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Breve - Page 5

  • A table

    Rebecca Chaillon franchit d'évidence les lignes rouges- tant mieux- et pas seulement celles matérialisées par les fils qui structurent l'espace de la scène. Direction droit vers des zones intérieures, des appétits sans pudeurs. Ce soir est fouillée la fascination pour les "monstres d'amour" qui "aiment à la vie et à la mort", jusqu'à détruire, dévorer. L'entrée en cérémonie dans un demi-cercle de bougies n'atténue rien de la violence de l'engagement qui suit. Je croyais pourtant être blasé. La mise en scène goute à tous les langages jusqu'à la boulimie, et il y aurait de la vidéo à laisser. Mais pourquoi s'en étonner? C'est un appétit salvateur, dans l’excès. L'expression d'une sensibilité qui affleure, autour de la difficulté d'être et d'aimer.
     

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    Monstres d'amour de Rebecca Chaillon, vu au Théâtre Paris Villette le 12 mai 2016
     
    Guy
     
    photo avec l'aimable autorisation de la compagnie
  • Love is Comedy

    La relation amoureuse: les pièces de Leila Gaudin ont, pour de vrai, des sujets, pas les plus faciles au demeurant. Des sujets au pluriel: de l'obsession solitaire envers l'objet désiré, aux ajustements des corps et des caractères, à la construction sociale du couple dans le regard d'un tiers, les nuances et les glissements sont traduits ici sur la palette des disciplines et procédés employés. Sans ruptures de style, la comédie et la vidéo montrent ce qui est le plus évident, la danse et le mouvement suggèrent ce qui est plus subtil, fuyant. En commun, conciliés, la drôlerie et l'engagement. 

     

    leïla gaudin,regard du cygne

    I love You, de Leïla Gaudin, vu au Regard du Cygne le 17 mars 2016 avec les Journées Danse Dense pour les festivals Signes de Printemps et Incandescences

    Guy

    photo de Jean Gros Abadie avec l'aimable autorisation de la compagnie

  • Trouble à l'usine

    Cécile Volange travaille à la chaine, Madame Merteuil dirige l'usine. "Je suis une force de travail", dit l'ouvrière... Dans une pièce "politique", les personnages se reduisent-ils que des concepts distanciés? Par leur voix le texte pose lourds les enjeux, texte cadencé comme le bruit lancinant de la chaine de montage de Volange, texte martelé en redites. Mais les mots imposés d'ailleurs se perdent, restent les corps dépossédés, leurs contradictions et leurs troubles, ici incarnés avec un bel engagement. Ce qui m'intéresse ici, ce n'est pas tant l'économique dénoncé- rendements et délocalisation- que l'exposition des rapports inévitables et invisibles entre travail et intime. Avec rigueur et cruauté, la pièce porte les "rôles" professionnels jusqu'aux points d'exacerbation du pouvoir et du désir. Les références aux liaisons dangereuses prennent alors tout leur sens. La scénographie froide campe l'espace personnel et familial de Volange comme un champ de gravas et ruines. Comme les autres personnages réduits par cette aliénation à leurs mécanismes, elle offre sa dévotion comme ses gestes et son corps à l'usine.
     
    Erwin Motors, Devotion de Magalie Mougel mis en scène par Maxime Contrepois, vu à la Loge le 26 avril 2016
     
    Guy

  • Vers le silence

    Le batteur est il vraiment le gardien du tempo? Les baguettes de Christan Vander déjouent cette attente, s'évadent et nous emportent, avec fougue et subtilité, déraisonnées. Le rythme est implicite, intérieur. Les accélérations et ponctuations véhémentes, le soulignent et le tendent, jusqu'à suggérer l'illusion d'un imperceptible silence, juste l'espace d'une micro seconde, ou l'existence d'une éternelle vibration, comme l'atteinte mais aussitôt perdue d'une perfection. Chaque fois une fin et une renaissance. L'émotion commande, servie par la technique: les premières notes de Naima résonnent, mais bientôt on se sait quand et comment le rythme lent de l'introduction s'est accéléré vers l'acmé.
     
    Surtout cette musique célèbre et suspend avec respect et dévotion un moment clé du passé, lorsque que le jazz atteint un sommet de passion, aperçu de l'absolu, porté le quartet de John Coltrane, Mac Coy Tyner, Jim Garrison et Elvin Jones, dont les musiciens ce soir reprennent les rôles. Cette pièce, récréée se joue depuis des années.
     
     
    Christian Vander quartet : Laurent Fickelson – piano ; Jean Michel Couchet  saxophones ; Emmanuel Grimonprez – contrebasse; Christian Vander: batterie au Sunset le 29 avril 2016
     
    Guy

  • ça colle!

    Selon le pari du festival un chorégraphe, un écrivain tentent la rencontre. Ici sur un mode de fiction amoureuse, chacun dans le personnage de sa fonction. Elle souveraine et féline, garde le contrôle, l'attire et le porte, le frôle et vole, mène le pas de deux. Moqueries caressantes, mais bienveillance en action. Lui fait le grand gauche, qui parle et saoule, s'étourdit de mots, agite Schopenhauer et Platon. Paroles, paroles: les gestes l'emportent. Le contact se joue drôlement entre toutes parties du corps, se prolonge en une joyeuse danse, emportée par la voix de Sam Cooke. La danse fait vivre plus longtemps.
     
    It's a Match créé par Raphaëlle Delaunay et Sylvain Prudhomme pour le festival Concordan(s)es, vu au Colombier de Bagnolet le 25 mars 2016.
     
    Guy
     
    Prochaines représentation le 6 avril, à 15H à la bibliothèque André Malraux des Lilas , et à 19H au Centre National de la Danse (Pantin).

  • HS (Épilogue aux entretiens avec Katalin Patkaï)

    Quand Katalin Patkaï crée HS en février dernier au Générateur, il me faut un peu de temps pour prendre conscience qu'il s'agit en un sens de la conclusion de nos entretiens initiés pas loin de deux ans auparavant. Je me demandais pourquoi cela avait pris tant de temps, même après sur des heures d'enregistrements plus d'heures encore de transcription, de collage et de rédaction pour tenter d'être plus fidèle que le texte. Puis le projet qui reste en pause, passé en arrière-plan des vies et envies de l'une et de l'autre. Enfin à l'approche de la création d'HS, K. qui revient, relit et corrige sans rien censurer, juste les formes et rien du fond. Car il y avait là pour elle bien plus qu'un moyen de promotion: une nécessité de sincérité qui tenait à la pièce ... Plutôt j'ai pris conscience que les entretiens en constituaient la préparation. Non seulement parce que cette pièce en gestation, K. m'en parlait tout au long des entretiens, même quand nous n'avons pas Ernesto dans les pattes. Non seulement en raison de la logique qui venait peu à peu au jour dans ce cheminement artistique, partant des pièces au sujet du genre, des femmes, des mères (M.I.L.F.), de l'innocence (Jeudi), jusqu'à l'aboutissement d'aujourd'hui. Je comprends maintenant que parler sans retenir faisait partie du travail de création d' HS. Il fallait ce temps là. Ce que K. livre sur scène avec cette pièce est la chose la plus intime qui soit: le fruit de sa chair, et l'amour le plus absolu qui puisse exister. L'enfant. La mise en scène, les textes, la drôlerie, ne peuvent faire diversion, masquer ce fait. Le travail de mise en scène est ici nécessaire, il n'est pas essentiel. Ce travail dessine juste un cadre autour de ce qui est important, au vrai travail, celui de l'accouchement. L'enfant chahute, s'échappe des jupes de sa mère, prend son vélo, roule son chemin autour de nous et fait exploser le cadre de la scène. Il grandit déjà et bientôt cet instant ne sera plus. Ni la pièce. Tout fuit, incertain. C'est cela le plus important et après cela il n'y a plus de secret qui tienne en paroles, ou sur scène K. où ose, dit son age- plus fort que de se mettre à poil- parle de son père. Des proches la lisent et la comprennent mieux. De mon coté, il me faut un peu de temps. Attendre quelques semaines plus tard, de revoir K., et comprendre. Sans doute comprend-elle de son coté qu' HS, dans sa radicalité, comme un don impudique qui porte en lui sa fin, sera peu compris. Mais il suffira qu'il soit assez aimé.

    HS créé par Katalin Patkaï le au Générateur de Gentilly dans le cadre de Faits d'hiver, sera joué à nouveau au Regard du Cygne le mardi 22 mars à 14h30 dans le cadre du festival Signes de Printemps

    Guy

  • L'imitation des saints

    L'effet le plus troublant, même avant l'in-actualité du sujet, c'est déjà de ne pouvoir savoir à quel degré recevoir ces exercices d'hagiographie, sucrés-salés, entre canon et irrespect. Il y a ici des signes de grand sérieux: Christine Armanger fait preuve d'une érudition sans fautes dans ces récits très incarnés des martyres de Sainte Agathe et Saint Sébastien (à cette étape). Et d'un coté la chair est intensément engagée dans l'imitation, avec flèches et tenailles, de l'autre les vidéos tutorielles témoignent d'une délicieuse désinvolture, détachée. Ou est ce de la pudeur? On flotte dans les zones frontières entre sacré et érotisme. Modernité et tradition. Déconstruction et réenchantement. Ça sent l'encens. Et le parfum également?
    Je ne poserai pas de questions à Christine Armanger, de peur qu'elle me réponde. On y croit, ou non. Certains mystères ne doivent pas être éclaircis. On la prie juste de continuer.

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    Edmonde et d'autres saint(e)s de et avec Christine Armanger,  étape de travail vue à Micadanses le 16 mars 2016

    Guy

    Photo de Salim Santa Lucia avec l'aimable autorisation de la compagnie.

  • Tirer le fil

    Tout est là, sur le plateau tel qu'en pensées, et en apparent désordre: vêtements, livres (beaucoup), accessoires et fleurs séchées, et souvenirs invisibles. Tout sera utile, ou non. Ou une autre fois. Cette conférence dansée évoque le flou du sensible, ce qui est fragile, qui va et revient, les extases possibles, le temps qui s'étend de la création. Elle ouvre un livre, lit un texte, regarde une image et en libère un geste. La danse émerge de l'informulé des inspirations, les pensées se matérialisent. Le corps s'autorise, la chorégraphe se cherche dans l'espace, erre et explore, une musique exaltée l'emporte. Le mouvement juste vient.

    danse,gaëlle guéranger,micadanses

    Tressage de Gaëlle Guéranger, vu en présentation professionnelle à Micadanses le 8 mars 2016.

    Guy

    Photo par Aurore Monvoisin avec l'aimable autorisation de la compagnie

  • Faisons-nous peur

    A-t-on vraiment eu peur, comme il était promis sur l'affiche? On a en tout cas beaucoup rit, ce qui revient un peu au même. Stéphane Azzopardi ne lésine sur rien, avec le même abattage que dans le trépidant Tour du monde en 80 jours. Il pose une intrigue archétypale qui rassure (légende, adultère, accident, culpabilité, malédiction, folie, sacrifice, rédemption) et secoue avec le rythme, les effets et les retournements de situation. 4eme mur explosé, spectateurs figurants, accident de voiture, tour de magie, accessoires qui prennent vie, apparitions et disparitions.... tout y est, et en 3 D. En bicyclette, si on s'arrête de rouler, on tombe: donc ici jamais de décélération, les personnages bondissent de lieu en lieu et de scène en scène en traversant les éléments du décor tournant. C'est la grande réussite de ce théâtre d'emmener en instantané et en toute lisibilité les spectateurs enthousiastes dans ces imaginaires en mouvement.

     

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    La dame blanche de de Sébastien Azzopardi Et Sacha Danino , mise en scène : Sébastien Azzopardi  vu le 1er mars au théâtre du Palais Royal.

    Guy

  • Le jaune et le blanc

    Je retrouve ici à ce point de son avancée un même projet, mais ce soir d'une autre manière, allant du rouge d'avant au blanc, du clair obscur à la pleine lumière, de la chair à l'épure, de la suggestion à la démonstration. Camille Mutel, d'évidence, poursuit dans ses pièces la recherche asymptotique des zones dérobées de l'érotisme, se confrontant à la possibilité, ou non, de représenter le désir jusqu'à son assouvissement. A cette étape, loin de l'onirisme d'Etna- dernière pièce en date- l'audace suit d'autres chemins. La proposition de ce soir fait tout autant écho au travail récent de la chorégraphe dans le cadre de (Nou) dirigé par Matthieu Hocquemiller qu'à ses propres créations. Le décor mental du Japon est posé, non seulement par les images urbaines d'Osamu Kanemura, mais dans le mode même de la pièce, sa respiration. Est-ce ici le pays de Mishima plutôt que celui d'Hijikata? La rencontre des deux corps dénudés des danseurs se tente dans un cérémonial érotique méticuleux, qui épuise tous les usages que l'on peut faire des œufs. Étrange alliance de crudité et de délicatesse, que la voix inattendue, organique, d'une chanteuse vient troubler à contre courant. Je songe aux créations précédentes, et aux sentiments d'irrépressibles surgissements qu'elles inspiraient, et je reviens ici face à une proposition plus mise à distance, plus cérébrale, mais qui appelle à la connivence. Le travail se donne à voir: travail sur le temps étiré du rituel avec la préparation minutieuse des accessoires, travail sur l'espace et la lumière, qui souligne le vide consistant entre les êtres jusqu'au rapprochement des dermes, travail sur le mouvement des 2 corps qui matérialise les dynamiques de l'attraction, de l'hésitation et de la rencontre. Le jeu de correspondances est dense: rencontre du masculin et du féminin comme du jaune et du blanc de l'œuf, symbolisme de cet objet et évocation de l'oiseau dans la danse, rôle détourné du chant qui relaye l'indicible....

    Je vois là un objet artistique neuf et surprenant, beau et glacé cependant, qui ose mais en inspirant un sentiment de contrôle. Qui me paraitrait presque trop sérieux s'il n'y avait dans l’œil et sur les lèvres des interprètes cette étincelle de plaisir et d'ironie.

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    Rencontre avec Camille Mutel autour de la création Go, go, go, said the bird (human kind cannot bear very much reality) from micadanses - Faits d'hiver on Vimeo.

    Go, go,go, said the bird (human kind cannot bear very much reality de Camille Mutel , vu le 8 février au Générateur de Gentilly avec le festival Faits d'Hiver.

    Guy

    photo de Paolo Porto avec l'aimable autorisation de la compagnie