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Artdanthe - Page 3

  • André Gingras: autopsie d'une performance

    Cette proposition, comment doit on la voir, où doit on la recevoir? On arrive curiosité toute aiguisée: Ardanthé a importé André Gingras pour ce soir seulement. Peu d'infos, hors un visuel ébouriffant. Dans cette salle toute nouvelle, électrique du retard et des travées surpeuplées, on est tendu d'attente....

    The Autopsy Project André Gingras photo 5 Ben van Duin.jpg

    Attentif à chacun des gestes, donc. Mais ces gestes vont-ils tous dans le même sens? A force ils nous font perplexe. Méfiant? Devant tout le grand jeu: du saut de l'ange à la nudité franche. Des sauts, des seins, des bonds. Les danseurs s'échauffent sur des échafaudages de trois mètres de haut, s'offrent sans filet. Une demoiselle en tenue de morgue est extraite d'un sac pour une partie de colin maillard en hauteur, et joue à nous faire peur. Impressionnant, mais cet athlétisme est à double tranchant. Semble suspect. Ce qu'on voit en cirque à la Villette semble souvent plus scénarisé. On regarde, mais on a du mal à s'abandonner, à se jetter soi-même dans le vide, tant on ne sait pas où on va. Plus tard on passe au sol, en mode urbain et hip hop....

    The Autopsy Project André Gingras photo 1b Ben van Duin.jpg

    Etc... Doit on tout décrire du reste, sans lier? Se cantonner à l'énumération? Rapporter les oppositions jouées entre corps inertes et corps réflexes? Et parler encore des fesses? Mais, tout voyeurisme mis à part, quelle utopie ces nudités peuvent elles dessiner? Celle d'une communauté primitive, ou post atomique? Cette question du sens apparaîrait sans doute sans importance, si la danse s'assumait en elle-même, hors de tout contexte. Mais il y a toutes ces ruptures de ton à la flamande: vidéo, séquences plus théâtrales, bavardages et chanson. Soudain muettes des chairs amollies sur arêtes métalliques: on laisse prendre et surprendre. Mais on zappe le reste, dispersé, surtout les situations de groupe: un lynchage qui tombe à plat, placé hors tension. Une autopsie qui n'apparaît comme telle qu'à force d'éclairage blafard. On cherche: doit on distinguer ici des rapports de pouvoirs? Voire, dés qu'il y a deux personnes ou plus ensemble, on peut y voir du pouvoir, forcement... Et un peu de ceci, et beaucoup de folie....

    Plus tard on aura lu Libé. Une fois, deux fois: pas plus avancé. Et ce soir là on a applaudi, toujours en réserve, ni énervé non plus. En pure reconnaissance de la belle énergie déployée, mais vers où? On avait finit d'attendre, ensuite, on a vite oublié. Qui dit mieux?

    C'était The Autopsy Project d'André Gingras. A Artdanthé

    Guy

    photos par Ben van Duin, avec l'aimable autorisation d'Artdanthé

     

  • Jamai(s) vu!: vues d'europe(s)!

    Certains voyages offrent des images qui persistent, d'autres pas. On passe une demi-heure trop longue en Italie, en compagnie d'un duo qui semble vouloir nous en mettre plein la vue dans un style post ado et enflammé. Tout le catalogue y passe, démonstratif et clinquant. On oublie. Vérification faite, cette compagnie remplaçait une autre, italienne aussi, d'abord prévue au programme... les changements de destination de dernière minute ne sont pas toujours bienvenus.

    Kafard.JPG

     

    Bien plus troublante, l'incursion dans cette Europe qu'on appelait avant l'Europe de l'Est, dans le pays de Kafka, qui s'associe dans notre mémoire à des siècles d'histoire. Une métamorphose est en cours, suspendue dans la gêne. Table et lampe au plafond, le décor pourrait être celui d'une cave. La lumière est chiche. L'homme est prisonnier, au moins de lui-même. En position foetale, sur-sous-devant cette table, autour, son corps s'agite de gestes insectes, couvert de misère et de poudre. L'être est encombré, cherche à se dégager de son enveloppe, bascule dans la folie et le sordide, laisse effuser tous les symptômes du delirium tremens. S'expriment par sourbresaults toutes les hantises: morcellement, mutilation, evicération. La danse est agitée de terreurs renfermées. La civilisation ne réussit à s'exprimer qu'en bafouillements tels ceux d'un prisonnier politique, les vêtements embarrassent aussi, la séquence se finie nue et prostrée, l'âme un instant attirée par un rayon de lumière. On peut en discuter certains détails, en tous cas ce solo est ancré et intègre.

    On s'attarde aussi 10 minutes en France conceptuelle et parisienne, pour devenir le terrain d'une performance des Gens d'Uterpan qui reprend un extrait de leur avis d'audition. Ne consistant en rien d'autre que la début de la pièce vue ici du canadien Dave St Pierre (sans prétendre rechercher à qui revient la paternité de la chose), mais suivie de rien.

    Et on retrouve Sofia Fitas, et intacte toute son étrangeté, sa puissance d'évocation. Le regard est déprogrammé. De métamorphoses il est aussi question ici, mais trés loin de l'humain. Nous ne sommes pas au Portugal, ni en Europe, nous ne sommes plus dans un pays, ou alors celui de l'inconscient, nous sommes aprés, ou avant.

    C'était Paper-Wall de Giannalberto de Filippis, Der Cafard de Jan Komarek avec Honza Malik, Parterre des Gens d'Uterpan, Experimento 1 de Sofia Fitas. Au théâtre de Vanves, dans le cadre du festival jamai(s) vu!.

    Guy

    Jamai(s) vu! continue les mercredi 4, jeudi 6, samedi 7 fevrier, au Colombier de Bagnolet (01 43 60 72 81), avec Francoise Tartinville, Petra Fornayova, Lenka Bartunkova, Zufit Simon (France, Rép. tchèque, allemagne)...Pourquoi le "s" de jamais est il entre parenthèse?

    Photo (droits réservés) avec l'aimable autorisation de Jean François Munnier.

  • Christian et François Ben Aim: Douce Transe

    En une heure (ou moins, ou plus) d'un temps abandonné, rien n'est heurté. Tout se suit, en épure: on ouvre les yeux, on résiste d'abord, mais jusqu'à accepter, simplement, désarmé. Aucune histoire n'est racontée, si ce n'est le passage graduel de l'individuel au collectif, vers des répétitions enivrantes et partagées d'où s'évadent de courtes variations, des esquisses de soli: on pense à John Coltrane- A love Supreme. Tout le reste aboli, de ce corps ou d'un autre s'exprime à cet instant la sérénité, des corps dévoués à la sensation: on se sent attiré, accueilli. Les mouvements répétés ensemble ne semblent jamais contraints, jamais forcés, parviennent à l'aisance du naturel, amples et relâchés: on se berce avec eux, on ondule, on oscille. 

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    Le résultat flotte intemporel, rythmé cependant, hors de tout contexte et en plein coeur: on rêve pour se demander si le sujet ultime de toute danse non narrative n'est pas le temps lui-même. Un temps qui se perdrait là tout à fait s'il n'y avait les repères d'un souffle d'accordéon, d'un pincement de corde, et du son des carillons, sans les aubes et crépuscules de lumières: renoncé, on se laisse aller à se griser aux couleurs. Quelque soit la vitesse, les mouvements semblent se balancer au ralenti, des vagues vont et viennent. Pourtant aucune mièvrerie: la danse est dynamique, l'engagement généreux, dans un doux paradoxe. La jubilation est pudique, sans la facilité d'un sourire, elle est féminine, on est gagné par la chaleur, juste ni plus ni moins que par un peu de bonheur. 

    C'était Amor fati fati amor, de Christian et Francois Ben Aïm-Compagnie CFB451, avec Caroline Allaire, Christian Ben Aïm, Aurelie Berland, Agnès Dufour, Eric Fessenmeyer, Anne Foucher, au Théatre de Vanves, avec Artdanthé.

    Guy

    Visuel: site de la compagnie

  • Herman Diephuis: 6 fois Julie Andrews

    Cher Herman Diephuis

    On a vu votre Julie, entre autres... mais avant de décider si on a aimé, une question: vous-même, aimez vous cette Julie, oui ou non? C'est à dire le modèle de départ, le personnage même? Question centrale. Car en regardant la pièce que vous avez crée à partir de matériaux tirés de La Melodie du Bonheur,on ne sait jamais pas à quel degré se situer, peut-être car on ne sait pas non plus où vous vous situez vous-même. Ily a t-il au départ de la nostalgie? Voulez vous simplement nous faire réfléchir? Vos six interprètes de Julie Andrews nous sourient d'un bout à l'autre, et machinalement nous leur sourions aussi. Sans crier à la manipulation, ce n''est qu'un sourire réflexe. Mais cela suffit il pour alimenter une véritable réfléxion sur le "marketing de l'optimisme"? Voire une critique du divertissement, à la manière du dernier sujet de controverse produit par Maguy Marin? Vous nous invitez à "grimper la montagne" avec Julie Andrews. Votre confrère Alain Buffard s'attaquait lui aussi à la comédie musicale par d'autres versants, avec (Not) a love song. Mais on avait le sentiment que son projet fonctionnait mieux, sans doute car malgré tout le détournement des codes, tout le second degré, la jubilation naïve face à ses sources d'inspiration restait évidente. On était, en sa compagnie, "dedans" et "en dehors" à la fois. Dans un déséquilibre dynamique. Dans une ambiguïté stimulante. On jubilait et refléchissait à la fois.

    Cela écrit, votre pièce est drôle, dans les gestes et dans la danse. Quoique nous faire écouter 5 versions à la suite de "My favorite things"(2 fois façon chanteuses de jazz, 2 fois façon crooner, une fois style punk) ne peut que tendre vers l'exercice de style, la gratuité. Et l'usage du play-back, ne peut qu'évoquer le style "spectacle de fin d'année", même ultra pro et reglé. Heureusement on se réveille quand Dalila Khatir donne de la voix, pour de vrai, on s'accroche au fauteuil. Puis quand les autres interprètes s'y risquent un peu. Mais on en revient à la question de départ, on ne sait pas où se situer. D'autant plus qu'en France nous sommes moins familiers avec La mélodie du Bonheur que dans les Pays-Bas de votre enfance. Personne ne vous a prevenu? Ou visez vous le marché anglo-saxon? Il faut une certaine remise à niveau pour vous suivre, et comprendre les allusions que vous faites à l'histoire, à sons de cloches et autres. Avec vous ce n'est jamais inintéressant, mais c'est toujours difficile à suivre. Pour Julie, comme on est sérieux on avait acheté, avant de voir votre chorégraphie, le DVD du film avec les bonus. Sans compter qu'on va devoir s'inscrire à la visite guidée organisée bientôt au Louvre, rien que pour comprendre les références de votre excellent "Dalila, par exemple"... (qui repasse au T.C.I.).Vous rendez vous compte à quel point vous faites travailler vos spectateurs? Pour en revenir à Julie, découvrir adulte le film La Mélodie du Bonheurc'est vivre une expérience kitsch surprenante, toutes ces histoires de bonnes soeurs et de blondinets qui courent dans les champs en chantant Edelweiss. Remarquez, le petit dernier a beaucoup aimé... Nous, est on trop vieux? Ou est ce un sujet inadaptable, au delà du niveau candide? Est il intéressant de critiquer le bonheur? En tout cas, merci pour les dernières minutes, vous avez choisit une interprétation de "My Favorite Things" par John Coltrane  vraiment déchirée. Auriez vous la référence? Savez vous- vous le savez sûrement- que Coltrane enregistra des dizaines de "Favorite Things" jusqu'à sa mort durant toutes ses années soixante, pour sans cesse transformer la mélodie gentillette en... autre chose d'absolu, et qu'il s'était absolument approprié. Est-ce le temps qui manque à votre Julie entre autres"? On en revient toujours là... Êtes vous sur d'avoir "tué" la Julie de votre enfance, avant de nous en montrer une autre?

    Bien cordialement

    Guy 

    P.S. On a un reproche à vous faire, pour une faute inexcusable. Vous ne créditez nulle part sur programme les auteurs de toutes les chansons que vous nous faites écouter: Richard Rodgers (1902-1979) et Oscar Hammerstein II (1895-1960). 

    C'était Julie, entre autres ♥♥♥ d' Herman Diephuis,avec Jerome Andrieu, Trisha Bauman, Julien Gallée-Ferré, Claire Haenni, Christophe Ives, Dalila Khatir au théâtre de Vanves, avec Artdanthé

  • Fées: que d'eau, que d'eau!

    Qu'il a du mal à être, ce garçon! 

    Lui tout seul- ou lui censé représenter toute la génération née des seventies. Normal, puisque l'Histoire, il y a dix ou vingt ans, se serait arrêtée en route. Depuis ne resteraient que les "à quoi bon"! Ce garçon a du mal à l'Etre aussi, et à 34eb01c99bd0b55c020917fb66e558cd.jpgnaître tout court. Pour mettre en scène cette impossibilité, le lieu introspectif de ce soir n'est pas la chambre, mais la salle de bains. Choix terriblement efficace et claustrophobe, matérialisé en un beau dispositif bi-frontal qui nous enferme entre deux murs carrelés. Avec les miroirs pour s'examiner, la baignoire pour s'y engloutir jusqu'aux origines. Et des cameras miniatures pour des très gros plans projetés sur les murs. Au cours des moments d'introspection post adolescente en très gros plan, on passe à deux doigts de l'examen de l'acné. Tout baigne engourdi et blème dans le vert et dans l'eau, comme dans du liquide amniotique. Cette eau envahit tout, jusqu'à ce que les personnages glissent et perdent pied dans l'onirique en de spectaculaires effets, c'est physique et saisissant. Le monde fait irruption dans cette sphère intime avec deux fées aux sourires inquiétants, les voix de la conscience morale et politique, sur un mode caricaturé. Les gestes troublent ou amusent, la chair humide s'expose entre spleen et sensualité, mais le texte, trop attendu, échoue à créer un lien clair entre ce dedans, et le monde au dehors. Entre le repli sur soi et l'engagement. Ce qui devrait être le sujet même. Faute d'audaces, les mots en restent à s'alourdir comme les lignes brutes d'un journal intime. Quitte à vouloir écouter une voix trentenaire et politique, on sera plus surpris par les propositions de  Nadège Prugnard, ces jours-ci au L.M.P.. On s'est quand même pris de sympathie pour ce personnage mouillé et dépressif, mais on lui souhaite de sortir bientôt au grand jour.

    C'est un jour comme celui-ci, un peu plus tard, un peu plus tôt, que tout recommence, que tout commence, que tout continue.

    Cesse de parler comme un homme qui rêve.

    Regarde! regardes les. Ils sont là des milliers et des milliers, sentinelles silencieuses, plantés le long des quais, des berges, le long des trottoirs noyés de pluie de la place Clichy, en pleine rêverie océanique, attendant les embruns, le déferlement des marées, l'appel rauque des oiseaux de mer.

    Non. Tu n'es plus le maître anonyme du monde, celui sur qui l'hhistoire n'avait pas de prise, celui qui ne sentait pas la pluie tomber, qui ne voyait pas la nuit venir. Tu n'est plus l'inaccessible, le limpide, le transparent. Tu as peur, tu attends. Tu attends place Clichy, que la pluie cesse de tomber.Georges Perec- Un Homme Qui dort. Edition Denoel- 1967.

    C'était Fées ♥♥♥,, mis en scène par David Bobée et écrit par Ronan Chéneau, avec Fanny Catel-Chanet, Abigaïl Green, James Joint, à Artdanthé.

    Guy

  • T.R.A.S.H. chapitre 2

    Quand vont-ils commencer pour de bon à s'abimer à terre, ou contre les murs? La pièce a commencé plutôt feutrée, d'une nervosité encore souterraine, mais on sait bien que cela ne durera pas, car on a vu Pork-in-loop des mêmes l'an dernier, ici 79f90021f87b1c776a830f787ba73cb7.jpgmême en Artdanthé. Donc on se tient sur ses gardes, pour ne pas se laisser surprendre à froid, sursauter au premier impact. Enfin: une chute, le bruit mat de l'impact. Après, des heurts à deux, des danseuses projetées....

    Quand même, on jugera vite la performance moins chocs et bosses que lors du chapitre précèdent. Ou s'habitue t'on? Objectivement, les crises de corps jouent ce soir plus coté malaise que brutalité, avec les anti-depresseurs plutôt qu'avec la testostérone. Ce soir l'agressivité se retourne en dedans, déborde vers l'autre juste par accès. La violence la plus constante reste celle infligée par la couleur de teinture de la danseuse rousse, le rouge à lèvres de la danseuse brune. Dans l'exécution de cette danse de l'absurde ou de la pathologie, par tensions, contradictions, mouvements nerveux, sauts maîtrisés, adresses au publics yeux dans les yeux et interjections en plusieurs langues, on retrouve à l'oeuvre le même vocabulaire, la même distribution (enfin il nous semble) que de dans Pork in loop. Et le même appui musical, structurant l'ensemble, aussi sage et maquillé classique que les danseurs semblent déjantés. Mais l'effet de surprise en moins. Ce serait pourtant injuste d'être blasé, tant les performances physiques impressionnent, à un niveau circassien. Tant tout est précisément exécuté, avec des mouvements d'ensemble rigoureux dans le débordement. Mais on se pose vite la question de l'articulation des deux pièces. Et-conséquemment- de l'utilité de celle qu'on est en train de regarder.

    Car de quoi nous parle-t-on? De l'âpreté des rapports humains? Des rapports de couple? De la sexualité? Les hommes s'affrontent ou s'éprouvent, l'homme porte la femme, une femme objet peut être, mais un objet à toute épreuve, en caoutchouc, anti-choc. Nous refait-on le coup du jugement dernier? C'est ce que laisse entendre la feuille de salle, mais qui donne surtout une bonne idée de ce que l'on obtient avec une traduction google du néerlandais vers le français sans que personne ne vienne corriger après. Nous parle-t-on de folie? Sans doute: les conflits se dépriment vite ou s'évitent, jusqu'à l'effondrement. Après l'excitation la dépression, l'exposé des pathologies. avec toute la gamme des stupeurs et tremblements. C'est à ce niveau de perception que la proposition se banalise un peu. On voit bien plus souvent sur scène angoisse et folie que bonheur et sérénité. Corps en crise, malades, névrosés. Mais, avec Alain Platel, Christie Lehuédé, Louise Bédard, et bien d'autres en passant par Piétragalla, c'est un terrain déjà beaucoup- et souvent trés bien- exploré. Si on changeait un peu ? On attend avec impatience, dans le même lieu, "La mélodie du bonheur" -rebaptisée Julie entre autres-version Hermann Diephus.

    C'était To File For Chapter 11 ♥♥♥ de Kristel Van Issum et T.R.A.S.H. , avec Tegest Pecht Guido, Lucie Petrusova, Alexandre Tissot, Guillherme Miotto, Yonel Castilla Serrano, José Agudo. dans le cadre du festival Artdanthé.

    Guy

     

  • Boris Charmatz: Retour sur Herses?

    Revoir Herses intéresse, fascine, mais sans rien éclaircir. On est pas plus avancé. Et encore moins à relire nos réflexions d'il y a un an. Naïvetés. On voit, on est frappé, mais sans en comprendre les raisons. Doit on renoncer à chercher un sens, d'ensemble? Tout juste persister à traquer des indices, pas plus? Pour commencer, on relit la feuille de salle: "Traversée critique des utopies (...) du corps naturel, du couple, de la communauté." Là on a quelques pistes: des oppositions. La seule approche possible serait-elle de tenter des définitions de la chose... mais en négatif? Par fragments. Sauf déja qu'il s'agit de danse, de toute évidence. Voilà pour le le positif. Mais à part ça? D'abord de quoi ne s'agit il pas?

    Aucune narration déjà. Ce qui est peut-être une bonne chose, un espoir de durer. Pas d' "histoire de". Juste au début quelques gestes de semeurs (?), mimés, sans explication. Pas de métaphore forcée, ni Dieu, ni tragédie, ni évocation d'un destin, ni dénonciation. Juste quatre, cinq corps qui ne seraient qu'eux-mêmes. Jusqu'à la nudité? Mais pour quelle raison? Cette nudité est inexpressive. En soit il semble qu'elle ne vaut rien: ramenée presque à l'absence de costumes. Comme un refus. Le corps n'est pas glorifié. Plutôt pataud. Sans s'affirmer jusque dans le ridicule. Cette nudité peut elle être vue comme une représentation de la naissance? De l'innocence? On avait cru voir cela chez d'autres, ici on ne voit rien de tout cela. Il faudrait que les gestes soient simples, émergents, vierges, en découverte, en explorations de leur vérité. Mais ce soir ce n'est pas le cas, on distingue du maniérisme, accompli avec gaucherie. Des postures tarabiscotées et jambe en l'air, mais qui auraient oublié leur achèvement. On tient enfin le début de quelque chose: des souvenirs d'autres danses, mais comme engourdies, léthargiques. Le printemps ne s'éveille jamais pour de bon. Se suivent des mouvements qui ne mènent à rien, courses gauches seins en main, tout le superbe reste en plan. Pas d'envolée. Des débris esthétiques, qui ne seraient pas posés là par hasard...mais pourquoi?

    Pour le second mouvement, toujours hasardeux, les corps se rencontrent. Un peu, mais dans une flagrante indifférence. Vagues frôlements, sans réactions, contacts incertains, rapprochements sans intentions. Tout sauf une représentation de l'attirance, de l'empathie, ni d'aucun autre sentiment. Puis des duos portés mous, danseuse balancée sur l'épaule comme un sac de linge. A nouveau une anti convention? Encore le refus du beau geste? Le pire pour finir: l'affalement de l'un sur l'autre, en une proximité inexpréssive, pour montrer ce qui ne se passe quand même pas quand le plus de peau s'épouse. Puis enfin le mouvement de groupe, mais en grappes. Les corps agglutinés et lents, englués ensemble. Tout au long-c'est un refus de plus- les lumières s'interdisent de montrer vraiment, économes jusque parfois aux limites de l'obscurité, pourtant créant à mi-parcours un soudain contraste, alors crues et blanches. Le véritable éclairage vient de la performance au violoncelle, qui pour l'essentiel prend place, après la danse. Une provocation comme le reste, provocation pas nécessairement à comprendre dans le sens agressif du terme, un dernier refus de l'interaction communément convenue entre la musique et le geste. Car pourtant les deux actes artistiques s'expliquent sans se rencontrer: comme chez Jean Pierre Robert l'instrument est utilisé au delà des approches  classiques, en explorant de nouvelles résonances, de nouvelles attaques, aux limites des cordes et du bois, de même que les gestes se jouent dans d'autres sens.  

    C'est fini, pour nous une seconde fois, on est pas plus avancé, et le contraste est frappant de par hasard revivre cette expérience juste après avoir vu Pietragalla. Dans Sade, il y a des audaces, de la créativité, mais solidement installées sur un socle d'expressivité, une base de romantisme, irréfutable et rassurante. On sait où on est, où du moins on sait d'où on part. Avec Charmatz, table rase des conventions, et là dessus reprise de fragments de langage déja-vu, ou d'anti-langage, dénoncé, c'est selon. C'est délicieusement intriguant et laisse sur une intéressante insatisfaction. Mais où va t'on? Est ce un nouveau vocabulaire qui est en construction, ou juste la déconstruction de l'ancien qui est montrée? Peut être faudrait il continuer à représenter Herses tous les 10 ans, pour sortir de l'engourdissement, et recommencer.

    C'était encore Herses(une lente introduction) ♥♥♥, de et avec Boris Charmatz, avec aussi Audrey Gaisan, Christophe Ives, Latifa laabissi, Alain Michard, cette fois avec Artdanthé.

    Guy

    P.S. : Boris Charmatz vient au Jeu de Paume (1 place de la Concorde Paris) présenter son film "Une Lente Introduction" mardi prochain 12 février à 19H, et en discuter. Avec les images de la création de Herses par la première distribution.  Et en attendant, Boris Charmatz s'explique un peu au CND .

    Re-P.S. Les musiques étaient d'Helmut Lachenmann, au violoncelle Andreas Lindenbaum

    PS. Aatt enen tionon est ici

  • Ay Pepito!: la madeleine de Xavier Lot

    Pour Xavier Lot, le pepito de Belin a quelque chose de la madeleine de Proust. Mais, dés les premiers mots on est  prevenu contre le goût trompeur de la nostalgie. Malgré les saveurs du biscuit, tout n'était pas mieux avant. La 3169cd4a848f9efd956d11788f1eefdc.jpgpièce, 100% autobiographique, est racontée en habits de ville- en habits de vie- de l'enfance ouvrière à Chateau-Thierry jusqu'à la quarantaine d'aujourd'hui, entre les deux une jeunesse française qui s'ouvre sur la danse et sur l'Afrique. Et la rencontre avec Bienvenue Bazié.

    Le ton est sec, vrai, physique. Xavier Lot marche son texte, devant lui pousse une table, la tire, comme tout le poids de ses souvenirs, la renverse, l'escalade, parfois jusqu'à être emporté par le déséquilibre. Sur les points de repères collectifs (avec quelques surprenantes approximations de dates.. -Est ce un effet du flou de la mémoire?- Ce qui amène à faire le constat plus général que le texte gagnerait à être encore travaillé.) se tisse le déroulement de l'histoire personnelle. Le "Et moi, et moi, et moi" s'enrichit de "200 millions d'africains". C'est bienvenu, pour éviter tout enlisement dans le nombrilisme. C'est logique, tant la marche du monde marque toujours l'expérience individuelle. On le sait bien depuis "Je me souviens". Ces évènements sont autant de disparitions d'un monde qui part en lambeaux- ou un monde de plus en plus difficile à lire- la danse se crée en marchant tout au long de ce solo pour redonner du corps et du sens à ces souvenirs. Leur conférer de la beauté. A la répétition sans fin des gestes accomplis par l'ouvrier des années soixante répond celle des exercices interminables du danseur. La danse commence des bras tendus, pour manipuler d'invisibles outils.

    La danse aussi se réfléchit. Xavier Lot mène l'exercice biographique avec assez de force et de lucidité pour s'obliger à une reflexion sur son art, sur sa portée. S'interroge sur les nouveaux académismes, les pesanteurs acquises qui entravent ses aspirations à l'envol. Les doutes, les échecs, ne sont pas occultés. Car c'est aussi un constat de la quarantaine, sans auto complaisance, d'une féroce honnêteté. Les souvenirs- si sensibles soient ils- peinent à se reconstruire en un tout, à s'ordonner. Sinon à dessiner un tableau plutôt dépressif, aussi pessimiste que tous les bilans que l'état du monde peut inspirer, sur un fond de mondialisation. Alors que les ex-usines Belin se vident.

    Xavier Lot nous fait aussi remarquer que, s'agissant des papilles, la saveur sucrée se découvre dès l'enfance, mais l'amertume à quarante ans. Pas avant. C'est le goût-fort et troublant- qu'Ay Pepito nous laisse dans la bouche.

    C'était Ay Pepito! ♥♥♥♥, de et avec Xavier Lot, sur un texte de Ronan Chéneau et Xavier Lot, au Théâtre de Vanves, avec le festival Artdanthé

    Guy

  • Les Gens d'Uterpan: nudité manifeste

    Sans le mouvement la nudité n’est rien. Dénuée de valeur, de signification. Mais dansée, la nudité peut devenir beaucoup plus intéressante. Elle prend sens. En faire la démonstration était sûrement superflu: merci aux Gens d’Uterpande s’y être attaqué.

    Arrivent sur scène dix jeunes gens des deux sexes.

    Nus. Ce qui en soi vaut quelques instants d’intense intérêt. Ces corps se portent élégants, et presque discrets. Plus sexy que sexuels. Avec des proportions prudentes, qui restent dans les normes d'une beauté rassurante. Beaux, sans aucun excès qui ne puisse provoquer ni étonner vraiment. L'attitude des danseurs, dégagée, indifférente, contribue à cette impression.

    Une marche commence, sur la stricte ligne diagonale de la scène, autour de laquelle se sont répartis, empressés et debouts, les spectateurs, expulsés des gradins. Parvenu au bout de la ligne, le groupe fait volte face pour effectuer le parcours inverse. Et arrivés à l’autre extrémité de la diagonale, ils se retournent à nouveau. Et ainsi de suite. Ils défilent ensemble, d’un pas rapide, sur cet axe invisible, dans les deux sens. Jusque là c’est neutre, plat, évidemment sans intérêt. La nudité, déshabillée de toute mise en scène, fait long feu. Desérotisée. Pétard mouillé? On craint d'assister à une vaine performance de plus, aux vagues intentions. Coté assistance: intérêt indéniable, mais peut-être un amusement déja blasé. Chair trop vite donnée en pâture? Offerte pour rien?

    Mais peu à peu, pas après pas, le phénomène devient autre. Le groupe ne change rien à la vitesse de sa marche, ce sont des mouvements à l’intérieur du groupe qui émergent: ondulations, déhanchements, flexions, tournoiements. D’abord marginalement. Mais à un moment indéterminé, la danse s'est installée pour de bon. Dans cette déambulation d’ensemble qui se poursuit, vive et sans pause. Toujours la même trajectoire collective, mais désormais sous-composée des brèves figures des dix danseurs et danseuses nus, multitude de mouvements qui bientôt se parlent entre eux. La musique est basique, une seule phrase courte, qui se répète, dont seul l’arrangement change.

    Des spectateurs s’enhardissent pour investir, debout encore, serrés, les derniers espaces libres sur le coté mur de la scène. Encerclement. Les gestes des danseurs prennent plus de dimension, d’ampleur, de signification, jusqu’à ce que le point de sensualité soit franchi franchement. Jamais celui de la vulgarité cependant, malgré toutes les postures qui pourraient la faire naître. Est-ce une question de graduation? Ou de naturel? On observe et on retrouve des réminiscences du X-event 1, vu il y a déjà un an ou deux, qui attaquait la même thématique par la face spectacle. Pièce plus explicite sexuellement de par les gestes pratiqués, et en contrepartie plus habillée, plus proche par sa construction et sa scénographie d’une pièce de danse. De même ici les gestes s'adressent à l'autre, les regards chavirent, les hanches se balancent, les corps se détendent et se cambrent plus nettement, on se frôle, puis on se touche brièvement, on se regarde langoureusement. Tout cela sans jamais arrêter de marcher ensemble. Les danseurs miment le désir, l’extase n’est pas loin.

    L'extase vient. Ou se fait représenter. Sans qu'il n'y ait eu, physiquement, de rencontres. Plaisirs complices mais solitaires? Solidaires? Ou une rencontre a t elle été suggérée sans être représentée? Climax évident quoiqu'il en soit, mais sans ostentation. Suspens. Le groupe se referme sur lui-même, en cercle. Se protégeant. Complicité, respirations, murmures. Les danseurs, toujours nus, vont se perdre ensemble quelques minutes dans le couloir devant la salle. Puis ils reviennent sur scène et recommencent. Sur la même diagonale. D’abord lentement et tout droit. Mais, encore tièdes, déjà plusieurs degrés à dessus du premier point initial. Et on devine qu'inévitablement ils vont monter en puissance. Condamnés- pour notre trouble ou notre distraction?- à la répétition, à un éternel cycle de montée de l’excitation, puis de plaisir? Le public de plus en plus est assis, déborde un peu sur la frontière du tapis blanc, plus proche de la trajectoire du groupe. Arrivés à l’extrémité de leur course, les danseurs empiètent sur la place des spectateurs assis là, mais qui restent comme invisibles pour eux, dansent nus autour, au dessus d’eux. Interpénétration des espaces intimes de jeu et d’observation. Coté des observateurs, légers réflexes de recul et de protection.

    La musique se répète, entêtante. Toujours le même thème. Tous les spectateurs sont assis sur les bords de la scène maintenant. Publics très mélangés, jeunes, vieux, hommes, femmes, groupes, couples, solitaires. Certains chuchotent entre eux, comme pour bien maîtriser la situation, en regardant les danseurs. Qui entament leur quatrième ou cinquième cycle. Chaque cycle quelques degrés au dessus du précédent, au moins que cela soit notre perception qui change. Il fait chaud. Deux spectatrices- pourtant à l’air très sage- se retrouvent mystérieusement en sous-vêtements. José Alfarroba et l’équipe d’Arthanthé, eux tous décemment habillés, distribuent des coussins. Les danseurs marchent ensemble, toujours enfermés dans l’exécution du même scénario. La répétition de messages corporels de séduction qu’ils s’adressent les uns aux autres dans d’infinies combinaisons. Filles vers les garçons, ou filles et filles, ou garçons entre eux. Tous à égalité. Jamais aucune manifestation d'agressivité sexuelle. Quelques secondes à peine à chaque fois tendues vers un partenaire, avant que le mouvement lascif sans jamais s’interrompre, ne se reporte vers le suivant. Un spectateur aux cheveux longs, qui semble bien parti, danse dans son coin comme à Woodstock, yeux fermés, avec de grands gestes. Les mêmes gestes que les artistes, mais en beaucoup moins bien.

    On distribue du punch. Dés la première gorgée, la température semble monter un peu. Mouvement perpétuel. Les danseurs ont atteint la phase de paroxysme d’un nouveau cycle, et il semble que cette fois les bras se balancent plus haut, que les fesses partent en arrière, et les hanches en avant d’une manière encore plus franche. Sans qu’ils ne s'ouvrent à l'impudicité, bizarrement. Ils semblent s'abandonner par instant au jeu de cette transe, jusqu'à presque tomber, comme par micro pertes de conscience. Entre eux toujours des expressions gourmandes, désirante. Érotisme utopique, révé. Quelques discussions à mi-voix dans l’assistance. Des spectateurs partent au bar et reviennent. D'autres ne reviendront pas. On regarde, et bien qu’aucun indice ne nous ait été donné permettant de situer cette danse dans un contexte ou un autre, on pense à un défilé dionysiaque. Une bacchanale, une saturnale. Un sabbat de sorciers peut-être? Non c'est une fausse piste: ici nulle culpabilité apparente, ni jouissance de la transgression. Une expression du plaisir, simplement.

    Encore du punch. A un moment ou un autre, les deux filles contre le mur ont décidé de se passer de soutiens-gorge. Elles discutent, l’air de rien, avec leurs voisins. Mais ne dansent pas. Sont très réelles. Gardent leurs lunettes. Tout le monde les a remarquées, mais fait semblant- juste un sourire ou deux-, les regards évitent pudiquement leurs poitrines pour se reporter sans embarras aucun sur les seins des danseuses sur scène. Qui continuent à marcher sur l’invariable diagonale et tournoient toujours plus intensément. Leurs corps, après bientôt deux heures d’effort, ont pris la rougeur et le rendu émouvant que généralement l’amour laisse. Oubliée la froide neutralité du début. Les yeux sont mouillés. Les détails se font précis par instant, au grain de peau près, mais c’est toujours le mouvement général qui finalement s’impose à la perception. Mais aussi verges et bourses qui se balancent. Et gros plan, l’instant d’un généreux renversement, sur une vulve, presque un blason de l'innocence. Répétition. Surchauffe. Aux limites supérieures du crescendo. Pas difficile de comprendre que la montée de la fatigue- jusqu’à l’épuisement ?- participe de la stratégie du spectacle. De part et d'autre. Trois heures de performance, selon le programme. Vont-ils répéter les mêmes cycles jusqu’à la fin? Mais peut il y avoir une fin? On aimerait qu’ils s’arrêtent parfois à mi-course avant de reprendre. Ou juste ralentissent, un instant. On réalise que tous les regards, tous les gestes des performeurs se sont échangés à l’intérieur du groupe, jamais vers l’assistance, toujours tenue à l'extérieur, ignorée, même quand les danseurs viennent à sa rencontre, au centimètre près. Est-ce dans les intentions des chorégraphes d’inviter l’assistance à prendre congé, mais comme clandestinement- sur une situation inachevée? Un jeu d’usure? L’assistance s’est en fait clairsemée de moitié, ceux qui restent sont plutôt affalés. Fulgurante beauté d’un corps en torsion, appréhendé dans son ensemble, avant qu’il ne se redresse. Raidissement, détente.

    Légère ivresse. On regarde un peu les deux filles toujours en petite culotte, qui elles-mêmes regardent les danseuses et danseurs nus: laquelle des deux nudités banalise l'autre? En tous cas les danseurs ne se regardent qu'entre eux. Mais on croit reconnaître dans le public une danseuse de buto, qui commente, technique et amusée, les figures avec de grands gestes de la main. On devine qu'elle perçoit des choses que l'on ne pourrait voir nous même. Mais qui nous regarde? Restons habillé! Nouvelle tournée de punch- d'une nouvelle couleur?- et amuse-gueules. Olives vertes. On est fatigué, les corps se brouillent un peu. Mystère de l'être et de l'essence, dont la mise à nu ne dévoile rien, mystères au delà de la peau. Détails. Mouvements. On essaye de compter les danseurs et les danseuses. Pas moyen. Ils bougent tout le temps. On essaie en triant par sexe. Cela fonctionne mieux. Répétition. Chaleur. On est bien. Juste incrédule par moments. Les Gens d’Uterpan marchent toujours, semblent chacun fragiles et invulnérables ensemble, épuisés mais infatigables. Ailleurs, complètement. Comme vraiment possédés.

    Un spectateur se lève pour se camper au centre de la scène, et se laisse traverser par cette nuée de nudités l’air béat et la tête légèrement inclinée en arrière. Comme dans un bain de vapeurs sensuelles. Avant qu'on ne le ramène gentiment se rasseoir. Cette danse fait elle perdre la raison? Les danseurs autour de lui n’ont même pas ralenti. Intangibles. Des anges de rêves et de chairs. Toujours assises, un poil crispées, les deux spectatrices enlèvent le bas… Il est temps de rentrer.

    C’était X-Event 2.1 , des Gens d'Uterpan(Annie Vigier-Franck Apertet) au Vanves Théâtre, toujours avec Artdanthé.

    Guy

  • Les Printemps de Léveillé

    Extraites du répertoire de Daniel Léveillé, deux pièces jetaient hier soir un regard 20 ans en arrière. Mais deux pièces, qui, de notre point de vue qui n'est pas celui de l'historien, résonnent- comme Herses- plus actuelles que bien des nouveautés. Sauf à considérer qu'il faille du texte ou de la vidéo pour être moderne.

    Or pas même de musique au début du premier solo, Traces N°2. Une lumière simple et une femme- Louise Bédard- un vrai personnage bientôt. Embarrassée d'habits trop grands. Dans ce silence qui de plus en plus pèse, l'interprète exécute brusquement des spasmes comme nerveux. S'installe l'illusion que ces spasmes saisissent malgré lui le personnage ainsi créé. Brèves interruptions, mais pour laisser s'exprimer l'angoisse d'un regard à la dérive. Un visage décomposé. Cris. L'invention hachée et brute d'un nouveau vocabulaire gestuel, violemment inédit. Que Gilles de La Tourette aurait pu composer. Langage sans compromis, qui vient chercher quelque chose très loin dans le corps, pour nous l'imposer. Cela continue. Stupeur et tremblements. Gène, et toujours aucune musique pour l'atténuer.

    C'est une révélation poignante quand, une éternité de 10 minutes plus tard sautillent les premiers accords de guitare de "The girl from Ipanéma", qu'on a entendu mille fois, mais jamais comme cela. Louise Cavallier déambule alors gauchement, comme une danseuse de buto. "But she doesn't see....?" La phase répétée par Stan Getzsur le registre brumeux mais léger du sax ténor installe un contraste pathétique avec ce qui est vu. Mais le dérangement n'en est pas atténué, ni happy end ni rémission.

    On ne parvient pas, après ces émotions, à s'intéresser vraiment au Sacre du Printemps qui suit. Malgré Stravinsky (1882-1971), malgré les toutes les trouvailles, malgré l'énergie et l'excellence des quatre danseurs, rhabillés de la Pudeur des Icebergs. La majorité de l'audience semble pourtant acquise ou conquise, de la pré-ado à couette du premier rang aux mamies expansives derrière. Mais cette pièce va beaucoup moins loin que Traces. C'est simplement de la danse, et les pas sont toujours placés, impeccablement, SUR le tempo.

    C'étaient, de Daniel Léveillé, Traces N°II (1989) -♥-interprété par Louise Bédard, puis Le Sacre du Printemps (1982), interprété par Frédéric Boivin, Mathieu Campeau, Justin Gionet, Emmannuel Prouix. Une fois encore à Vanves Théatre, avec Artdanthé.

    Guy 

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