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  • Juju Alishina: une vie de chien

    Beaucoup s'épuisent et se dispersent à vouloir pluridisciplinariser à tout prix. C'est déjà en soi remarquable que Juju Alishina, en utilisant des techniques de buto, de théâtre, de danse, nous propose quelque chose qui se tient. Pour plus d'une heure durant, avec un début, un milieu, une fin. L'argument est consciencieusement expliqué sur la feuille de salle: une fable politique, mais sans morale univoque, situé dans un espace-temps utopique et indéterminé. Où l'on voit un groupe engagé politiquement se réfugier dans la clandestinité. Ce récit reste obscur, ce qui n'est pas plus mal. Les personnages réservent leur souffle pour des tirades idéologiques d'un délicieux démodé (que cet effet fascinant soit volontaire ou non, il importe peu). Les rapports qui lient les personnages s'exposent eux plutôt à force de danse et de mine, ce qui les transporte depuis la raideur de l'utopie vers les plans de la corporalité et de la sexualité, tant mieux. Sur un mode talentueusement expressif et ambigu, surtout quand le chien est concerné.

    Car Juju Alishina joue le chien. Joue plutôt le rôle d'une femme esclave éduquée par le groupe comme une chienne. Ce qui pose un problème de représentation. Quant la danseuse se retourne sur le dos les quatre pattes en l'air, fait-elle du buto? Ou imite-t-elle un chien? Ou fait elle les deux ? On ne sait pas, sauf qu'on tend à rester dans le registre de l'imitation, ce qui, dans toute la pluridisciplinarité mise en oeuvre ici, est tout de même le moins intéressant. En concours avec la musique seventies, d'un mauvais goût effrayant. Surtout il manque ici au final un peu de nervosité, d'enjeu, pour dépasser le niveau d'un brillant exercice de style. Heureusement, comme dans Dogville, tout le monde meurt à la fin.

    C'était Dog rules de Juju Alishina_compagnie Nuba, avec Delphine Brual, Ippei Hosaka, Thamin Abdesselam, et Juju Alishina, à l'espace culturel Bertin Poirée.

    Guy

  • Bill T. Jones n'est pas une statue grecque

    Du haut de ce grand escalier du Louvre, que domine la Victoire de Samothrace, plus vingt siècles nous contemplent. 73b0f50dd8e8564276d124cdddcb79b1.jpgC'est entendu. Mais le poids de l'histoire culturelle se fait vite oublier. Une fois assis sur les marches pour regarder Bill T. Jones , nous tournons le dos à la Victoire, qui pourrait tout autant à notre insu s'envoler. Dés que refroidie la première excitation de cette intrusion nocturne, un peu clandestine, dans le Grand Musée avec un grand M, on se dit que cette performance aurait pu exister, et avec autant de force, dans tout autre lieu doté des mêmes volumes: une usine, un hall de gare, une galerie du siècle dernier...

    Certes, Bill T. Jones nous présente la musculature élancée et noueuse d'une statue antique. Et c'est une vérité première que sculpture et danse ont en commun de produire de l'art avec du corps. Et bien sûr encore, le danseur dialogue un peu avec ses homologues de pierre, s'amuse à en reproduire quelques postures. Mais il developpe ces correspondances avec moins de systématisme qu'on aurait pu le supposer à en lire le programme, ou à voir la photo reprise ici, absolument non contractuelle. Et enfin la disposition des lieux fait qu'on verra peu des statues elles-mêmes. Ceci posé, la performance a lieu ici au Musée du Louvre, c'est un fait, même si l'on ne sait pas vraiment pourquoi. Bill T. Jones, est après tout l'un des chorégraphes les plus respectés outre Atlantique, donc improbablement en quête de respectabilité. Peut -être le danseur cède-t-il simplement à une fascination très américaine pour les lieux où la culture européenne s'enracine, peut être est ce aussi une opportunité pour le Louvre de s'associer ainsi à la chose contemporaine...

    La performance a donc lieu ici, et il faut bien l'occuper, cet espace, intimidant, solennel, presque impossible: face à nous, cent mètres de galeries en enfilade. Cent mètres, c'est très long, c'est très loin. Bill T. Jones s'annonce d'abord hors champ d'une voix grave par un chant de rue, puis se présente à nous en avant scène. Tout près. Pour user d'un code miné plutôt contemporain. Surtout imposer une présence tranquille. Enfin part en promenade le long de la perspective, tout le long, tout au bout de la ligne du titre, jusqu'à oser devenir silhouette, jouer de sa quasi disparition. C'est une promenade nonchalante, souligné par les lumières, le dialogue avec les oeuvres de pierre est alors juste deviné. L'occupation de l'espace sonore, exploité dans tous ses échos et toutes ses résonances, prend à ce moment autant de valeur que l'occupation de l'espace visuel. Avec l'ample irréalité des percussions de Florent Jodelet, et la totale étrangeté ici du chant de la thibétaine Yungchen Lhamo. On peut s'en agacer, ou s'abandonner au contraire. Après s'être fait désirer et deviner, les deux musiciens se matérialisent, pour prendre leur rôle de chair et d'os dans la tranquille exploration du lieu. Aux cotés de Billy T. réapparu. Cet homme ne marche pas, il glisse. Il ne se meut pas, il ondule. Avec l'élégance d'un danseur de comédie musicale- on n'est pas surpris d'apprendre sur son site qu'il vient d'accepter un grammy award pour une chorégraphie à Broadway- tout en restant moderne et contemporain. Mais surtout avec une lente autorité, une absolue sérénité. C'est un fantôme, on l'a enfin compris, venu hanter de sourires et de souples figures ce lieu endormi, y entraîner ses complices improbables- et nous avec- dans un bel entre-deux entre présence et virtualité.

    C'était Walking the line ♥♥♥ dansé par Bill T. Jones, avec Yungchen Lhamo (voix) et Florent Jodelet (percussions) au Musée du Louvre, avec le Festival d'Automne à Paris.

    Guy

    C'est jeudi et samedi encore, mais c'est depuis longtemps complet. 

  • Emmanuel Gat: complet

    De : Reservation CND <reservation@cnd.fr>
    À : guy.degeorges@xxxxx

    Envoyé le : Mardi, 13 Novembre 2007, 16h35mn 23s
    Objet : Re: [RESERVATION]

    Bonsoir,

    Nous n’avons malheureusement plus de place pour ce spectacle,  si vous en avez la possibilité, nous vous proposons de venir le soir même, nous ferons une liste d’attente au cas où, il y aurait des désistements de dernière minute.

    Cordialement,
    L’équipe Billetterie

    Centre national de la danse
    Service Réservation/Billetterie
    1, rue Victor Hugo
    93507 Pantin Cedex
    T 01 41 83 98 98
    reservation@cnd.fr


    le 30/10/07 7:10, guy.degeorges@xxxxx  a écrit :

    RESERVATION :
     Référence(s) :
        Artiste(s) :   Emanuel Gat / Emanuel Gat Dance     
      Titre : My favorite things (coproduction) / Le Sacre du printemps
       
     Dates : Mercredi 21 au vendredi 23 novembre 2007 à 20h30, samedi 24 à 17h et 20h30
     
         Adresse : CND - Pantin
    93507 Pantin
      
     Tarifs : 14€, TR: 11€
    Abonné : 10€, TR: 8€

    Réservations
    Du lundi au vendredi, de 10h à 19h
    T 01 41 83 98 98 / reservation@cnd.fr
     
     Nom : Degeorges  
    Prénom : Guy  
    Adresse : XXXXXXXXXXXXX  
    Téléphone : XXXXXXXXXXXX
    Adresse mail :  guy.degeorges@xxxx
      
    Date : jeudi 22 novembre
    Nombre de places : 2
     
    Commentaires :  
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  • Juste la fin du monde: l'éternelle famille

    Vient bientôt le temps des fêtes de fin d'année, le temps des réunions de famille. Les réunions des familles qui se réunissent encore, c'est à dire celles qui n'ont pas hérité. Pour se préparer à y survivre, il est bon d'aller voir "Juste la fin du monde" de Jean Luc Lagarce (1957-1995). Pour ne pas y retrouver Lagarce, qui depuis 12 ans est mort, mais pour découvrir ou retrouver son oeuvre, une oeuvre en bonne voie, semble-t-il, de lui survivre longtemps. Quitte à échapper à son auteur autant que nécessaire. Paul, le principal protagoniste, qui va bientôt mourir et veut revoir sa famille, n'est pas/n'est plus Jean Luc Lagarce, qui avait écrit la pièce se sachant condamné par le sida. Paul est Paul, simplement, avec les traits ronds et murs d'Hervé Pierre (sans la barbe de Coltrone), qui répète avec gourmandise et sans essayer de convaincre qu'il a trente-cinq ans. La mort est toujours présente, mais passe un peu au second plan.

    Paul revient dans sa famille, pour parler, dire la vérité (sur son état, seulement, ou sur lui, plus généralement?), et ne le peut, évidemment. Pas plus que Paul n'a pu, marchant une nuit sur un pont entre ciel et terre, gueuler un cri pour de bon. C'est l'un des puissants paradoxes de ce théâtre de nous montrer des personnages parler pendant une heure et demi pour démontrer qu'ils sont dans l'impossibilité de communiquer. Avec une langue très pure, un peu blanche, comme en perpétuelle recherche d'elle même, même si quelques effets de répétition résonnent parfois comme des exercices de conjugaison. On le pardonne volontiers, car ces répétitions font sens, témoignant de la difficulté qu'ont les personnages à se définir par les mots. Ce texte est porté avec énergie et intelligence, avec conviction. Il est vrai que les acteurs- Danielle Lebrunen tête- ont de sérieux états de service. On entend ici des phrases superbement impossibles mais jouées de manière réaliste, à rebours d'un certain théâtre contemporain qui se saisit souvent de textes classiques pour leur faire subir un traitement distancié.

    Car c'est peut être avant tout d'un théâtre de situation, un théâtre psychologique, dont il s'agit ici. Un théâtre moderne et adulte, pour tout dire. Le fils aîné revient, mais le retour est impossible pour qui un jour est parti. Ceux qui sont restés entre eux- la mère, le frère, la soeur- se sont renfermés ensemble sur les souvenirs des vieilles querelles, dans un inconfort qu'il est trop douloureux pour eux de remuer. La place de chacun est assignée, la scène est barrée de tout son long par le mur imposant d'une maison, par ses ouvertures apparait la vue d'un ciel tourmenté. Image d'une subjectivité vers laquelle chacun pourtant parvient à son tour à s'échapper, quand les névroses familiales éclatent brusquement en accès de violences, avant de s'éssouffler en renoncements, au goût doux amer du pardon.

    "Qui peut dire comment les choses disparaissent?"

    C'était Juste la fin du monde ♥♥♥ de Jean Luc Largarce, mis en scéne par François Berreur, avec Hervé-Pierre-de-la-comedie-française, Danièle Lebrun, Elizabeth Mazev, Clotilde Mollet, Bruno Wolkowitch, au Théatre de la Cité Internationale en partenariat avec le Théatre de la Ville.  Jusqu'au 25 novembre

    Guy

    P.S. du 25/11: quelques images ici  et quelques échanges, sur un air de théatre

     

  • Lost

    Les rescapés explorent l'île par petits groupes, veulent en percer les mystères, se retrouvent impuissants confrontés aux volontés des étranges habitants du lieu, sont terrorisés par des phénomènes inexpliqués, par les apparitions de monstres et créatures surnaturelles.

    Ce n'est pas la dernière saison d'une serie made in Los Angeles, c'est juste La Tempête, oeuvre tardive de Willy, son quasi testament. Une pièce étrange et onirique, presque ésotérique, de quoi occuper les fabricants d'exégèses fc017e753e191a7a214000796a70ca18.jpgpendant quelques siècles. En tous cas une pièce atypique dans la production shakespearienne: ici nulle passion qui menerait un Macbeth ou un Othello jusqu'à son propre anéantissement, ni intrigue à proprement parler qui nous tiendrait en haleine. Trahisons, luttes de pouvoir: toute l'action a eu lieu avant  la pièce, dans un temps ordinaire, suspendu par la tempête. Ensuite, comme dans les séries d'aujourd'hui, les naufragés rencontreront leur vérité à travers les épreuves. Mais c'est l'île elle même- et ses incarnations primitives: Ariel et Caliban- qui est le personnage principal de la pièce. Un lieu de magie, mais comme empreint d'une lassitude apaisée, où les passions se résolvent, où les fautes sont pardonnées.

    L'île est donc un lieu hors du monde et du temps, avec plus d'évidence encore que la forêt du Songe d'une nuit d'été, ou l'Illyrie de la Nuit des rois, une puissante métaphore de l'espace théâtral lui même. Il faut donc que soit imposé à nos esprits l'étrangeté de ce lieu: c'est chose faite dés l'entrée, avec, agitant quatre grandes voiles, une effrayante tempête, ensuite souvent le son des tambours, de beaux effets de lumière, et une juste part laissée au ténèbres. Le texte est ensuite joué avec humilité, mais avec intélligence. Dans cette troupe peuplée de têtes familières pour qui fréquente le T.N.O. François Paul Dubois en Prospero dégage une irrésistible mélancolie, tout autant que de l'autorité. Frédéric Touitou  surjoue un peu Caliban. Surtout, Carlos Ouedraogo campe un Ariel résolument, étonnement, delicieusement africain.

    Tous les mystères ne seront pas éclaircis, tant mieux. Mais qui est vraiment le magicien Prospero, un homme qui, fait extraordinaire, renonce de lui même à sa magie? Peut être ce Prospero est il déjà mort, nous suggère à l'oreille une voix perspicace.... 

    C'était la Tempête de William Shakespeare, mise en scène par Bernard Mallek et Paola Rizza dans le cadre de l'intégrale Shakespeare, au T.N.O.

    Guy

  • La grande parade de Rodrigo Garcia et Mickey au Théatre du Rond Point

    Le public rit franchement, la première fois qu'un comédien apparaît nu sur scène.

    Le public rit très rarement, lors des trois longs monologues anti-consuméristes en espagnol du début. 

    Le public rit quand même, quand on voit pour la première fois le mot "baiser" en sur-titres sur le grand écran.

    Le public rit, quand les comédiens s'enduisent de miel.

    Le public ne rit pas, quand rentre la figurante, encore chevelue.

    Le public rit un peu, quand un des comédiens tond les cheveux de la figurante, il rit mais sans doute en réaction à des textes en sur-titres, relatifs aux dirigeants politiques et aux grèves.

    Le public ne rit pas du tout, quand un comédien plonge des souris dans un aquarium (Il vaut mieux être escargot avec Jesus Sevari que souris avec Rodrigo Garcia), et les repêche avant la noyade.

    Le public rit un peu, quand cette scène est interrompue, pour cause de panne vidéo.

    Le public rit aux éclats, quand un comédien et une comédienne minent nus un coit crane contre sexe.

    Le public rit beaucoup, quand apparait ensuite une famille entière de figurants pour monter en voiture.

    Le public rit tout autant, quand les comédiens plongent dans la boue.

    Le public rit, mais moins fort, quand on accroche par des fils des grenouilles à un comédien.

    Le public baille, lors du long monologue final, et la projection de films de parachute.

    Le public applaudit.

    Le public sort du théatre, sur les Champs Elysées.

    C'était la premiere parisienne d'Arrojad mis Cenizas sobre Mickey / Et balancez mes cendres sur Mickey de Rodrigo Garcia, avec Jorge Horno, Nuria Lloansi, Juan Loriente, et à la figuration le 8 novembre, Laurie-Anne Ivol, qui fait ce qu'elle veut avec ses cheveux, au Théatre du Rond Point, avec le festival d'Automne à Paris.

    Guy

    P.S du 11/11: A lire, Le Tadorne, Scenes 2.0, un air de theatre

     

  • Jesus (Sevari): la femme à la tête de choux

    Il s'en trouve toujours un, hélas, pour raconter le début, vendre la mèche. Soyons le premier, et spolions allégrement, tant pis pour les effets de surprise. Jesus Sevari nous attend allongée à l'entrée de la salle, juste vêtue de talons aiguilles et sur le visage une souche, son corps colonisé d'escargots. Tout partout, gastéropodisée des pieds à la bouche, jusque dans la bouche. C'est la seconde femme limace  qu'on rencontre cette année, mais pour le coup c'est inédit, audacieux et saisissant. On est content. Jesus bouge parcimonieusement, les escargots aussi, mais encore plus lentement, ils glissent, et cela pourrait durer longtemps encore.

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    A compter de l'instant où les spectateurs ont compris qu'il faut considérer ce tableau comme la première scène du spectacle, et qu'il n'y a pas d'inconvenance à s'arrêter là pour scruter la baveuse performance, ils font demi-tour depuis leurs sièges. Puis font attroupement debout en demi cercle. Avec une fascination plutôt amusée, avec sans doute un peu de difficulté à prendre du recul pour réfléchir au concept. Régression vers l'animalité? Ou une simple exhibition absurde, une provocation calme et démystifiée? Mais déjà les deux autres partenaires de la danseuse détachent un par un les animaux de ce terrain humain. Avec beaucoup de précautions, avec presque du respect. Ce soir on ne plaisante pas avec les escargots. Un moment d'émotion chez les témoins de la scène: alors que la danseuse se relève on voit qu'un des gastéropodes été oublié entre ses pieds, en grand danger d'écrasement. Soupir de soulagement quand l'animal est in extrémis repéré, récupéré. Passage du public dans la salle, au risque de décevoir après ce prologue. On se surprend à imaginer ce que cette performance aurait pu devenir si elle avait osé durer et devenir danse: dressages utopiques, apprentissage d'une lenteur extrême, interactions improbables, vertigineux contrastes.

    Mais il y a encore une heure de spectacle, après. Saturée par- citons le programme-: 40 escargots, 7 salades, 6 masques, 5 costumes, 3 paires de chaussures à talons aiguille, 2 musiciens, 1 comédienne, 1 danseuse, 1 litre de lait, 1 guitare électrique et 1 corde à sauter. La liste n'est pas exhaustive, on pourrait y rajouter: des ventilateurs, des ballons multicolores, un beau sourire, des ailes d'ange, un costume de Dark Vador, un ordinateur Apple, une robe glamour, pas mal d'impudeur et un peu de danse, des yeux en gros plans, des bouches, des bâches et des bûches, des discours rêveurs et des souvenirs rêvés, et le guitariste bite au vent. Diagnostic: c'est le syndrome trés répandu du bric a brac, maladie de jeunesse qui avait déjà frappé d'autres victimes dans F for Fake, pour ne prendre qu'un exemple. Autour d'un concept trop généraliste, que l'on pourrait réduire à un manifeste de l'introspection exhibée, une exploration du domaine fantasmatique. Appliqué avec une volonté explicite de pluridisciplinarisme. Mais cette ambition n'est pas toujours soutenue par des moyens suffisants. A chaque changement de genre: baisse de tension.

    La création existe, pourtant, intrigante et originale, si l'on se résout à prendre, à retenir ce qui nous intéresse. Quitte à un peu oublier le reste, essentiellement ce qui est parlé. Pour se souvenir du meilleur: de trop brèves séquences de belle danse contemporaine, bras collés au torse, ou buste penché en avant, une danse singulière à en faire oublier la belle robe, ou la nudité. Se souvenir aussi des gestes en échos entre la danseuse et son double "ordinaire", l'actrice Sylvie Deslande, cette dernière au corps moins "artistique" dans son dévoilement, d'où un dialogue d'autant plus intéressant. Se encore souvenir de ces mises en situation d'un absurde troublant et décomplexé, sans provocation ni agréssivité tant la chair semble sereine, tableaux surréalistes habités par des personnages à tête de salade. Se souvenir pour finir d'un véritable rêve éveille dans la pénombre, avec ces images organiques projetés sur la danseuse. Une belle conclusion sur un corps qui se songe apaisé.

    C'était (la première) de Como salir a buscar una estrella con las dos manos ocupadas ♥♥ de Jesus Sevari-Compagnie absolumente  avec Jesus Sevari, Sylvie Deslande, Gonzalo Alarcon, Sven Lava, à Mains d'Oeuvres.

    C'est ce soir toujours, et samedi encore...

    Guy 

    P.S. : ...et un moins aprés aussi à l'Ecole nationale d'architecture de Paris, d'où Jérome n'est pas revenu les mains vides 

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  • Soif et Pluie, à l'espace Bertin Poirée

    C'est un secret bien gardé: il y a en ce moment un festival de danse à Bertin Poirée. Proposant tout autant de la danse contemporaine que du buto. Les animateurs du lieu sont d'une gentillesse et d'une politesse toute nippone, d'une discrétion exemplaire. On parlera quand même de ce qu'on a vu, brièvement pour ne pas les gêner, peut être ont ils peur que cela se sache qu'ils organisent un festival. Cette digne politique porte ses fruits: juste une poignée de spectateurs s'installent sur chaises et tapis pour voir si  "Il va pleuvoir" avec la compagnie Noon... On va être honnête: pas de regrêts sur le moment, mais pas grand chose non plus à en dire après. Il est sûrement question du quotidien dans ce duo de bonne tenue, qui utilise des moyens variés, du hip hop au sage soulevé, jusqu'à quelques tics bien contemporains un peu vains: accomplir des actions superflues avec une chaise, essayer de faire bouger le mur, etc... On applaudit et on oublie, faute d'une narration forte à laquelle s'ancrer.

    Nettement plus de publics la semaine d'aprés- tous les secrets finissent tot ou tard par s'ébruiter- dont un admirateur de Moeno Wakamatsu: on est donc au moins deux admirateurs, c'est un début. Plus d'intensité sur scène ce soir aussi, avec "Soif", solo de Miyoko Shida.  La partie est vite gagnée: peut être parceque dans le regard de la dame on lit une vraie inquiétude. Traduit dans le mouvement, un tournoiement entraîné par Bach pour ne plus s'arrêter, en une tension sans ostentation, la danseuse perchée sur pointes et cambrée, dans le flou d'une belle robe orange. Intermède avec une chaise, cette fois intelligemment exploitée. Et survient un exploit notable: notre fleur assoiffée se plante quelques instants dans un pot. Sans pour autant être ridicule, même un seul instant.

    C'était "Il va pleuvoir"♥♥ de la Cie Noon et "Soif" ♥♥♥♥ de Miyoko Shida à l'Espace culturel Bertin Poirée.

    Guy