurMurs" de la compagnie Furymoon, dirigée par Miguel-Angel Ganiko. On voit l'homme et l'on croit deviner plus qu'un grain de folie. Folie buto, c'est une belle promesse. Mais on voit le spectacle, et la folie en reste là. Perdue sur un plateau immense. De beaux moments mais qui se dissipent dans l'instant qui suit, sans que l'on puisse vraiment imaginer bouts après bouts quelle histoire peut être racontée. Danse et "théâtre ultra-baroque", selon la feuille de scène? Mais alors, et contrairement aux intentions affichées, un théâtre qui pèche par manque d'excès. 

    On a poursuivi dans un tout autre genre avec "Hard Copy" d'Isabelle Sorente. Quatre femmes qui parlent dans un bureau: on pouvait craindre le pire. Et on a été pris d'un frisson horrifié au soupçon que l'on était peut être en train de regarder du café-théâtre. Mais on a choisi sagement de considérer la situation autrement, et tant mieux. On a pu donc savourer la mise en scène de la cruauté ordinaire, la vision pessismiste et réconfortante de personnages littéralement pensés par leurs répliques, que leur dicte le triste air du temps.

    Après, dans le même esprit, et comme chacun, on a vu la demi-finale.

    Guy